Diario Sur

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Autor: Pedrortega
Guillermo Polo: On the border
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Pedrortega | 24-07-2015 | 7:58| 0


 

Guillermo Polo (Valencia, 1985) reside desde agosto de 2012 en Los Ángeles. Es un director emergente con amplia experiencia en el mundo audiovisual. Se graduó en la Universidad Politécnica de Valencia, especializado en cine, radio y tv. Guillermo comenzó a escribir y dirigir cortometrajes como estudiante adolescente. Centrándose en la narración de historias, así como en videoclips o documentales, su trabajo ha sido reconocido tanto en el sector académico como en el profesional.

En los últimos años, Guillermo ha estado involucrado en numerosos proyectos como director trabajando en Turanga Films y la colaboración con otras empresas con sede en Madrid, como Morena Films. En la actualidad, vive en Los Ángeles, donde continúa desarrollando sus propios proyectos de forma independiente.

Trabajó como operador de cámara en el cortometraje “Aquel no era yo”, nominado al Oscar 2014 y ganador del Goya 2013. En EEUU fue operador de cámara y director de fotografía segundo de la película Appetites producida por el co-productor de “The Hostel” y “Grindhouse”.

“On the border” es un western que recientemente fue seleccionado en el IFS Festival de Cine Independiente de Beverly Hills (Los Ángeles, California), en el Los Ángeles-Cinefest, en Joshua Tree International Film Festival (USA), Daroca&Prision (España) y FICMA (Colombia).

 

 

¿Cómo nace "On the border"?

Desde pequeño me atraían mucho los westerns por lo poético y poderoso que había en su lenguaje, desde la forma en la que se hablaban los personajes a lo devastadora que era la naturaleza virgen. Después de hacer una ruta en coche desde Nueva York a Los Ángeles pude conocer mucho desiertos míticos como Monument Valley o Joshua Tree y poco después de mudarme a California surgió la oportunidad de realizar el proyecto. Conocí a un guionista americano, Forbes West, fascinado igual que yo por los westerns y por Cormac Mccarthy. Él desarrolló una sinopsis y sobre ella nos pusimos en marcha entre los dos con el desarrollo de la historia. El escribía los diálogos y yo trabaja con él el desarrollo del guión.

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

El cortometraje trata sobre cómo las personas pueden perder la humanidad y convertirse en animales sin escrúpulos. En un entorno salvaje, sin principios y sin reglas como lo fue durante la conquista del Oeste, los personajes que lo habitaban se convirtieron en bestias por la supervivencia. Fue un momento donde hubo choques culturales, de sexos de poder… Creo que es un tema que no envejece y sigue de actualidad hoy en día y puede darse en cualquier lugar del mundo.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Como decía, ya veía películas de vaqueros junto a mi abuelo de niño y me aficioné. Quería lanzarme a un proyecto así con retos visuales como la fotografía de esos paisajes angostos que se pierden en el horizonte.

 

 

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

Por un lado los dos nos fijamos en el universo apocalíptico y desértico de Cormac Mccarthy en lo que a literatura se refiere. Respecto a los autores de cine o sus películas han sido muchos por los que he viajado, desde los clásicos de John Ford o Nicholas Ray a más contemporáneos como Sam Pecnkinpah, Leone o Jim Jarmusch con su western “Deadman” donde Robert Michum hizo un pequeño papel. “The Proposition”, “Unforgiven” o la serie “Deadwood” también son trabajos que vi varias veces durante el proceso de guión.

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Los principales apoyos fueron la gente del equipo o del cast con la que pude contar. El actor principal salió en papeles pequeños de "Children of Men" y "Lord of the rings". Luego los del equipo de iluminación todos trabajan en "Madmen" y participaron en el proyecto porque les gustó el guión y la idea de hacer un western. También estoy muy agradecido del parque nacional de Joshua Tree que nos permitió rodar allí tres días prácticamente gratis.

¿Y los cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Encontrar una localización accesible. Fui a varios desiertos como Mojave o Redrock Canyon. Hice bastantes viajes por el desierto hasta que fui a Joshua Tree. Al llegar allí me quedé magnetizado por ese desierto, tenia algo diferente y mágico. Gracias a varias gestiones con los Rangers pudimos conseguir el permiso.
El otro gran reto era conseguir armas, vestimenta de la época y ser fieles a esa época. En uno de esos viajes e investigación conocí a Michael, un alemán mayor que lleva años jubilado y se ha dedicado a coleccionar objetos, armas y vestuario de la época. Él mismo ha construido todo un poblado vaquero en medio del desierto que se llama "Whitehorse Ranch".

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Bueno, en EEUU funciona diferente a España. No se estilan las ayudas o subvenciones y se busca principalmente financiación privada. Yo tuve mucha suerte de conocer al co-guionista Forbes West que fue también el productor del proyecto junto a su mujer Junko Forbes y se pudo financiar gracias a su apuesta.

Preséntanos al equipo.

Como comentaba antes, conté con Ray Trickitt, actor de muchas películas incluidas “Children of Men” y “Lord of the rings”. El equipo de Grips han trabajado en películas de Tarantino, Madmen durante 7 años, etc. La diseñadora de vestuario, Kristen Kopp es la ayudante de vestuario de las películas de Paul Thomas Anderson. Luego el director de fotografía Petr Cikhart también muy experimentado que ha trabajado como director de fotografía en National Geographic y haciendo la fotografía de Amazing Race donde ganó un Emmy. También Blanca Añón en el diseño de arte con la que ya había trabajado más veces siempre a cargo de la escenografía. Todo el mundo del equipo tenía muchos trabajos y proyectos a sus espaldas.

 

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Me vienen dos a la cabeza. En la escena donde el "cowboy" acaba de matar al perseguidor había tres helicópteros militares haciendo pruebas de vuelo y cada 5 minutos volaban sobre nosotros. Varias veces se colaban en el plano y obviamente no había helicópteros en aquella época. Parecía "Aliens vs cowboys". Teníamos que coordinarnos en intervalos de 5 minutos de forma que cuando los helicópteros aterrizaban entonces grabábamos.
La segunda es que el tercer día hubo tormenta, en un desierto que llueve 4 días al año. Tuve que cancelar el rodaje y volver la semana siguiente con la mitad del equipo. Tampoco me alteró mucho porque ya he tenido inundaciones en varios de mis rodajes pero fue un palo tener que cancelar.

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La posproducción ha sido bastante calmada y trabajando a distancia con el compositor, sonidista, etc.. En este caso la edición la hice yo porque ya tengo varios años de experiencia en ese área y disfruté mucho con ello. Otra persona clave en la postproducción fue el supervisor de efectos especiales y artista visual Javier Santaella. Él se encargó de diseñar los títulos de crédito que cerraban el film con esa estética cruda y minimalista y del póster con el que quedamos todos muy contentos. Un póster con ese look de los westerns de los 60. También hizo el trabajo de efectos con disparos, sangre y demás.

Háblanos de la banda sonora.

La banda sonora era clave en este proyecto ya que el desierto tenía que ser un personaje más. La música la hizo Pablo Croissier e hizo un gran trabajo. Él buscó sonidos del desierto con instrumentos desgarrados que ayudaran a crear atmósferas áridas y amenazantes. Esos sonidos salvajes se mezclaban a la perfección con el diseño sonoro que hizo Fernando Arce donde los coyotes y los pájaros deambulaban por los alrededores.

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Como espectador yo diría que la atmósfera a la que me transporta, el misterio y lo atractivo de lo visual. También el tiempo con el que se digiere el film sin ritmos precipitados, con calma, calma inquietante.

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Estoy satisfecho de haber hecho un western. De haberlo hecho en EEUU, en inglés y con actores americanos. Ha sido un reto haberme zambullido en esa cultura y terreno desconocido. Fue de mucha ayuda el coach de actores Manuel Trotta que me ayudó en el trabajo interpretativo y diseñando las acciones de los personajes en las escenas.

 

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

Le diría que si disfruta de los westerns y le gusta que no le den masticadas las historias e interpretar lo que sucede por si mismo, entonces pasará un buen rato viéndolo y sacando sus propias conclusiones.

Háblanos de su distribución.

La distribución se está enfocando en festivales de cine a través del portal Festhome. También fue proyectado en Northbay TV (Televisión del norte de California).

Festivales de cine, ¿qué sensaciones has tenido en este aspecto?

De momento ha sido seleccionado en tres festivales en USA, uno en España y otro en Colombia. Acaba de empezar su viaje en los festivales y ahora tendremos que ver las ganas que tiene la gente de westerns, de momento la recepción de los lugares donde ha ido ha sido muy buena.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

El cine al igual que otra disciplina artística requiere de mucha dedicación y de estar preparado para la incertidumbre y de muchos obstáculos a los que te expones. El motor que te mueve cada día es esa necesidad de contar y compartir lo que a ti te mueve con otra gente. Queda mucho por delante que recorrer, esto es sólo un principio, así que a seguir currando.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente?

Creo que es un buen momento para contar historias, con una buena idea y un teléfono puedes conseguir lo que hace unos años era inviable. Eso sí, el modelo de cine tradicional es más complicado, las salas, las ventas.. Digamos que es más fácil hacer cine y más difícil vivir de ello, hay que ser creativo para reinventarse cada día y encontrar formas de supervivencia compatibles con el cine, tu forma de vida.

 

 

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Chema García Ibarra: Retrospectiva en RIZOMA
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Pedrortega | 16-07-2015 | 10:24| 0


 

La IV edición del Festival RIZOMA centrará su programación en las relaciones actuales entre lo analógico y lo digital.

Dentro del concepto sobre lo analógico digital se dedicará una retrospectiva al director ilicitano Chema García Ibarra, jurado de la IV Edición del Premio Rizoma de Cine en la que se proyectará su primer largo, ‘Uranes’, en el que vuelve a demostrar su capacidad de inventiva unida a la ternura que desprenden sus personajes.

Nacido en Elche en 1980. Licenciado en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad de Alicante. Su cortometraje El ataque de los robots de Nebulosa-5 se convirtió en uno de los más premiados del año 2009, con más de 110 galardones y 350 selecciones en festivales de todo el mundo, incluyendo la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, Sundance, Chicago Film Festival, Ann Arbor, Winterthur, Austin Fantastic Fest, etc. Tras conseguir la preselección al Óscar y al Goya, ganó el Méliès de Oro al mejor cortometraje fantástico europeo y fue nombrado tercer mejor corto español de la pasada década según la encuesta del festival Alcine a directores, productores y distribuidores españoles.

En 2010 escribió, produjo y dirigió Protopartículas, ganador de una Mención de Honor en el festival de Sundance y premios en Abycine, San Diego, Fant Bilbao o el Festival de Jóvenes Realizadores de Granada. El cortometraje fue listado como uno de los mejores del año por la revista Cahiers du Cinema España.

Misterio, cuyo guión ganó el premio “Proyecto Corto Canal+” en el Festival de Cine de Gijón, ha tenido su estreno internacional en la sección oficial de cortometrajes de Berlinale Film Festival 2013, dónde consiguió la nominación a Mejor Cortometraje Europeo.

Su debut en el largo, Uranes, retoma y amplía ese peculiar registro para contar otra sugerente historia de género con un dispositivo sencillo (pero muy elaborado: la mejor sencillez), golpes de humor congelante (carcajadas heladas en muecas de perplejidad) y una estrategia narrativa refrescante y absorbente.

Como ocurría en El ataque de los robots de Nebulosa-5, en Uranes una voz over (de fuerte reminiscencia hacia la cáustica obra de Alberto González Vázquez en este caso) nos guía a través de unas imágenes, primero fotográficas y después en vídeo, para contar la historia de José Luis y Francisco. Estos dos hermanos de Elche, con infancias difíciles por distintos motivos, han vivido separados durante unos años, pero la aparición de ciertos artefactos ovoides de origen desconocido en distintos puntos de la Península les une de nuevo un día en el que ajustarán cuentas con su pasado. Aunque el componente ci-fi del relato le aporta un indudable interés añadido, el deleite reside en la construcción narrativa de la historia y cómo se suministran progresivamente nuevos datos sobre la vida de los dos chicos y las también complejas relaciones con sus abuelos. El humor de la extrañeza y el costumbrismo desnudo conviven en un relato que no titubea al mostrar la crueldad de la ternura y viceversa sacando lo mejor de una máxima que, latente, está en la base de todo el proyecto #littlesecretfilm: la escasez de medios no importa en absoluto cuando se sabe cómo utilizarlos.

¿Qué debería de contar una retrospectiva sobre Chema García Ibarra?

Pues algo tan sencillo como todas las películas que he hecho desde 2008 en orden cronológico una detrás de otra. Se verá en toda su plenitud la nula evolución estilística y la repetición intencionada de temas y personajes.

Has estado presente en la mayoría de los grandes Festivales de Cine del mundo. ¿Qué te ha enseñado esta experiencia?

Lo mejor ha sido conocer a directores que luego han sido grandes amigos con los que he compartido proyectos.

 

 

¿Cómo consigues que la carencia de medios no sea nunca un impedimento? ¿Escribes sin saber qué necesitarás a priori para el rodaje, o vas adaptando el guión según los recursos con los que puedes ir contando en cada momento de la producción?

Bueno, es un impedimento para muchas cosas, pero trato de sortearlo como pueda. Para tratar de minimizar los impedimentos, intento hacer las películas con lo que tengo cerca o sé que me va a ser fácil conseguir. Trato de escribir el guión desde una perspectiva realista con respecto a los medios que voy a tener para rodarlo.

¿Qué le recomendarías a alguien que esté a punto de rodar su primer trabajo?

Que lo haga con amigos y se lo pase bien. Y que no sea tacaño con el catering.

Y ¿qué le recomendarías a alguien que esté a punto de distribuir su primer trabajo?

Primero, que no descarte trabajar con una distribuidora. Distribuir uno mismo ocupa mucho tiempo y quizá prefiera pagarle a alguien para que lo haga. Si lo quiere hacer él mismo, que sea extremadamente organizado y meticuloso con los envíos, que todo quede registrado y apuntado. Lo mejor para empezar es fijarte en cómo ha sido la distribución de algún cortometraje que sientas afín al tuyo, que creas que puede circular por los mismos caminos.


 

¿Dónde te sientes más cómodo en el corto o en el largo?

No he notado la diferencia, pero mi experiencia con el largo ha sido un experimento hecho según unas características muy particulares.

 

¿En qué estás trabajando ahora mismo?

Estoy escribiendo muy lentamente y con mucho esfuerzo el complicadísimo guión de un largometraje.

 

 

¿Cómo ves el panorama actual del mundo del cine independiente?

El "panorama" ocupa mucho espacio en todas direcciones y no llego a ver tanto. Veo a mucha gente tratando de hacer películas a partir de un impulso que va más allá de lo industrial y tomando decisiones artísticas arriesgadas sin miedo y con alegría. O sea que bien.

¿Qué película del cine independiente más artesanal nos recomendarías? ¿Por qué?

Te recomiendo los vídeos “Pinturas negras” de Rafael Ayuso, pequeñas puñaladas artesanales que hablan de España. https://vimeo.com/83921364

 

 

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Atlántida Film Fest 2015 – Sección Oficial
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Pedrortega | 22-06-2015 | 1:48| 0

AFF 2015: Un festival dedicado a inspirar la creatividad de los nuevos realizadores


Si por un objetivo nos hemos distingido siempre en filmin ese es, indiscutiblemente, el de servir de plataforma para dar a conocer aquellos grandes títulos independientes ignorados por las pantallas comerciales tras triunfar en festivales. Pero ya se sabe, se trata de evolucionar, de dar un paso adelante, pero también de escarbar, de profundizar, de penetrar en la semilla, en la gestación y origen del cine que amamos y promovemos. Es lo que precisamente hemos planteado esta nueva edición del Atlántida Film Fest

Con la idea de servir de caldo de cultivo para nuevos realizadores, de seducir y educar (cinematográficamente hablando, claro está) a los espectadores españoles, y teniendo muy presente 'lo jodido que está el mundo' (ya se sabe) conformamos la edición más ambiciosa del Atlántida Film Fest. Y es que, no por capricho, y menos aún por casualidad, unimos fuerzas con el Sonar+D y nos echamos al on-life inaugurando de buenas a primeras, con un taller dedicado al Cine Propaganda y a Corea del Norte.

Partiendo de collages cinematográficos (que van desde el cine clásico al cine teen pasando por películas nazis prohibidas o incluso "El Príncipe de Bel-Air"), de diferentes formas de incurrir en el cosmos familiar (que incluye ficcionalizar a tu familia real) de plasmar la denuncia política y social desde el cine de género (hasta una ciencia ficción que se sustenta en lo que tenemos delante y vemos hoy). Y tampoco podía falta la reivindicación de la libertad sexual desde películas rodadas con teléfonos móviles y con luz natural (aunque también en 16 mm) de proyectos de crowdfunding variados y diversos, o de inmejorables ejemplos de como combatir la censura y opresión social desde la inteligencia formal. Con todo ello nos zambullimos a modo de antesala peculiar, en los más de 60 títulos que conforman la edición más ambiciosa hasta la fecha del Atlántida Film Fest.

SECCIÓN OFICIAL

Combinando directores nóveles con autores experimentados, la Sección Oficial de esta 5a edición del Atlántida Film Fest tiene como objetivo principal promover el Do it yourself e incentivar la creación por cuenta propia en los cineastas y artistas que dan sus primeros pasos a través de obras que han innovado en aspectos formales, conceptuales, de producción, distribución y/o comunicación. En total, 25 títulos producidos entre 2013 y 2015 que dan cuerpo a un caldo de cultivo destinado a promover la inspiración, la creatividad y la transgresión, de quienes quieren rodar (o incluso de quienes ya ruedan) con pocos recursos (todas las películas de Sección Oficial están rodadas sin apenas o muy poco presupuesto). En resumidas cuentas, una sección clave para que creadores y público se reconcilien con el formato de larga duración que paulatinamente se ha ido abandonando.

1. Trilogía Hibrow (“Here be Dragons”, “Life May Be”, “6 Desires”) de Mark Cousins

Ruptura: La cinefilia aplicada a la creación artística.

La fórmula: The Story of Film + Videodiario

En pocas palabras: La ambiciosa trilogía "Hibrow" de Mark Cousins ("The Story of Film") compuesta por "Here be Dragons" (inspirada en el Cine de Chris Marker), "Life May Be" (co-dirigida por Mania Akbari) y "6 Desires" (inspirada en DH Lawrence).

 

2. Stand Up for Tape Back-Up de Ross Sutherland (Reino Unido, 2014)

Ruptura: Utilizar material de archivo televisivo para construir una memoria personal y familiar.

La fórmula: La poesía de El Príncipe de Bel Air 

En pocas palabras: Un show protagonizado por un VHS que una vez perteneció al abuelo del director, cuyo contenido (que va desde "El Príncipe de Bel Air" a "Cazafantasmas" pasando por Michael Jackson o "Tiburón") utiliza para construir una serie de historias poéticas sobre su propia experiencia de vida.

 

3. Videofilia (y otros síndromes virales) de Juan Daniel F. Molero (Perú, 2015)

Ruptura: Un viaje digital rodado con Mini DV

La fórmula: Tesis + Google Glass

En pocas palabras: La última ganadora del Festival de Rotterdam. El cineasta peruano Juan Daniel Molero se ha ganado un puesto merecido en el mercado internacional del videoarte, con documentales como su "Reminiscencias", en los que combina los fallos de la imagen analógica y digital para ofrecer nuevas formas de interpretar nuestras memorias, la personal y colectiva. Pues bien, "Videofilia" es todo esto y más: exorcismos con cobayas, sexo online y usos no recomendados para las Google Glass, entre otras cosas).

 

4. Traffic Department de Wojciech Smarzowski (Polonia, 2013)

Ruptura: Empleo de material rodado con dispositivos móviles, cámaras de vigilancia y rodada en todo momento con luz natural.

La fórmula: The Shield + Irreversible

En pocas palabras: Controvertido debut señalado como uno de los 10 directors to watch de Variety. Una espiral de sangre y corrupción policial no apta para estómagos débiles ni mentes sensibles, en el que tienen cabida todo tipo de brutales imágenes grabadas desde cualquier nuevo dispositivo, sobre todo teléfonos móviles y cámaras de vigilancia.

 

5. Fish & Cat de Sharam Mokri (Irán, 2013)

Ruptura: El empleo del plano secuencia sustentado sobre la ruptura de la lógica entre espacio y tiempo a la que (supuestamente) se debe.

La fórmula: Un Slasher a lo Nuri Bilge Ceylan

En pocas palabras: Rodada en un único plano secuencia de dos horas y cuarto, estamos ante una peli iraní con canibalismo de trasfondo, que es también cruce imposible entre "El Desconocido del Lago" y el poso existencial de Nuri Bilge Ceylan, cuya sideral grandeza viene marcada por la inaudita ruptura de la lógica entre la relación espacio-tiempo que monumentalmente articula.

 

6. Violet de Bas Devos (Bélgica, 2014)

Ruptura: Un guión escrito con la cámara.

La fórmula: Paranoid Park en Bicicleta

En pocas palabras: Uno de los grandes debuts del pasado año, apabullante ejercicio de cámara deudor del "Paranoid Park" de Gus Van Sant por su retrato hiriente, hermético y minimalista, de adolescentes inadaptados y a la deriva.

 

 

7. Ela Volta na Quinta de André Novais Oliveira (Brasil, 2014)

Ruptura: No es Ficción, tampoco realidad. Es ficción, tanto como realidad.

La fórmula: El "Killer of Sheep" de Charles Burnett suspendido en un tempo thai

En pocas palabras: Una ficción rodada a partir de la  realidad y sobre un reducido microcosmos familiar, en la que la familia del director (y el propio director) se interpretan (y ficcionalizan) a si mismos. "Ela Volta na Quinta" es una ópera prima absolutamente personal, en la que el uso del lenguaje se pone a total disposición de un ojo sensible y con un gran sentido cinematográfico. Y todo ello mientras suenan joyas de la tradición Rythm and Blues de los años 50 de Roberto Carlos y Paulinho da Viola, que bien pueden tomarse como una postura estética y política frente al cine y a la vida.

 

8. Fort Buchanan de Benjamin Crotty (Francia, Túnez, 2014)

Ruptura: La TV norteamericana aplicada al cine de autor francés.

La fórmula: Modern Family + Haz el amor, y no la guerra

En pocas palabras: Uno de los debuts más memorables del pasado año. Una inspirada y libertina comedia que aplica diálogos directamente extraídos de los grandes hits de la televisión norteamericana, a un reino estético decididamente francés.

 

9. Mercuriales de Virgil Vernier (Francia, 2014)

Ruptura:  La fantasía futurista desde el discurso social, la narrativa experimental y el presupuesto 0.

La fórmula: Ghost World + Nunca me abandones + Godard

En pocas palabras: Un abrumador sci-fi, cruce cósmico entre "Ghost World" y "Nunca me abandones", que parece dirigido por un menage a trois entre Jean-Luc Godard, Chris Marker y Claire Denis. Mercuriales" es embriagadora ciencia ficción, también una volatil distopía cool. Es una entrañable y delicada buddy movie femenina, también un sobrecogedor y emocionante drama íntimo, así como una inquietante y desoladora parábola político-social.

 

10. Sueñan los Androides de Ion de Sosa (España, Alemania, 2014)

Ruptura: Rodar ciencia ficción desde lo que tenemos delante y vemos hoy.

La fórmula: Blade Runner en Benidorm

En pocas palabras: Podría presentarse como un "Blade Runner" pasado por el tamiz de Jonas Mekas y Ulrich Seidl. También como la secuela no reconocida de "El Futuro" de Luis López Carrasco. Una muestra ejemplar de cine low cost, una película de NO género que prácticamente mezcla todos los géneros -desde sci-fi a cine negro pasando por la comedia surreal y el drama social.

 

11. Dos Disparos de Martin Reitjman (Argentina, 2014)

Ruptura: Del papel a la pantalla (y viceversa) desde la libertad narrativa, permanentes derivaciones y cambios de punto de vista.

La fórmula: Un libro abierto + WTF

En pocas palabras: Martin Reitjman también escribe libros y "Tres Actos", su último libro publicado justo antes de estrenar "Dos Disparos", se distingue por misma libertad narrativa. "Dos Disparos" podría definirse como la respuesta argentina a "La Chica del 14 de Julio" que directamente nos lleva a "Güeros". También como un inspiradísimo WTF, una desatada comedia deadpan, genuinamente ideada y brillantemente gestada.

 

12. Blind Dates de Levan Koguasvhili (Georgia, 2014)

Ruptura: Erosiona toda posible lógica de la narrativa

La fórmula: Dates en Georgia

En pocas palabras: Una marcianada entrañablemente kaürismakiana, que parte de "Dates", se embarca en un desbocado "Afterhours" y constantemente se ilumina por "Luces al atardecer". "Blind Dates" es todo lo bizarramente exótica que podríamos esperar de tan original y simpática comedia de enredo, que lleva Georgia como nacionalidad y las cyber-citas como punto álgido argumental.

 

13. 40 days of Silence de Saodat Ismailova (Uzbekistán, Alemania. Francia, Holanda, 2014)

Ruptura: El retrato (y denuncia) social desde un fascinante minimalismo visual y una delicada experimentación sonora.

La fórmula: La mujer uzbeka al compás de la experimentación sonora.

En pocas palabras: Una visión atmosférica, existencial y sutilmente experimental, sobre la mujer uzbeka, desde el pasado al presente. Una imponente demostración de que el discurso social puede ir de la mano con la experimentación formal.

 

15. Tonight & the People de Neil Beloufa (Francia, 2014)

Ruptura: El cine como instalación, el fin del mundo pasado por el filtro de las sitcom: película rodada para proyectarse en una instalación.

La fórmula: Sitcom + CCCB

En pocas palabras: Reputado realizador de video-instalaciones artísticas, Neil Beloufa debuta en el cine con un ejercicio tan fílmico como artístico y definitivamente social, que entre otros muchos temas recorre los diferentes simbolismos de la bandana roja como subcultura sexual: desde los cowboys pasando por las pandillas, el rock (incluyendo Axel Rose) y el terrorismo.

 

16. Favula de Raúl Perrone (Argentina, 2014)

Ruptura: La composición musical como un todo que organiza el relato. 

La fórmula: F.W. Murnau + DJ 

En pocas palabras: La versión más artesanal y radical de las Sin City. Murnau, Jean Vigo y Georges Melies conviven con Leos Carax, Raya Martin, Apichatpong y las sombras chinescas para demostrarnos que los orígenes del cine y sus etapas más avanzadas quizá no estén tan lejos entre sí como parece.

 

17. Taller Capuchoc de Carlo Padial (España, 2014)

Ruptura: Como rodar una comedia sin apenas dinero, pero con mucho ingenio.

La fórmula: El Rey de la Comedia en el diván

En pocas palabras: Un ensayo irónico sobre el modo en que entendemos la cultura y un interrogante desesperado sobre cómo hacer una comedia hoy día.

 

18. Pas a Geneve de lacasinegra (España, 2014)

Ruptura: La creación de una experiencia fílmica desde el colectivo.

La fórmula: Michelangelo Antonioni + John Boorman

En pocas palabras: Un mapa audiovisual, imaginario y absolutamente personal, gestado a partir de 4 jornadas de trabajo y un espacio reducido a un perÍmetro de 150 metros que rodea la casa en Ginebra donde el colectivo lacasinegra se recluye en pleno entorno natural, rodando sin parar todo aquello que sienten y ven desde el amanecer al anochecer.

 

19. Love is All de Kim Longinotto

Ruptura: La narración de una historia de amor a través de las miles de historias de amor que han poblado la gran pantalla a lo largo del siglo XX.

La fórmula: 35 mm directos al corazón

En pocas palabras: Un collage de cien años de amor, desde "Kiss in the Tunne" (1899) hasta el matrimonio gay contemporáneo, musicalizado por Richard Hawley (Pulp).

 

21. Beyond Clueless de Charlie Lyne (USA, 2014)

Ruptura: Un viaje al mundo del cine 'teen' a través de 200 películas.

La Fórmula: John Hughes x 200

En pocas palabras: Película collage sobre el cine adolescente y juvenil de los ochenta y noventa, un viaje al mundo del cine 'teen' a través de 200 clásicos modernos. De "Jóvenes y Brujas" a "Chicas Malas" pasando por "Se lo que hicisteis el último verano", narrada por la estrella del teen Fairuza Balk.

 

22. Lunático de Edu Sola

Ruptura: Viajar a la luna en la tercera edad

La Fórmula: Un "Up" lunar

En pocas palabras: "Lunático" documenta lo que sería una historia más de inmigración, amor mutuo y trabajo duro, sino fuera porque el lunático en cuestión es inventor y trama algo en secreto: un cohete para irse a la luna con su amada.

 

23. Todo parecía perfecto de Alejo Levis

Ruptura: Rodar una sorprendente película de amor con tintes fantásticos y surrealistas, sin apenas presupuesto.

La Fórmula: "Olvídate de mí" + Hemingway

En pocas palabras: "Todo Parecía Perfecto" es una sorprendente película de amor con tintes fantásticos y surrealistas. Un onírico y melancólico romance que tanto en tono como espíritu, evoca el "Olvídate de mí" de Michel Gondry. 

 

24. Ruined Heart: another lovestory between a criminal & a whore de Khvan (Filipinas, 2014)

Ruptura: Una ópera punk-noir rodada con techniculay y en flipinoscope, por quien es considerado el gran tótem del cine digital filipino.

La fórmula: Wong Kar wai + Youtube

En pocas palabras: Con más de 100 cortometrajes rodados en los últimos 10 años, el filipino Khvan adapta al largo su corto presentado en la Berlinale 2012. "Ruined Heart" es un cuento criminal peculiarmente romántico, que se propulsa sobre su ecléctica onda musical, su estética videoclipera, la inconfundible fotografía de Christopher Doyle y su inevitable referente: Wong kar wai.

 

25. The Blue Hour de Anucha Boonyawatana

Ruptura: El romance desde lo siniestro

La Fórmula: "Happy Together" + "A la Caza"

En pocas palabras: "Una imprevisible película gay de misterios y asesinatos", una love-story siniestra rodada NO al uso, que tuvo su reciente estreno mundial en el inmejorable marco que supuso Panorama en la Berlinale 2015. 

 

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Enrique Sánchez: Sangre dormida
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Pedrortega | 15-06-2015 | 11:30| 0


 

Enrique Sánchez Martínez nació en Granada en 1972 pero es malagueño de adopción, reside en Málaga desde muy tempana edad.

Además de cinéfilo y melómano (se formó en el Conservatorio de Málaga en piano y guitarra), es Licenciado en Geografía e Historia. Actualmente imparte Ciencias Sociales y Cine en Educación Secundaria. Compagina su profesión de profesor de instituto con la realización de cortometrajes. Los más recientes son “Otra velada” (2010) y “Sangre dormida” (2014).

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

La idea básica de "Sangre dormida" me rondaba desde hacía algunos años. Cuando empezó a tomar forma como guión, y con el apoyo de Marta Silva, productora del corto, empecé a buscar los recursos necesarios para realizarlo. También fue de enorme importancia el papel de Antonio López Luna, protagonista de mi anterior corto "Otra velada", que además de tener un papel en "Sangre dormida", ha ejercido en la práctica de director de "casting".

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Es una reflexión acerca de la influencia de las nuevas tecnologías en nuestra manera de relacionarnos con los demás, y el nuevo tipo de sociedad que se está generando. En cierto modo es ciencia ficción, ya que se desarrolla en una sociedad aún no existente pero muy próxima, en la que vida real y virtual están indisolublemente mezcladas.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Es mi manera de pedir que nos paremos a pensar si realmente queremos que cambien los conceptos de privacidad e intimidad, que están siendo alterados por nuestro uso de las redes sociales. A lo mejor esta transformación es positiva, pero creo que, al menos, deberíamos plantearnos hacia dónde queremos dirigirnos. “Sangre dormida”, al fabular sobre unas posibles consecuencias de este cambio, pretende generar ese debate.

 

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Los integrantes del equipo que ha realizado el corto hemos sido nuestro propio apoyo. Nuestras familias y amigos también, por supuesto. Hemos conseguido que alguna institución nos haya permitido amablemente rodar en sus instalaciones, pero no ha habido ninguna ayuda económica externa.

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Desde un punto de vista técnico, hacer lo máximo posible con el material del que disponíamos y, artísticamente, realizar una obra que se saliera de los esquemas narrativos convencionales, sin que perdiera coherencia o inteligibilidad.

Preséntanos al equipo.

María Luisa Chamorro, que encarna al personaje principal, y Óscar Santos son unos jóvenes actores provenientes de la escena teatral malagueña que sencillamente bordan sus personajes, y a los que auguro un futuro brillante. Antonio López Luna y yo hemos trabajado juntos en varias ocasiones, nos conocemos bien y como siempre está estupendo en su papel. Ana María García, que presta su magnífica voz en off, es una amiga a la que agradezco mucho su colaboración.

Marta Silva, mi productora y compañera, ha sido fundamental a la hora de mantener este proyecto y a mí mismo en pie desde su comienzo.

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

En una de las ocasiones en las que teníamos que rodar en una playa desierta, casi al atardecer y en el mes de marzo, apareció de la nada una carreta tirada por bueyes. Fue una interrupción casi “buñueliana” que puso de muy buen humor al equipo.

 

 

En otra escena rodada en el interior de un coche por las carreteras malagueñas, al estar todos muy concentrados en el rodaje, nos salimos sin darnos cuenta de nuestro itinerario planeado y tuvimos que hacer muchos más kilómetros de los que teníamos pensado para poder volver a casa.

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La he llevado a cabo yo mismo, utilizando un software convencional para estos casos. La pieza clave ha sido, a mi modo de ver, el tiempo: al ser un proyecto personal en el que no había ningún tipo de presión ni fechas de entrega obligatorias, me he permitido el lujo de alargar varios meses esta fase, que disfruto especialmente, hasta que me he sentido razonablemente satisfecho con el resultado.

Háblanos de la banda sonora.

La he compuesto y grabado yo mismo. He dedicado muchos años de mi vida a la música, así que me siento cualificado para encargarme yo mismo de la partitura. La ventaja es que el compositor y el director se entienden a la perfección. No obstante, en futuros proyectos quizá me anime a colaborar con otros compositores.

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Creo que hay una textura y un ritmo visual que ayuda a que uno mismo, como espectador, se anime a entrar en el mundo que se muestra en “Sangre dormida”. Y los actores están en sintonía, las interpretaciones se complementan muy bien.

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De haber conseguido hilvanar una serie de líneas narrativas que parecen muy distantes entre sí, pero que utilizando la fotografía, el sonido, el montaje y la interpretación de los actores, terminan en mi opinión generando un discurso coherente.

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

Que se deje llevar, que no se resista a las propuestas que le llegan desde la pantalla. Es un corto que requiere la participación activa del espectador, mientras lo ve debe rellenar huecos, unir piezas. En última instancia, el sentido final se lo debe dar la persona que recibe la información. Quiero que se sienta co-autor del corto.

Festivales de Cine, ¿qué sensaciones tienes en este aspecto?

Creo que quizá pertenecen a otra manera de entender el mundo audiovisual. Antes eran el único escaparate posible. Hoy internet ha pulverizado nuestro concepto de exhibición y distribución. Un “youtuber” de éxito tiene más posibilidades de acceder a la industria que el cortometrajista más premiado. De todas formas, no he sido nunca partidario de la competición en el mundo del arte, como no sea contra uno mismo.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Sí, precisamente por ser un enorme esfuerzo: tras él te conoces mejor a ti y a los demás. Es una aventura que te empuja siempre hacia delante.

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje?

La revolución digital ha transformado a cada individuo en un cortometrajista en ciernes. Eso eleva a enésima potencia la cantidad de cortometrajes profesionales o “amateur” que se producen cada año. Como es lógico, hay un buen porcentaje de escaso valor artístico, pero también una enorme cantidad de producciones llenas de talento. Por otra parte, el público parece favorecer cada vez más el formato breve, ya sea cortometraje o episodio de serie. Sin duda, es un momento brillante para este formato.

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Antonio Aguilar: Garbanzos con azúcar
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Pedrortega | 28-05-2015 | 12:59| 0


 

Antonio Aguilar García es profesional del sector audiovisual y la enseñanza, comenzó su carrera profesional desde un principio al trabajo como operador de cámara en multitud de proyectos de televisión y cine. Un día decidió crear una productora audiovisual, Avenate, junto a su socio Raúl Mancilla para poder contar nuestras propias historias, algo que le apasiona. En la actualidad combina la producción de proyectos propios con la docencia.

 

Sinopsis

7 de febrero de 1937. La entrada de las tropas nacionalistas en Málaga es inminente. Una mujer y sus 4 hijas se disponen a emprender un largo camino a pie para buscar a su marido. Sobrevivir a cada día se convierte en el principal objetivo. Almería queda a más de 200 kilómetros y el cansancio, el hambre y las bombas se convierten en sus compañeros de viaje. Pepa, una de las niñas de esta caravana de la muerte, se convertirá en la protagonista de esta historia real.

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“La evacuación masiva de la población civil de Málaga comenzó el domingo día 7. Un contingente de 25.000 tropas alemanas, italianas y moras entraron en la ciudad el lunes día 8 por la mañana; tanques, submarinos, barcos de guerra, aviones, todos a la vez, para aplastar a las defensas de la ciudad mantenidas por un pequeño y heroico grupo de tropas españolas sin experiencia militar, tanques, ni aviones que los defendieran.

Los así llamados “nacionalistas” entraron en lo que prácticamente era una ciudad desierta, del mismo modo que habían hecho en cada pueblo y ciudad asediada en España.

Así que imagínense a 150.000 hombres, mujeres y niños disponiéndose a marcharse en búsqueda de seguridad hacia una ciudad situada a más de 200 kilómetros a pie. Hay una única carretera que pueden tomar. No hay ninguna otra manera de escapar”.

Estas fueron las palabras del Doctor Norman Bethune en sus “Memorias de la Guerra civil Española”. Con este relato nos podemos hacer una idea del contexto histórico y social en el que nos encontramos. Ahora imaginemos a una familia humilde formada por un matrimonio y cuatro hijas de quince, diez y seis años, y un bebe aproximadamente de un año. La pequeña de diez años es Pepa, nuestra protagonista.

Cuando la entrada de las tropas nacionalistas es inminente, el cabeza de familia es reclutado como miliciano y llevado a Almería. Su mujer se queda sola con sus cuatro hijas.

Cuando escuchan las palabras del General Queipo de Llano advirtiendo a la población que los moros van a violar a todas las jóvenes malagueñas, a Dolores no le queda otra que salir en busca de su marido. Reúne a sus cuatro hijas, unas mantas y una cesta en la que pone huevos, garbanzos y azúcar. Con estas provisiones salen de Málaga y caminan durante toda la noche. Al día siguiente están en Vélez-Málaga, han estado andando toda la noche y no han dormido nada. Los caminos están llenos de gente que huye en la misma dirección. Hombres, mujeres y niños formando, la que se ha denominado, “La caravana de la muerte”. A lo largo de este camino se encuentran con cientos de personas que han sido alcanzados por los cañonazos, algunos gravemente heridos y la mayoría muertos. No hay nada que comer, salvo las provisiones que llevan en la cesta. Los huevos se han roto y han formado una pasta junto con los garbanzos y el azúcar. Este es el sustento de Dolores y sus cuatro hijas, que de vez en cuando meten la mano en la cesta para llevarse a la boca un puñado de garbanzos con azúcar.

A lo largo de ocho días, Pepa junto a sus hermanas y su madre, viven innumerables situaciones que a día de hoy cuenta como si fuera ayer. La historia de un carabinero, que viendo el fatal desenlace de aquella batalla perdida, sube a un monte y junto a un árbol decide acabar con la vida de su mujer y la de su hijo. Seguidamente, el carabinero se suicida. O la historia de un soldado malherido que pide ayuda a Dolores y ésta, viendo la gravedad de las heridas e impotente por no hacer nada, machaca un poco de cebada con una piedra, hace una candela, tuesta la cebada y prepara una infusión para el soldado. Un café de cebada que endulzado con unos garbanzos es el último alimento que el soldado se lleva a la boca antes de morir.

O la historia, sin duda para mí la más importante, de la bomba que cayó sobre el puente. Dos buques: El Canarias y el Almirante Cervera disparaban sus cañones sobre los civiles que huían por la carretera de la costa. Dolores escondía a sus hijas en las tuberías de hormigón para protegerlas de las bombas. En un momento de cierta tranquilidad, cientos de personas cruzan un puente, que a simple vista es un blanco fácil para estos buques. Una vez cruzado, oyen un gran estruendo, miran hacia atrás y el puente ya no existe. Una bomba lo ha destrozado por completo y con él a cientos de personas inocentes. Hombres, mujeres y niños entre los que podrían haber estado Dolores y sus hijas.

Así se van sucediendo los días hasta llegar a Adra, provincia de Almería. Aquí, un autocar va transportando a los huidos hasta la capital. Dolores consigue hacerse un hueco para ella y sus cuatro hijas y así consiguen llegar a su destino, Almería. Ya solo queda conseguir lo que las motivó a emprender su viaje, encontrar a su marido. El autocar las deja en el puerto, junto al Ayuntamiento, donde un grupo de milicianos se dispone a comer. Uno de ellos grita avisando a sus compañeros que la comida está lista.

Pepa escucha los gritos del miliciano, probablemente porque hablan de comida y ella tiene mucha hambre. Pero estas palabras le resultan familiares –¡ese es mi padre! – dijo. Su madre incrédula se acercó y comprobó que efectivamente aquel hombre que gritaba era su marido, al que habían estado buscando durante ocho largos días caminando y esquivando las bombas. El encuentro fue una mezcla de alegría y asombro. Alegría de verlas con vida, pero asombro porque no esperaba verlas allí. Dolores explicó a su marido el por qué habían salido en su búsqueda mientras compartían un cordero con los milicianos. Ya estaban a salvo.

Un par de meses después la familia se traslado a Murcia donde una familia acogió a las niñas como refugiadas. Allí vivieron durante dos años hasta que acabó la guerra y la familia al completo pudo regresar a Málaga.

El final de esta historia puede antojarse como un final feliz. Una guerra, una huida, un largo camino, una gran aventura que poder contar a los nietos. Platón dice que “los muertos son los únicos que ven el final de la guerra”, pensamos que todos podemos aprender bastante de quienes han podido ver el fin de una guerra y lo pueden contar mirándote a los ojos.

 

 

¿Cómo nace “Garbanzos con azúcar”?

Garbanzos con azúcar nace de la necesidad de contar la historia que me contaba mi abuela desde que era pequeño. Hace 7 años decidí que tenía que llevarla a cabo y que mucha gente conociese esa pequeña parte de la triste historia de la guerra civil española.

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Trata sobre “la espantá” o “desbandá” como se la conoce aquí en Málaga. Miles de personas que tienen que huir de Málaga cuando es tomada por el bando nacional en el año 1937. Garbanzos con Azúcar es una de las miles de historias que se sucedieron durante estas fechas. Lo especial de esta aventura es la valentía y el arrojo que lleva a una madre con cuatro niñas a emprender un viaje de 8 días caminando desde Málaga hasta Almería para proteger a sus hijas y encontrar a su marido. Era un domingo por la tarde, Dolores, una madre de 27 años, decide iniciar este camino en busca de su marido. Para este camino lleva consigo a sus cuatro hijas: María de 12 años, Pepa de 10, Encarna y Antonia con 6 y 1 año respectivamente. Una cesta con garbanzos, un paquete de azúcar y algunos huevos serán todas las provisiones de las que dispone Dolores para emprender esta aventura. Tienen dos objetivos, por un lado huir de las violaciones y asesinatos que las tropas moras venían pertrechando en su entrada a Málaga y por otro lado encontrar a Salvador, que fue destinado como miliciano en Almería. Aquí comienza el inicio de esta aventura que Pepa nos cuenta en el documental 70 años después.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como esta?

Personalmente es una historia que la he vivido muy de cerca, que la he oído muchas veces por boca de mi abuela. Cuando empecé a buscar información y leer lo que se había escrito me di cuenta que se sabía muy poco sobre este episodio de la Guerra Civil Española. En una reunión que tuve con la directora Gracia Querejeta después de leerse el guión, me comentó que en el resto de España no se sabía nada sobre estos hechos. Recuerdo que durante estos días se mataron más civiles que en el afamado bombardeo de Guernica.

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

Cuando mi socio Raúl Mancilla y yo nos pusimos a desarrollar el guión teníamos muchas ideas muy claras. No queríamos que fuera un documental de tipo histórico, con muchos datos, referencias, testimonios… Queríamos simplemente plasmar la aventura de Dolores con sus hijas relatada por Pepa 70 años después. En cuanto al tratamiento de la historia sí que fuimos conformando poco a poco un estilo bastante arriesgado, combinar imágenes de archivo, fotografías y recreaciones hechas con dibujos. En cuanto al tratamiento de las fotografías nos vimos un poco influenciados por el tratamiento del documental “30 años de oscuridad” que utiliza efectos en 3 dimensiones para darle más vida a las fotografías en 2 dimensiones.

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producir el documental?

Después de varios años moviendo el proyecto del documental y presentándolo a muchas instituciones conseguimos un premio al mejor proyecto en video otorgado por la diputación de Málaga. Con esta aportación pudimos afrontar toda la parte de preproducción y rodaje. Posteriormente, tras ser seleccionado por las ayudas a la producción del Festival de Málaga 2014 pudimos darle el último empujón y desarrollar la fase de postproducción y compra de los derechos de imagen que necesitábamos. Aun así, estas ayudas no han llegado a sufragar el 50% del coste total del proyecto.

¿Y los cuáles son los principales retos que tuviste para que el proyecto se hiciese realidad?

El primer reto más difícil fue enfrentarme a la edición de todo el material. Desgraciadamente mi abuela falleció después del rodaje de su entrevista y el proyecto se quedó un tiempo en aparcado. Una vez superado continuamos con la fase de edición y postproducción. El siguiente reto que nos encontramos fue la fórmula de trabajo que desarrollamos. Teníamos un problema logístico. Greyman Studios y el dibujante Francis Porcel se encuentran en Granada, nuestro músico Jesús Calderón en Sevilla, el técnico de sonido Álvaro Sánchez en Islandia, Raúl Mancilla en Marbella y yo en Málaga. Gracias a las nuevas tecnologías de desarrollo de proyectos vía internet encontramos la solución para poder trabajar y llevar un control de toda la fase en la que se encontraba el proyecto. Este ha sido un gran reto, nunca habíamos trabajado con un sistema así. Pero estamos muy satisfechos con el resultado.

Presentanos a Avenate Producciones y Greyman Studios.

Avenate Producciones es la productora que decidimos poner en marcha Raúl Mancilla y yo por el año 2009. Después de llevar trabajando juntos desde el 2000 en numerosos proyectos decidimos darle forma y crear Avenate. En un principio la enfocamos desde dos puntos de vista, ofrecer servicios de producción a clientes que necesitaran productos audiovisuales y por otro lado a desarrollar proyectos propios de documentales, ficción, videoclips, etc… Debido a la crisis, los encargos de publicidad y servicios fueron cayendo hasta quedarnos prácticamente con la producción de proyectos propios. Actualmente intentamos llevar a cabo un par de proyectos al año.

Greyman Studios es una empresa dedicada a la animación, efectos y aplicaciones para móviles formada por grandes profesionales del sector que han trabajado en numerosos proyectos, algunos de ellos con galardones tan prestigiosos como premios Goya y nominaciones a los Oscar entre otros. Del equipo de Greyman han trabajado en el proyecto Miguel Ángel Espada encargado de los efectos visuales, Claudio Hernández y Máximo Martín como productores ejecutivos, José Antonio Chacón como artista de rotoscopia y José Arias como programador de herramientas. Además del gran dibujante e ilustrador Francis Porcel encargado del arte del documental.

 

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Las fórmulas de financiación han sido básicamente a través de la ayuda a la producción del Festival de Málaga 2014 y el premio al mejor proyecto en video del IX Certamen de Cortometrajes Andaluces de 2009. Para la fase final del documental hemos contado con la gran aportación de Greyman Studios, con los que firmamos un contrato de coproducción capitalizando su gran trabajo en el proyecto. Gracias a este empujón pudimos llegar al resultado final del cortometraje.

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La fase de postproducción parte con la edición de todo el material, de la cual nos encargamos Raúl y yo. Luego, toda la parte de la creación de los dibujos, efectos visuales y color grading se ha encargado Greyman Studios. Mención muy merecida para Miguel Ángel Espada que se ha dejado la piel en este trabajo y al cual le agradecemos mucho su fe en el proyecto y su entrega.

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Desde el punto de vista del espectador, creo que lo que más destacaría es la cercanía con la que se cuenta la historia. La narradora es la propia protagonista, que cuenta con sus palabras y expresiones todo lo que vivió durante este camino que duró una semana. La emotividad de sus palabras, el gran trabajo con la banda sonora del músico Jesús Calderón y los fantásticos dibujos de Francis Porcel creo que hacen que el espectador sienta ese pellizquito por dentro que estábamos buscando.

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Satisfecho con haber podido sacar el proyecto adelante, de haber podido cumplir la promesa que le hice a mi abuela de que contaría su historia. Siempre que se dirige una película, sea un corto o un largo, la mayor satisfacción es rodearte de la mejor gente posible y en eso sí que estoy muy satisfecho. Satisfecho por el apoyo prestado por mi familia, mi socio, mis amigos, todo el equipo del corto… a todos ellos les debo les agradezco que hayan confiado en mí y en Garbanzos con Azúcar.

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

Le diría lo que me dicen algunas personas que ya lo han visto y que me parece muy importante, que se quedan con “ganas de más”. Entiendo que el título puede despistar un poco con la temática del documental, pero les diría que se dejasen llevar durante 10 minutos por una historia real, cercana y relativamente reciente. Después de verla hablamos… jeje

 

 

Háblanos de su distribución.

Tenemos pensado hacer un año de distribución nacional y otro internacional a ver cómo funciona en los festivales de cine. Estamos contactando con la distribuidora Freaks por si están interesados en distribuir el cortometraje y arrancar justo después del estreno.

Festivales de cine, ¿Qué sensaciones tienes en este aspecto?

Los festivales de cine, ahora mismo, es el principal medio de difusión que tenemos los cortometrajistas. Sin ellos sería imposible que el corto tuviera una difusión medianamente aceptable. De momento tenemos buenas expectativas, iremos viendo cómo van funcionando las selecciones y la trayectoria del corto.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Hay momentos en los que supone tanto esfuerzo que te plateas si realmente merece la pena, pero cuando ves el producto acabado y tienes buenas sensaciones se olvidan esos malos momentos. A todos los que nos dedicamos a este oficio nos supone mucho esfuerzo hacer cine, pero si fuera fácil creo que perdería el encanto, somos un poco masoquistas, jeje.

¿Qué opinas del panorama actual del cine español?

Actualmente creo que debemos sentirnos muy orgullosos del cine que se hace en España y más concretamente en Andalucía. El 2014 ha sido un año fantástico para nuestro cine, películas como “La isla mínima”, “El niño” y “Ocho apellidos vascos” han demostrado que hacemos un cine de calidad, de géneros diversos y sobretodo comercial. Recalco lo de comercial porque ha sido lo que se le ha achacado al cine español durante muchas décadas, de ser poco comercial. En este sentido, creo que lo productores y directores han apostado por hacer un cine de calidad y comercial para todos los tipos de público. La respuesta del público en las salas de cine también es importante destacarla, ya que ha sido muy generosa en tiempos de crisis y con un IVA cultural muy desproporcionado. Seguimos echando en falta políticas a largo plazo que apuesten por la industria del cine y que apoyen a la creación de un tejido sólido como tienen otros países de nuestro entorno que son más proteccionistas del cine nacional. Le deseo mucha salud a nuestro cine!

 

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Sobre el autor Pedrortega
Una mirada independiente sobre el cine más artesanal.