Diario Sur

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Autor: Pedrortega
Rodrigo Sorogoyen: Madre
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Pedrortega | 24-03-2017 | 11:14| 0

Rodrigo Sorogoyen

Empieza a trabajar desde muy joven como guionista de ficción en la pequeña pantalla. En 2007, con 25 años, escribe y dirige junto a Peris Romano la película 8 Citas, estrenada en 2008 en el Festival de Málaga, donde tuvo una gran acogida por parte de crítica y público. A partir de entonces ha ido compaginando la realización de series para la televisión como Impares, La pecera de Eva y Frágiles con la escritura y realización de otros proyectos cinematográficos.

Filmografía

Madre (corto, 2016), Que Dios nos perdone (2015), Stockholm (2013), 8 Citas (2008)

Sinopsis

Madre es un thriller psicológico que explora las relaciones materno-filiales entre Marta, su madre y su hijo. Cómo una llamada puede convertirse en una pesadilla y cambiar sus vidas para siempre.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

La idea surge porque oigo el relato de una conocida a la que le ha ocurrido algo parecido. Lo que relata esta chica es solo el detonante del cortometraje, lo que pasa después en pantalla está ficcionado.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Sobre las relaciones materno filiales, sobre la transmisión de la culpa y sobre la sociedad aterrorizada en la que vivimos.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Seguir rodando que es lo que más me gusta.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Las ayudas de Malvalanda y Apache Films así como las ayudas del ICAA y de la CAM

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Hacer un plano secuencia de 13 minutos y medio

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

Pues eso, Icaa y Cam a parte de los aportes de Caballo films, MAlvalanda y Apache films

 

Preséntanos a los actores.

Marta Nieto, Blanca Apilánez, Álvaro Balas

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Muy bien. Alex de Pablo hace la foto, Lorena Puerto hace el arte, Ana López hace el vestuario, Roberto Fernández hace el sonido directo y la postpo.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Alguna pelea con los vecinos.

 

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Hemos tenido que borrar algunos reflejos en Telson 360 que trabajan MUY BIEN.

 

Háblanos de la banda sonora.

La ha hecho Olive Arson, mi colaborador habitual. Queríamos algo muy extraño e inquietante. Dime tú si lo hemos conseguido.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

El increscendo. Que en tiempo real se pasa de un momento banal a una auténtica pesadilla.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

La elección del plano secuencia.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Si quiere pasarlo un rato angustioso y luego hacerse preguntas, que lo vea.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Una alegría tremenda y la segunda piedra en un camino que esperamos que sea largo.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Por supuesto, si no la gente no lo haría.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Por ahora nada ;)

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Que tiene una gran salud creativa pero que como siempre falta exhibición.

 

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Jesús Rivera Soriano: Cachorro
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Pedrortega | 24-03-2017 | 10:34| 0

Jesús Rivera Soriano

Nacido en Almería en 1990. Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Málaga y Diplomado en Dirección por la ECAM. Ha trabajado en teatro, radio, publicidad y cine en diferentes comunidades autónomas. Viendo la vida con un ojo y medio, está en constante búsqueda para mostrar su particular percepción de la realidad.

Sinopsis

Las leonas obligan a sus crías a abandonar la manada al cumplir dos años. Solo los más fuertes logran convertirse en adultos.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

“Cachorro” nace por la necesidad de contar una historia sobre la incomunicación. Tratar la relación más difícil que bajo nuestro punto de vista, y de nuestra generación, existe, la relación entre los padres y los adolescentes.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Es una historia de amor, de odio y de cómo nuestros problemas más personales influyen en nuestros seres queridos. Intentamos acercarnos a la realidad, a un problema actual que sufren muchos adolescentes y tratarlo desde el punto de vista de una madre, una madre, por otro lado, poco convencional.

 

Personalmente, ¿Qué fue lo que te llevó a dirigir esta historia?

Todos hemos sido adolescentes y hemos vivido circunstancias que hemos intentado ocultarles a nuestros padres. En mi caso, me siento muy identificado con el chico, pero ese sentimiento ya lo conocía por lo que me pareció más interesante introducirme en la mente de una madre e intentar descifrar como se sentiría si su hijo tuviese algún problema y lo más importante, como reaccionaria. Al mismo tiempo, me interesaba tratar el absoluto realismo que tenía el guion y buscar los mecanismos más acordes para materializar un texto que requería acercarse a la realidad de una manera más documental. De ahí surge la idea del soporte (16mm) y de la relación de aspecto (1.66:1) que finalmente utilizamos.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Fórmulas de Financiación. Cachorro es un cortometraje que surge de la ECAM. Está enmarcado dentro del tercer curso como ejercicio final. Por tanto, el principal apoyo financiero es la propia ECAM. En cuanto a otros apoyos, hay que dar gracias a proveedores como Kodak, Cherokee luz o Cinelab que apoyaron el cortometraje ayudándonos a que el resultado final fuese el mejor posible.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

La lluvia, fue una odisea. Durante las dos primeras jornadas del rodaje la lluvia asoló Madrid. En un cortometraje donde el 90% eran exteriores ese hecho condicionaba el resultado final. Temíamos que el racord se viera afectado y con él la cronología y verosimilitud del corto. Sin embargo, al final conseguimos rodar todas las escenas y que el corto tuviera coherencia. Es más, esa lluvia es un elemento de puesta en escena que enfatiza el conflicto de los personajes y enriquece el cortometraje.

 

Preséntanos a los actores.

La presentación de los actores es sencilla, sobre todo si hablamos de Cristina Alcázar, actriz reconocida a nivel nacional con importantes papeles en cine (Siete minutos, al final del camino, etc.) y televisión (Física o química, Los quién, Cuéntame, Buscando el norte, etc). Cristina es una actriz que se vuelva absolutamente en el proyecto y se deja moldear y tratar con respecto al personaje que está interpretando. Para mi es una suerte y un honor que se involucrara en el proyecto y pusiese todo de su parte.

A Pedro Tamames lo conocí a través de Cristina, un chico de 18 años (bueno, ya 19) que repite por segundo año consecutivo en el festival (El año pasado con otro corto en sección oficial Take Away de Jorge Cantos). A pesar de su corta edad, me sorprendió mucho la forma que tiene de escuchar al director y de adaptarse a los personajes. Sin duda le espera un gran futuro.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Si hay algo que resaltar sobre el equipo, además de su compromiso, es la media de edad de los componentes. Todos y cada uno de ellos son personas que se encuentran por debajo de los 30 años y que a pesar de la situación actual del cine en España siguen luchando por dedicarse a ello. Sara de la Fuente, productora ejecutiva; Óscar Vicentelli, ayudante de dirección; Jorge Sirvent Cámara, director de fotografía; Kyrl Acton, jefe de sonido; Ivonne Navarrete, directora de arte; Juanjo Rodríguez y Marco Barada, Montadores; Almudena Cerezo, vestuario; Naara Cordón, maquillaje y peluquería; entre otros. Todos y cada uno de ellos tiene un compromiso y un amor por el cine que hace que merezca la pena seguir rodando.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Sí, por “suerte” hubo muchas anécdotas. Una que siempre cuento, fue con el director de fotografía. En un plano bastante complicado, ya era la tercera o cuarta toma (en 16 milímetros), después de haber corregido el plano (plano secuencia) en las anteriores tomas, di el “corten” y me fui directo a los actores, lo habían hecho genial, me acerqué a sonido e igual, estaba muy contento. Entonces entré en el coche, donde estaba el director de fotografía y la ayudante y les dije, serio, “No habéis dado ni una”. En ese momento Jorge Sirvent se empezó a reír, obviamente tuvimos que repetir.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La pieza clave es el rodaje en soporte fotoquímico. Una decisión que cambió el rumbo del proyecto. Todos los elementos tanto logísticos como artísticos cambiaron en favor de ese sistema de trabajo que hoy en día no es tan utilizado. Hay que decir que el rodaje en fotoquímico tiene muchas ventajas pero hoy en día puedes corres el riesgo de perder un poco de control sobre tu material. Por lo tanto, el trabajo de preproduccion es vital para adelantarte a posibles problemas.

 

Háblanos de la banda sonora.

Esto fue una decisión sobre la propuesta del proyecto. No habría banda sonora.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Para mí, el corto cumplió su objetivo en la sala de montaje. Yo, como director, vi el corto y entre en él sin darme cuenta de que lo habíamos realizado nosotros. Esa fue la mayor satisfacción.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Me siento satisfecho con el equipo, tanto técnico como artístico. Era una propuesta radical y complicada de materializar y creo que entre todos conseguimos llegar a un buen resultado. El proceso para llegar a lo que ahora es “Cachorro” es lo que me llena. Los actores estuvieron comprometidos hasta el final y el equipo me apoyó desde el primer momento. Conseguimos hacer un corto donde, creo, se percibe una realidad muy cercana.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Director: ¡Qué pregunta más difícil! Lo primero que le diría seria que no se coarten a la hora de ver cortometrajes, que es un género muy interesante y muy difícil de sacar adelate. Los cortos ya no son estrategias para hacer un largo sino un propio género en sí. Con respecto a cachorro, les invito a que se sienten a ver un trozo de vida de unos personajes, no una vida entera. Que se abran a acercarse a Marta y Dani dentro de esta historia que seguro muchos la percibimos como cercana.

Productora: Como espectadora y productora lo que más me gusta es la gestión de la información. Habiendo vivido el proceso de escritura desde el guion al corte final de montaje lo que más me enorgullece es que información está bien gestionada. Desde las frases, las acciones y las intenciones de los personajes.

 

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Para todos ha sido una gran noticia, una selección que esperábamos con muchísima ilusión. Hoy en día se hacen muy buenos cortometrajes y es muy difícil ser seleccionado en un festival tan grande. A mí personalmente me hace especial ilusión, soy Almeriense y estudié la carrera en Málaga, he vivido siempre el festival desde la butaca de prensa o de espectador e ir ahora a la sección oficial es muy importante para mí.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Para mí, la respuesta a esa pregunta siempre es sí. Siempre ha sido muy difícil hacer cine, la situación actual no es nueva para nosotros. Son muchas horas y mucho esfuerzo en este caso, para un cortometraje de 12 minutos, pero no cambiaría esta profesión por ninguna, lo que se siente por el cine es amor y de eso no te puedes desprender.

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

El proceso de distribución lo está llevando la distribuidora propia de la ECAM, capitaneada por Ismael Martín. Desde el primer momento se han volcado con el cortometraje. Por el momento aún está en una fase muy temprana, pero tanto la selección en Málaga como en Medina del Campo nos hacen tener ilusión y creemos que el corto tendrá un buen recorrido por festivales.

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Ahora mismo es difícil predecir el panorama del cortometraje en España. Con las nuevas tecnologías cada vez hay más gente que tiene más cerca la posibilidad de rodar y eso nos facilita en gran medida poder sacar proyectos a delante. Creo que el cortometraje, como género, debe de seguir apoyándose a todos los niveles, pero sobre todo apoyar a la gente joven y a nuevos directores que intenta hacerse camino en la industria.

Entre todos tenemos que luchar por que se consuma más cortometraje, no solo en los festivales sino también en el cine y la televisión. Ya hay plataformas como filmin que tienen un catálogo amplio de cortometrajes al igual que tve que también televisa muchos en algunos de sus programas. Está demostrado que el cortometraje es una fórmula para contar historias y no un proceso para hacer largometrajes, visto está en la misma sección oficial del Festival de Málaga de cine español donde encontramos “Madre” de Rodrigo Sorogoyen, director de cine que no se conforma solo con hacer largometrajes sino que cuando se encuentra una historia en formato corto también ha de ser contada.

 

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Alejo Levis & Laura Sisteró: WASTE
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Pedrortega | 23-03-2017 | 8:05| 0

DOSCABEZAS

Laura Sisteró y Alejo Levis se unen en 2015 para crear DOSCABEZAS, combinando y complementando sus estilos y talentos, con el propósito de formar un sello para la realización de publicidad y piezas audiovisuales con un estilo narrativo propio y marcadamente estético. Su primer año de vida ha sido fulgurante y han trabajado para las agencias más importantes del país, posicionándose como una voz nueva y personal dentro del panorama audiovisual. Además han dirigido WASTE, su primer proyecto personal, y preparan un corto de ficción para este año, para seguir investigando en una narrativa propia y atrevida.

LAURA SISTERÓ

En 2012 obtuvo el grado universitario de cine en la escuela ESCAC de Barcelona, especializada en dirección de documental. Actualmente combina su trabajo como directora de publicidad con sus proyectos más personales de cine de ficción y documental.

Empezó hace cinco años dirigiendo videoclips para discográficas independientes como Bcore, Subterfuje . Desde hace tres años trabaja como realizadora de publicidad para campañas de marcas como Movistar, Knorr, Bach, Henkel etc.

En 2014 consigue una beca del programa MEDIA junto a ESCAC, que a través de 4 escuelas de cine europeas, desarrolla el guión de su primer largometraje “Jeena”, en el que actualmente sigue trabajando.

Actualmente también está en preproducción de su primer largometraje documental “Tolyatti Adrift”, que narra la historia de una banda juvenil que utiliza los antiguos coches de la URSS como medio de expressión y rebeldía, en una de las ciudades más pobres de Russia. En el que colabora la productora 15L films.

ALEJO LEVIS

Estudió imagen en la Universidad de Bellas Artes de Barcelona, y Dirección y dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona. Actualmente combina su trabajo como director de publicidad con otros proyectos más personales de cine y teatro.

Empezó hace quince años dirigiendo videoclips para discográficas como Warner, Sony o EMI. Desde hace más de diez años trabaja como realizador de PUBLICIDAD para campañas de marcas tan importantes como Cola Cao, Seat, Cruzcampo, Cepsa, Burguer King, Volkswagen etc.

Para TELEVISIÓN trabajó una temporada como realizador de exteriores y responsable de post-producción del programa “Polònia” de TVC. Es además el creador y director de la serie “Xtranys!” y de la sitcom de 65 episodios “Casting” para la XTLC.

En el mundo del CINE empezó trabajando como analista de guiones y desarrollo de proyectos en Infinity Films. Ha co-escrito el guión del largometraje “14 días con Víctor” de Arcadia Motion Pictures (estrenada en el Festival de Sitges 2010). Como montador destaca su trabajo en “The Birthday”, la opera prima de Eugenio Mira (Grand Piano) estrenada en el 2004. Como director sus videodanzas han sido premiados entre otros en el festival internacional de Tupelo (USA), en el festival Filexfilm, y por la Generalitat de Catalunya y NU2. Su cortometraje “Como Jugar a Polis y cacos” fue seleccionado en el festival de Malaga o Sitges entre otros festivales internacionales.

“Todo parecía perfecto” su primer largometraje como director, en el que también firma el guión y el montaje fue seleccionada entre otros en el Festival de cine de Málaga, en el D ?A (festival de cinema d ?autor de Barcelona), o el Festival de cine Español de Londres. Fue recibida con entusiasmo por la crítica y premiada en la categoría de mejor fotografía y mejor interpretación femenina en el Festival de cine Europeo Fantástico de Murcia. Acaba de finalizar su segundo largo “No quiero Perderte Nunca” producida por Life&Pictures (Hijo de Cain), y prepara el guión de “Nosotros somos los muertos”.

Sinopsis

Cinco chicas rinden culto a un extraño lápiz que aparece aleatoriamente en los cajones del piso en el que viven aisladas. 

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Juli Carné(DOP) buscaba realizadores para desarrollar un proyecto personal con un fuerte componente visual y estético, y pensó en nosotros. Aceptamos encantados. Su primera idea de hacer un fashion film nos la llevamos a nuestro terreno y escribimos un guión de corto, se lo propusimos y a él le encantó.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Sobre lo absurdo de las normas, los hábitos y los roles de poder que se establecen a raiz de costumbres o creencias preconcebidas. Queríamos trabajar desde una micro estructura casi familiar, surreal y enfermiza, con sus propias reglas, que nos permitiera hablar de la violencia que puede generar una creencia absurda.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Doscabezas somos Laura Sisteró y Alejo Levis, y nos unimos para reinventarnos a partir de un lenguaje común pero que nos sorprendiera a cada uno de nosotros y nos sacara de nuestro estilo personal o aquel en el que nos habíamos acomodado. “Waste” era una oportunidad de descubrirnos como duo creativo.

 

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

La productora Petra Garmon nos ayudó en todo desde el principio. Con ellos habíamos trabajado ya haciendo publicidad y son como parte de la familia para nosotros.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Es una pieza con un alto componente físico y coreográfico. No hay diálogos así que el trabajo corporal era importantísimo. No pudimos tener muchos días de ensayos con las actrices por lo que hubo que trabajar con la coreógrafa Raquel Klein en un tiempo record. Aprovechamos los ensayos para acabar de ajustar la planificación gracias a una pequeña cámara que movíamos entre las chicas como si fuese una bailarína más.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

El dinero lo aportó Petra Garmon y Juli Carné.

 

Preséntanos a los actores.

Tenemos un elenco que creemos que es de lujo, y reúne a algunas de las actrices jóvenes con más talento de Cataluña. Por ejemplo a Vicky Luengo o Alba Rivas las conoceréis quizás por sus trabajos cinematográficos (El Cadaver de Ana Fritz, Barcelona noche de invierno…) , y a Laia Manzanares por televisión (Merlí), o su aparición en el videoclip de Time Impala, uno de los más premiados y vistos del año pasado. Nos sorprendió especialmente Mireia Oriols que tiene una personalidad en pantalla impresionante.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Se juntó un equipo muy joven. Algunos de la cantera del ESCAC, o de gente de confianza de Juli, el DOP. Con otros ya habíamos trabajado en publicidad o incluso proyectos de cine como es el caso de Anna Llubera, la dire de arte.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

En algunos momentos pillábamos un lapiz y jugábamos a dirigir al equipo con él, como hace la lider del grupo en la ficción. Movíamos el lápiz como una varita mágica y el equipo nos seguía el royo y seguía sus movimientos por el set.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Nosostros mismos montamos el video y el audio hasta el punto de entrar en mezclas de sonido y color llevamos nosotros todo el trabajo. Nos ayudaron Marc Barrera en sonido y el equipo de Petra Garmon con la imagen. Luego entramos en Metropolitana, y trabajamos con el colorista Marc Morató, que fue quizás una de las claves de la parte de postproducción, ya que acabó de dotar a la pieza de un look muy sensible y personal que nos encanta.

 

Háblanos de la banda sonora.

Usamos temas de Marc Barrera, propios, de Banani, y para créditos de Manel, el grupo catalán de moda.

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

El trabajo de cámara en relación al de las actrices es lo más destacable. Eso es mérito de todo el equipo de cámara y del equipo de actrices increíbles que teníamos. Un lujo, y un regalo.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Encontramos una magia especial en algunos momentos del corto, sobre todo en los más oníricos, en los que vemos en pantalla exactamente lo que teníamos en la cabeza.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Es una experiencia estética y narrativa, con un lenguaje narrativo que no vas a ver a menudo en el circuito de cortometraje, y unas interpretaciones sutiles pero con una fuerza que pone los pelos de punta.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Estar en Málaga es muy emocionante! Ya hemos estado por separado presentando trabajos aquí, y con el de Sitges es el festival más interesante en el que hemos estado seleccionados, porque nos abre a un circuito de festivales y público nacional muy amplio. Además tienen una cobertura mediática buenísima y es increíblemente divertido.

 

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Sin duda. Si hay pasión claro, y en nuestro caso la hay. Ya estamos pensando en el siguiente corto.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Estamos recorriendo festivales de la mano de la productora y del apollo de Catalan Films. Tenemos la suerte de que nuestro corto está dentro de su selección Catalan Shorts que consta de las siete cortos catalanes que promueven a nivel internacional.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

La calidad técnica es mejor que nunca, y el nivel artístico como siempre es interesantísimo. Es un formato a reivindicar, tenemos una historia reciente suficientemente exitosa ( Vigalondo por ejemplo, Timecode ahora…) como para valorar el formato y apoyarlo como una expresión cultural de primer orden en nuestro pais.

 

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Carlo D’Ursi: Tabib
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Pedrortega | 23-03-2017 | 7:20| 0

Carlo D’Ursi

Actor por vocación, productor por exigencias del guion. Tras formar parte del equipo de El Deseo y de Alta Producción (Alta Films), crea en 2004 Potenza Producciones. Entre sus producciones destacan: Diamantes Negros (Premio del Público Festival Málaga 2013), La Memoria del agua (Festival de Venecia 2015) y Gelo. Productor asociado de La Punta del Iceberg (Festival de Malaga 2015). Miembro de la Academia Española de Cine y de AMA. Tabib es su primer cortometraje como autor y director.

Sinopsis

Las imágenes de la cámara de seguridad del hospital Al Quds durante el bombardeo muestran los últimos minutos de vida del pediatra Mohamed Wasim, el caos de los pasillos y la desesperación de médicos y pacientes. A diferencia de los demás Mohamed no huye. Mohamed entra en un quirófano en el que sólo queda un paciente, un niño de 9 años, y dos enfermeras. La vida del niño está en juego y Mohamed lo arriesga todo para intentar salvarle.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Gracias a un estupendo reportaje que vi en RTVE el 29 de abril de 2016 sobre el bombardeo del Hospital Infantil Al Quds de Alepo, Siria.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Tabib trata de valentía, de entrega al prójimo, de dedicación total y absoluta a la profesión de médico, que es lo que encarnaba el Doctor Mohamed Wasim. Pero también del impacto que los ataques sobre hospitales tienen sobre la población.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Decidí escribir y dirigir esta historia porque es necesaria, y en formato corto porque es el que más libertad artística otorga en comparación con los largometrajes para cine.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

A nivel institucional el ICAA-Ministerio de Educación Cultura y Deporte, la Comunidad de Madrid, pero es fundamental decir que sin el apoyo de todos y cada uno de los miembros del equipo técnico y artístico este cortometraje no habría salido así.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

En primer lugar cuando se trata con una historia real, es importantísimo aunque lo hayamos ficcionado, tener mucho cuidado con la “accuracy” de las informaciones. En una guerra como la de Siria, es muy complejo recabar informaciones pues el Gobierno y los rebeldes ofrecen versiones diametralmente opuestas. En este apartado tengo que destacar la ayuda del actor protagonista Josean Bengoetxea que me puso en contacto con Medicos Sin Fronteras.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

Corazón, corazón, corazón, junto con el ICAA y la Comunidad de Madrid

 

 

Preséntanos a los actores.

Josean Bengoetxea, el pediatra de Alepo. Una calidad humana e interpretativa excepcional, hizo malabares para poder estar en el corto.

Son Khouri, el niño que el Pediatra de Alepo intenta salvar. Simba en el Rey León durante muchas representaciones en Madrid, un niño con una experiencia y un control del medio digno de un adulto profesional.

Marta Romero, Jimena La Motta: las enfermeras. Detrás de cada médico hay un equipo que le permite salvar vidas. Han encarnado con unas miradas todos los sentimientos que quise plasmar en el corto.

Juan Martín Gravina: el militar. Juan ha estado en casi todos mis proyectos, con mayor o menor presencia. Es mi amuleto.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

No bastarían 100 hojas para presentar y agradecer a todos y cada uno de ellos. Mi co-guionista Ana Puentes, brazo derecho en la empresa y hada madrina, el director de foto Nestor Ruiz, que además ha actuado como el brazo armado de producción cuando había que solucionar lo insolucionable. Guillermo Villar, mi alma gemela montadora, que me ha entendido a la perfección desde el primer momento, Fernando Monje, mi histéricamente preciso mezclador, Basi a las luces y sus 500 (si, quinientos) años de experiencia en el cine, pero todos y cada uno de los miembros del equipo han sido únicos y han hecho exactamente lo que les pedí: ser autores en sus departamentos, ser proactivos, estar alerta y proponer. Gracias de corazón a todos y cada uno de ellos.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Solo te diré una cosa: los sistema hidraulicos de sangre dan mucho juego.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Creo que sin la labor de acompañamiento en la post-producción de Nestor Ruiz, el director de foto, no estaríamos donde estamos.

 

Háblanos de la banda sonora.

No, no te puedo hablar porque no hay ;) Lo que si hay es el tono de una melodía que todos podemos reconocer, y quiero agradecer públicamente a los Del Rio y Emi Music por su colaboración.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Me gusta sentir tensión cada vez que lo veo.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Del trabajo con los actores y de los riesgos visuales que hemos tomado.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Son solo 8 minutos, si le gusta se le hará breve, si no le gusta solo habrá invertido 8 minutos de su vida.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Ay, mi Málaga. Hace tres años el Festival de Málaga me dio la bienvenida oficial en el cine Español, cuando ganamos la Biznaga de Plata-Premio del público a mejor largometraje de la Sección Oficial con Diamantes Negros. Malaga es mi casa de adopción, no concibo hacer cine y estrenar películas sin Málaga y su maravilloso equipo.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Sería incapaz de hacer cualquier otra cosa en mi vida, con mayor o menor fortuna voy a seguir haciendo cine toda mi vida.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Que estoy en las mejores manos, Marvin & Waine son los distribuidores de Tabib, y tienen en su portfolio cortos como Timecode, nominado al Oscar.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Creo que vive un gran momento, es un territorio de libertad creativa que los largometrajes comerciales no pueden dar al director y al equipo, es una burbuja de experimentación única y la Marca España en cuanto al cortometraje está reconocida mundialmente.

 

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Eugenio Recuenco: Manuscrit trové dans l’oubli
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Pedrortega | 23-03-2017 | 7:02| 0

Eugenio Recuenco

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Trabaja como fotógrafo colaborando con las principales revistas de moda españolas y francesas. En 2007 colabora con Eric Dover para diseñar la escenografía y puesta en escena de la ópera The Huguenots. En 2008, su spot Esencia de una seducción recibe el premio a la mejor publicidad del año de España, mientras que la Semana Internacional de Cine Ciudad de México lo reconoce como el mejor en la sección de cortometraje.

Filmografía

Manuscrit Found in L’oubli (corto, 2016), The Second Defeat (corto, 2016), Sistema (corto, 2015), 51 (corto, 2014), 8mm de memoria (corto, 2013), Nina L’eau (corto, 2013), Aire (corto, 2012), The Hotel (corto, 2012), Boxeo (corto documental, 2011), 88:88 (corto, 2008), Por nada (corto, 2008), Esencia de una seducción (corto, 2007)

Sinopsis

Un joven poeta, que huye de la guerra junto a su mujer embarazada, escribe un manuscrito contando sus últimos días de resistencia a sus propias circunstancias. Es el testimonio de la huida del
ya derrotado a través de un diario, en tiempos del silencio, entre nieve, frío y desesperanza.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

El proyecto nació tras la impronta que dejó en mí el texto de Alberto Mendez en “Los girasoles ciegos”. Una serie de relatos desgarradores donde lo importante, además de lo que se contaba, era cómo se contaba; la poesía que desprendía el texto y lo visual que era. Me encontré en Paris con David Kammenos, actor y amigo con el que había trabajado en varias ocasiones, más en el mundo de la moda que en el mundo del cine. Le presenté el texto que creía era perfecto para que él lo interpretase. De la emoción del encuentro salió el compromiso de hacerlo.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

En realidad trata de un error o problema que acompaña al hombre desde hace ya 3000 años y que cada vez parece más difícil llegar a una solución global. La de los desplazados por las guerras; la de los oprimidos por sus ideologías.

Pero aún más la de la tragedia que cada uno de ellos sufre en esa huída. 

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Quería traspasar la línea de las penurias físicas que los telediarios nos muestran y a las que desgraciadamente nos hemos acostumbrado. Quería hacerlo más universal; ya que como te decía es un problema que nuestra civilización arrastra desde hace mucho tiempo y en muchos sitios de nuestro planeta. Creo que es un problema global y quería intentar que no nos fuese indiferente por focalizarlo en un territorio o momento concretos, que NO nos diese la posibilidad de pensar que no somos responsables. 

Y si podía transmitir la poesía del texto y serle lo más fiel posible; mejor.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El principal apoyo fue el del equipo que habitualmente me acompaña en mis proyectos fotográficos y de fashions films. Desde el primer momento les entusiasmó la posibilidad de ir más allá con este proyecto, de embarcarnos en un proyecto diferente y un poco demente para los medios que teníamos. Para conseguir más medios para hacerlo como queríamos hacerlo, surgió la idea de lanzar un crowfunding y ahí se sumaron multitud de personas que creyeron que merecía la pena que el proyecto viese la luz y que nos ayudaron económicamente. 

Debo agradecerles a todos ellos su ayuda para que realmente “manuscrito encontrado en el olvido” exista.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

La primera cosa que teníamos claro es que queríamos que fuese muy real. Que la nieve, el frío, el bebé, los lobos,todo, fuese real. 

Eso complicaba las cosas porque nos hacía irnos a rodar a la nieve y depender del tiempo. Además la intención por nuestra parte de que fuese “universal”, nos empujaba a tener que crear todo. La cabaña debía ser neutra, que no pudieses decir en qué país se desarrolla la historia. Que un español pudiese sentir la historia como algo suyo, pero que una persona de cualquier parte pudiese sentirlo que algo propio. Tuvimos que diseñar y construir la cabaña; y cuando no hay dinero eso se convierte en un reto muy difícil. 

Pero durante el rodaje nos enfrentamos a muchos más retos. Nunca sabíamos si al levantarnos, íbamos a ser capaces de llegar a la zona de rodaje. Durante los cinco días de rodaje nos cayó un metro y medio de nieve.

Y qué decir tiene que un reto importante también fue rodar en esas condiciones con un bebé de 24 días.

Y rodar con animales; cabra y lobos, que además nunca podían estar al mismo tiempo en el mismo sitio.

 

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

Al final ésta película se ha hecho con el apoyo del crowfunding que cubrió por desgracia una parte pequeña del dinero que necesitábamos pero que fue un gran apoyo moral al ver que había desconocidos que creían en el proyecto. 

Otra parte de financiar la película fue la del equipo más cercano que lo hizo desinteresadamente; sin cobrar nada más que la recompensa de hacer cine.

También tuvimos el apoyo de Fast Management, mi representante de fotografía en Asia y de Garage film que nos apoyó mucho con la logística.

El resto lo tuvimos que pagar nosotros, mi mujer y yo que creamos Frosker film.

 

Preséntanos a los actores.

Empezando por la más pequeña Giorgina Guirado, que te puedo decir. Ojalá en el futuro se sienta orgullosa de sus padres por haberla hecho participar en la película. Allí estuvo, con tan solo 24 días, dándolo todo. Parecía comprender cuando debía y no debía llorar. 

Amelie Daure es una actriz francesa que conocía desde hacía tiempo y que ya había trabajado mucho en Italia e incluso con Won Kar Wai. Al final lo que se ve en la película en una ínfima parte de lo que se rodó. Posiblemente sea la “perjudicada”. Tengo un material precioso de ella que finalmente no se incluyó en el montaje final porque todo derivó a hacer una historia más centrada en la encrucijada emocional del hombre. Pero la secuencia del entierro, si mantienes la atención en sus ojos cerrados hasta el final a través de las rendijas de las maderas; realmente te sobrecoge. Y eso es mérito suyo.

Y de David Kammenos qué te voy a decir. Actor francés que ya tenía múltiples películas a sus espaldas;”Les Lyonnais”, “El imperio de los lobos” ó “Transporter3″. Además amigo mío y el primero en subirse al carro. 

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

A la perfección. Todo fue bien y en esas condiciones!!!. Todavía no sé como se produjo el milagro. Rodar con pocos medios, con nieve hasta la rodilla y bajo cero durante todo el día, etc. y que no surjan tiranteces y que todo el equipo se apoye unos en otros, es algo muy bonito.

El DOP fue Axel Cosnefroy, con quien ya había colaborado en muchos proyectos publicitarios. Los dos teníamos ganas de vernos en otro formato, en otra narrativa.

Como Dirección de Arte estuvo Eric Dover con quien realizo la mayoría de los trabajos fotográficos y que siente esa misma necesidad mía de hacer cine.

La música la hizo Adrián Foulkes, al que le fuimos recortando su trabajo para dar crudeza a la historia, hasta reducirlo a una maravillosa pieza final en los títulos de crédito que merece ser escuchada.

El montaje lo hice junto a Antonio Gomez-Pan, pienso que uno de los montadores jóvenes con más talento de éste país y que dentro de poco perderemos pues EEUU le llama. Pero tuvimos un asesor muy importante que fue Mario Battistel, que desde Paris nos empujó a ser más radicales y al que le agradezco su franqueza.

El sonido corrió a cargo de La PAnadería, conocido por todo el mundo del cine por sus brillntes trabajos.

El maquillaje lo hizo Jen Barreiro, especialista de cine con que trabajo muchísimo también moda. 

El estilismo Yolanda Leal que es una habitual de mi equipo y que ha trabajado mucho en cine en películas con Goya en vestuario como “Blackthorn” .

Pero además de esas cabezas visibles, hay muchos que estuvieron allí, bajo la nieve y pasando frío, trabajando duro para que ésto pasase. Gracias a ellos esta historia está aquí.

 

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Hay un momento que recuerdo muy claramente. Estábamos rodando una escena dentro de la casa. En ese momento estábamos pocos dentro del set, los justos. Pero detrás de mí estaba Eric Dover, un tipo para nada sensiblero y muy exigente. Al cortar la toma y girarme, él estaba llorando, y no era de frío. En ese momento sabía que estábamos haciéndolo bien. 

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La postproducción se hizo en Paris con St Louis. Con ellos realizo la mayor parte de las postproducciones de publicidad y pusieron todo en su mano para poder terminar la película. Se estabilizaron mínimamente algunos planos e hicimos el talonado allí. Rodamos directamente en blanco y negro; también porque la relación de colores marca sin duda una época.

Afortunadamente no tuvimos que poner ni un solo copo de nieve. Íbamos sobrados, aunque ellos estaban dispuestos a todo.

 

Háblanos de la banda sonora.

La banda sonora ha quedado reducida a lo que rodea a nuestro personaje. El viento que sopla constantemente a su alrededor. El silencio de la soledad. La voz del manuscrito.

Como te comenté, los créditos tienen una pieza musical que aparece casi de la respiración de nuestro personaje bajo la manta, y que es el resumen musical de la historia.

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta? 

Como espectador es difícil opinar. Pero con lo que me voy más contento, es que después de verlo muchas veces, nunca he visto a David Kammenos en la pantalla. Veo el personaje, y eso es que que quería como director, ser verosímil. 

Espero que si lo es para mí que conozco la parte de atrás, lo sea también para el espectador.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que vaya a verlo sabiendo que va a ver una película que compite únicamente por llegarle al corazón. 

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Una gran alegría. 

Es una gran satisfacción saber que es apreciada y que ha llegado a transmitir las emociones que perseguíamos. Y que por fin otras personas pueden verla.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Sin duda. Solo es posible entenderlo cuando lo has probado. y ahora ya te lo puedo afirmar.

 

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

La distribución corre a cargo de Banatu filmak. Confiamos en ellos por su trayectoria pero sobre todo porque desde el primer momento creyeron en el proyecto y sentían la necesidad de que se viese.

Y bueno aquí estamos, en Malaga, muy felices. 

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Pienso que a nivel de cine tanto en cortos como en largos, en España estamos en una época dorada. Pienso que la calidad de las producciones actuales es sin duda la mejor de todos los tiempos. Las dificultades para hacerlo, pienso que también son las más grandes. Entonces creo que el nivel de nuestro cine actual es muy grande pero…..

¡Dejemos de hacer películas (como buenamente se pueda) y empecemos a producir (como Dios manda) cine! 

 

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Sobre el autor Pedrortega
Una mirada independiente sobre el cine más artesanal.