Diario Sur

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Pablo L. de Aramburu: Traveling Man
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Pedrortega | 15-03-2017 | 18:26| 0

Pablo L. de Aramburu

Nacido en Cádiz en 1981. Arquitecto y Profesor de la Escuela de Arte de San Telmo. Cuenta con una amplia formación y experiencia como guionista de monólogos y teatro. Ha estudiado en la ECAM y ha estado becado por la Fundación SGAE para el curso de Guion Cinematográfico. Cuenta en su haber con varios premios por sus monólogos. Ha escrito y dirigido la obra de teatro De profesión: a se ¿sí o no?, que ha recibido diferentes premios a la Dirección, Actriz Principal y Guion Original en el Certamen de Teatro Aficionado de Herrera. 

Sinopsis

Louis huye de la relación con Amber en busca de su nueva presa de Tinder, Jennifer. Esta vez solo podrá llegar hasta ella en Uber con Peter al volante, aunque no son sus únicas intenciones en ese viaje que cambiará el destino de ambos para siempre.

 

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Sin desvelar mucho, trata de las dobles intenciones. Dos personajes en los que cada uno oculta algo que el espectador irá descubriendo poco a poco.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Es el segundo proyecto que escribo y tras la experiencia del primero, quería volver a dirigir a pesar de lo que eso conlleva. Mi intención es adquirir experiencia para algún día dar el salto al largo.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

En primer lugar, el festival de Málaga que nos concedió el premio de ayudas a la producción. Gracias al cual pudimos apostar por esta historia. Antes de intentar hacer cine no sabía lo carísimo que era esto, la de gente con la que tienes que hablar, convencer…

Y en segundo lugar un pedazo de equipo técnico, ahora nuestra familia de rodajes(Bienve, Michael y Luisa) que repiten en este proyecto y en cuanto supieron de la historia, como y donde la queríamos rodar (en Dallas) se embarcaron en esta aventura.

Por último Loles. Mi chica. Actriz, productora, ayudante de dirección, ocalización y mil cosas más. A la que le debo mucho por lo que vale y lo que me aguanta.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El principal reto fue el cambio de localizaciones, por razones de trabajo nos vinimos a vivir a Estados Unidos y teníamos que tradicir la historia de español a inglés, así como cambiar y adaptar cosas para que aquí tuvieran sentido. Una vez hecho eso, buscar actores, localizaciones, gente…y todo eso en un mercado que desconocíamos. El vértigo era el doble.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

La fórmula es autofinanciaciòn. Loles y yo hemos adelantado el dinero para realizar el proyecto. Además de eso, muchas personas del equipo técnico y artístico han aportado su trabajo como coproductores. Debemos mucho a mucha gente. Sin amigos y gente dispuesta a echar una mano hubiera sido muy complicado que saliera el proyecto adelante.

 

Preséntanos a los actores.

Contamos con 5 actores en el proyecto.

Los actores protagonistas son Abel Becerra y Chris Marquez son profesionales increíbles. Con apenas unas directrices interpretaron y propusieron actitudes para ir construyendo sus personajes. Ambos han hecho bastante cine en América.

Amber williams tiene un enorme potencial para el drama. Gracias a ella empezamos a armar el equipo artístico. Una chica genial que va a dar que hablar.

Marisol Vera. Capaz de pasar de 0 a 100 en una escena en cuestión de segundos.

Grayson Berry. Un tipo encantador. Adoro cambios en su personaje para hacer más real la situación. Su mirada y gestos dicen mucho.

Loles Priego, tras una larga experiencia en teatro y algunos proyectos de cine hace una realista intervención, imprescindible en la historia. Siempre bromeo de que cuando sea famosa se acuerde de mi…además de eso una todoterreno en producción sacando adelante conmigo A prueba y ahora Traveling man.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Noemy, encargada de vestuario y arte. Hasta el ultimo detalle.

Alejandro Acero, sonido directo. Muy profesional y relajando tensiones con sus bromas.

Luisa, además de maquillaje y peluquería, puede hacer producción , sonido, reguladora de Ph, una todoterreno increíble.

Bienve, el maestro de la luz, encuadrando la mejor foto en cada escenario y guiándome en los momentos mas perdidos del rodaje.

Michael, ayudante de foto, es la profesionalidad y la paz en el rodaje, mi personal trainer en la foto.

Jony, mezclando sonido, uno de los grandes descubrimientos en Dallas con el que seguimos en contacto para próxima proyectos.

Y Loles, la que me aguanta, corrige, asegura, localiza, produce, actúa… imprescindible para mi. Una todoterreno a la que no se le borra la sonrisa.

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Pues el rodaje ha sido una contrarreloj, hemos tenido que rodar en 3 días y medio, 6 localizaciones, interiores, exteriores, 6 actores, todo en otro idioma… no ha sido fácil.

Anécdotas varias, entre otras…

En la escena de Grayson vestido de policía la gente subía las ventanillas de los coches y se quedaban flipados al ver la pistola y el uniforme, hasta el punto de que la gente le hacia preguntas sobre tráfico, incluso saludó a un coche de policía que pasó… menos mal que no pararon.

En otra escena tuvimos que cambiar de localización sobre el momento porque una señora del vecindario no estaba por la labor de que rodaramos en frente de su casa ni dos planos.

El primer día de rodaje hice tortillas de patatas para todo el equipo, por un momento nos sentimos como en casa. Cautivamos a los americanos por el paladar.

 

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

César Herradura ha sido la clave. Lo conocí gracias a Bienve Valdivia y ha sabido entender la historia, cortarla para que entre por debajo de los 15 minutos que era uno de los objetivos, eso ayuda luego mucho para poder moverlo en festivales, al menos esa ha sido nuestra experiencia con el anterior.

Johny en la mezcla de sonido y Javi en los efectos han sido imprescindibles. Son muchos engranajes para cuadrar todo el proyecto.

 

Háblanos de la banda sonora.

Pues hemos vuelto a trabajar con Pablo Cervantes. Terminamos muy contentos trabajando juntos en el primer trabajo y hemos vuelto a confirmar la música para que aporte a la historia su granito de arena.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Me gustan las historias en las que puedes definir un tema claro cuando termina la película, está historia quiere tratar el tema de x. Sea el que sea. Y además que pueda sorprenderme hasta el final. Creo que son dos cosas que busco como escritor y espectador y aquí lo tenemos.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De sacar adelante el segundo proyecto. De tener planos de Dallas muy atractivos. De sacar miradas o gestos de actores que aportan mucho a la historia. De mis tortillas… y de liar en este embolado a unos cuantos de nuevo entre otras muchas cosas

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que es una historia que podría pasarle a cualquiera y que le va a sorprender en este viaje. Cuando termine no le dejará indiferente.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Un impulso. Una primera selección de, esperemos, una larga lista. Un doblete. Un estreno en la ciudad donde he empezado tantas cosas, entre otras el guión y el cine.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Pues no lo sé. Hay días que pienso que sería más feliz tomándome una cerveza y sin tantos pájaros en la cabeza y que viendo el jaleo que es, sobre todo en rodaje, y lo nervioso que me pongo hasta que todo ha terminado no merece la pena. A los dos días de eso ya estoy pensando en que otra historia me gustaría contar, sin dejar de pensar que algún día pueda hacer frente a un largo.

 

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Pues por ahora lo vamos a distribuir nosotros hasta que alguna distribuidora se interese. Sino, dado nuestro presupuesto, es lo que nos toca.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Pues lo que veo es que se hacen muy muy buenos cortometrajes y muchos. La pena es que no haya más apoyo como en otros países para la protección y difusión de Ltd proyectos fuera de festivales, hay sitios donde puedes ir a ver una peli y antes ves un corto en vez de anuncios o además de. Sería una manera de mostrar los buenos trabajos que hay.

 

 

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Macarena Astorga: Marta no viene a cenar
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Pedrortega | 15-03-2017 | 18:20| 0

Macarena Astorga

Nació en Madrid. Es Licenciada en Comunicación Audiovisual y en Ciencias de la Educación por la Universidad de Málaga. Desde 2004 es profesora de Imagen y Sonido en el IES Guadalpín de Marbella, donde imparte clase en el Ciclo Superior de Realización de Audiovisuales. Tras la realización de diversos proyectos audiovisuales, se inicia en la ficción con el corto de ficción Tránsito, consiguió selecciones y premios en diferentes festivales internacionales, entre ellos la Biznaga de Plata a Mejor Cortometraje en el Festival de Málaga. Cine Español y una candidatura a los Premios ASECAN. Se encuentra preparando su primer largo. 

Filmografía

Marta no viene a cenar (corto, 2017), Tránsito (corto, 2013), Los ojos de Brahim (documental, 2011).

Sinopsis

Verónica y Lucía se conocen desde la infancia, esta noche han quedado para cenar. Durante la cena se confiesan íntimos secretos, pero a veces la sinceridad puede ser un juego demasiado peligroso que no siempre acaba bien.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Marta no viene a cenar es un regalo inesperado que me hace el guionista malagueño Salva Martos en forma de guion. Leí el guion y me enamoré inmediatamente de él, a partir de ahí, comenzamos a trabajar para hacerlo realidad.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Marta no viene a cenar cuenta la historia de Lucía y Verónica, dos amigas que quedan para cenar. El catalizador de la historia es otra amiga que no asiste a la cena, Marta, y cuya ausencia servirá para sacar a la luz temas de los que nunca habían hablado.

El cortometraje habla del amor, de las inseguridades, de la hipocresía, de la amistad, de las relaciones sociales. Tiene muchos ingredientes que el espectador va a reconocer rápidamente conforme avanza la trama.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Me apetecía mucho volver a ponerme detrás de la cámara a dirigir después de mi anterior trabajo, el cortometraje Tránsito, con el que conseguimos una Preselección a los Premios Goya. Había hecho trabajos de ayudante de dirección y de dirección de actores en proyectos de amigos y tenía ya muchísimas ganas de volver a dirigir. Leí el guion y sentí que era el momento de volver.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El cortometraje recibió ayudas a la creación audiovisual malagueña en el Festival de Cine de Málaga de 2016 y también ha recibido una ayuda del ICAA. Aquí tengo que agradecer el trabajo de Sensi Nuevo, al frente de la productora malagueña Caleidoscopio Films porque también creyó en el proyecto, se implicó en él y ha sido la principal responsable de presentar los proyectos para conseguir estas ayudas.

 

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Quería rodar con Natalia de Molina y con Celia de Molina, en cuanto les hablé del proyecto me dieron el sí. Me dio mucha alegría y satisfacción y, al mismo tiempo, mucha responsabilidad de dirigirlas. Son maravillosas y hacen un inmenso trabajo en el cortometraje.

 

Preséntanos a las actices

Bueno, Natalia de Molina creo que no necesita mucha presentación, tiene dos Premios Goya por las películas Vivir es fácil con los ojos cerrados y Techo y comida. Para mí es una de las mejores actrices que tenemos en España, ha sido una aventura maravillosa trabajar con ella.

Celia de Molina es otra actriz a tener muy en cuenta, tiene todos los ingredientes que buscaba para el personaje que interpreta en el cortometraje. Las dos están impresionantes en este trabajo y, además, se une la complicidad que tienen entre ellas, lo que engrandece doblemente el duelo que mantienen durante todo el metraje.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

He tenido la suerte de contar con un equipo técnico de verdadero lujo, con la mayoría de ellos no era la primera vez que trabajaba. Adriana Ruz, mi ayudante de dirección, que me ha apoyado desde el principio y ha sido mi mano derecha durante el rodaje, Alberto Centeno, que firma una fotografía exquisita, Sensi Nuevo en la dirección de Producción, Corinne Rubio en la dirección de arte, Joaquín Pachón con el sonido… pesos pesados en cada uno de sus cargos, lo mejorcito como profesionales y ya ni te cuento como personas.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Ha sido una fase que he disfrutado especialmente. Trabajar con el montador José Manuel Jiménez (Guernika, Seis puntos sobre Emma, Secuestrados…) fue una experiencia que nunca olvidaré. Creo que es muy importante que haya feeling entre la directora y el editor, en este caso, fue todo muy fluido y coincidíamos en todo la mayoría de las veces. Todas sus recomendaciones fueron un acierto y aprendí mucho de él.

En la posproducción he trabajo con otro genio, David Triviño de Modular. Ya había coincidido con él también en otros trabajos, pero este ha sido un reto para todos pues conllevaba una animación como intro con muchos cambios y un diseño muy estudiado y estoy muy contenta con el resultado.

 

 

Háblanos de la banda sonora.

El cortometraje cuenta con banda sonora original compuesta por otro crack, el compositor malagueño Pablo Trujillo, con el que ya había tenido el inmenso placer de trabajar en mi anterior trabajo. Con Pablo me entiendo a la perfección y ha sabido captar muy bien mis intenciones respecto a la música.

También he tenido la suerte de contar con la colaboración del grupo malagueño Dry Martina, que le pone la guinda al cortometraje con su tema “Malahierba”.

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Soy una espectadora bastante exigente y con mis trabajos, mucho más. Sufro mucho viéndolos, pero estoy muy contenta con el resultado final y con la mezcla de géneros con los que juega este cortometraje, además por supuesto, del trabajo que hacen Natalia y Celia.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como directora?

Me sentiré satisfecha cuando el trabajo guste a mi equipo y a la gente que lo va a ver.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Le diría que va a pasar 16 minutos maravillosos viendo puro cine y sintiendo muchas emociones diferentes.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Marta no viene a cenar está fuera de concurso porque obtuvo ayudas a la creación audiovisual el año pasado, pero es un orgullo poder mostrar nuestro trabajo en nuestra tierra y en un contexto tan importante como es el Festival de Cine.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Merece la pena si amas tu profesión, para mí siempre merecerá la pena porque es verdad que hay muchos sinsabores, mucho momentos malos, pero se olvidan y se contrarestan con momentos que no cambiaría por nada.

 

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Prácticamente empezamos ahora, el corto no podía haber comenzado mejor, ya que ha sido seleccionado en la 30 Semana de Cine de Medina del Campo entre más de 3000 trabajos presentados. Estrenar en uno de los festivales de cortometrajes con más prestigio del país en un orgullo.

Esperemos que la distribución vaya bien y que el trabajo se pueda ver en mucho sitios.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Me da pena que mucha gente del sector no se dé cuenta de que el cortometraje también es cine. Creo que hay que estar muy ciego para no ver el maravilloso momento por el que pasa el corto en España. Necesitamos más visibilidad y una ley que obligue a poner cortometrajes en los cines, necesitamos más apoyos de las televisiones… a pesar de todo ello, el corto en España pasa por un extraordinario estado de forma. Y sí, los cortometrajistas también hacemos cine.

 

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Daniel Natoli: Qué suerte
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Pedrortega | 15-03-2017 | 18:18| 0

 

Daniel Natoli

Nació en Málaga en 1987. Licenciado en Arquitectura por la Universidad de Málaga. Su producción como cineasta se centra en el ámbito del documental.

Sinopsis

Tras la asfixia generacional provocada por la crisis, una pareja de jóvenes arquitectos españoles decide emigrar a Helsinki (Finlandia) buscando un lugar en el que poder prosperar. Con el paso del tiempo, descubren que la imagen idealizada que tenían de la capital nórdica no es tan perfecta como creían, que cada país tiene sus propios anhelos, y que toda receta posee sus contra indicaciones, aunque vengan escritas en letra pequeña.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

“Qué suerte” es un diario filmado, y como tal, nace de la necesidad de documentar una experiencia personal y de expresar esos sentimientos a través de lo audiovisual. Me pasé casi un año en Helsinki grabando por el simple hecho de plasmar lo que vivía, con la intención de que algún día pudiera abrir esas carpetas y recordar todo aquello. Casi un mes antes de regresar a Málaga, al revisar todo este material, me di cuenta que de ahí podía salir un proyecto interesante. En este sentido, es un corto que adquirió forma en el propio montaje.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

“Qué suerte” es una historia que en definitiva habla de toda esa generación de jóvenes que no logra encontrar su sitio en ningún lugar, que no sabe muy bien cómo ni hacia dónde avanzar. Es un relato lleno de anhelos, de deseos incumplidos. Sin embargo, a medida que avanza el corto, en él también aparece una cierta contradicción, que es la de comprobar que ningún país ni ningunas circunstancias son perfectas, que no existe esa tierra prometida. Creo que este hecho lleva a sentimientos encontrados: por un lado supone un consuelo, pero por otro no deja de ser una decepción al ver nuevamente frustradas las expectativas.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Yo creo que no decidí dirigir esta historia, pienso que fue el momento que me tocó vivir, y por tanto, el único que podía contar desde el punto de vista de un diario cinematográfico. Más allá de la sinopsis —que tristemente aún hoy sigue siendo actualidad—, lo que me impulsó a querer dar forma a esta experiencia sin duda fue la creencia de que uno puede hacer cine con la propia vida; de que la vida, lo cotidiano, lo que uno conoce, lo que a uno le rodea, si se narra con cierta intención puede llegar a convertirse en cine. Cuando esto ocurre, cuando he tenido la oportunidad de ver a otros directores que experimentan en esta línea, creo que ha sido la verdad más potente a la que he podido asistir como espectador, y esa fue mi principal motivación, intentar hacer cine partiendo de lo que me rodeaba y conocía, sin aspirar a nada más —y a nada menos—.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El corto ha sido totalmente auto producido porque como comentaba, lo que describe es una realidad subjetiva, y para ello no se necesitan demasiados medios si lo que a uno le importa no es tanto el resultado técnico sino el guion y la manera de narrarlo. Por supuesto, para llevarlo a cabo conté con el apoyo de mi pareja que es oficialmente la productora, pero de igual modo tampoco podría haber vivido esta experiencia en Finlandia si no fuera por ella, por lo que de nuevo vida y cine van de la mano. Para ser sincero, tampoco pedí ningún tipo de subvención porque en ningún momento pensé que todo lo que estaba filmando acabaría siendo un cortometraje.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El principal reto de este proyecto creo que ha sido el tratar de ser honesto conmigo mismo, el obligarme a no contar nada que no partiera de mi propia experiencia personal. En este sentido, el exponerme públicamente para contar un relato íntimo ha sido un verdadero quebradero de cabeza, sobre todo al intentar valorar lo que era necesario mostrar para transmitir la historia frente a lo que era demasiado privado o irrelevante para comprenderla. Esos límites entre lo público y lo privado o lo real frente a lo ficticio son siempre complejos, pero es algo que me interesa muchísimo de cara a seguir experimentando con ellos en futuras películas.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

El corto no ha contado con ninguna financiación por lo atípico de su producción, como comentaba anteriormente. Realmente, disponía de muy pocos recursos para grabar, pero precisamente por esto me enfoqué más en dotar de intención al montaje y no en buscar un perfeccionismo técnico en las imágenes que grababa —que surgían de forma más espontánea—. Creo que a veces es mejor renunciar, ser sinceros en este aspecto, y de paso ahorrar dinero en unos equipos y unos recursos que tratan de imitar a un tipo de cine más inaccesible desde el punto de vista de la producción. A día de hoy creo que este corto podría haber sido grabado incluso con un móvil y no perdería valor. Al fin y al cabo, se trata de mantener la coherencia entre qué tipo de película quieres hacer y cuáles son tus recursos para grabarla. Si intentas hacer un proyecto donde una parte no se corresponda con la otra, entonces se evidenciará un problema desde el primer fotograma.

 

Preséntanos a los actores.

La actriz protagonista es Marina Díaz García, mi compañera, amiga y pareja. Su papel fue sencillo porque era el mejor que podía interpretar, el de ella misma. Luego también aparecen por ahí otros amigos como Blanca Morón, Carlos Gómez o Elva Murillo que vinieron a visitarnos durante unos días y aprovechamos para recorrer la ciudad y algún que otro parque nacional. Todo fue como un juego, ellos ya sabían de mi obsesión por documentarlo todo, por lo que en ningún momento preguntaron para qué usaría este material.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

El tema es que rodaje como tal nunca hubo, simplemente yo iba a todos sitios con la cámara y aprovechaba mis paseos y salidas por Helsinki para grabar cualquier instante. A veces filmaba de manera natural lo que acontecía, y otras veces daba algunas indicaciones a Marina para intentar encuadrar algún plano que tenía en mente y que me resultaba sugerente. A veces era un acto de necesidad y grababa en función de mi estado anímico, y otras veces lo hacía simplemente por divertirme, me gustaba bastante salir con la cámara por si ese día ocurría algo interesante y podía captarlo.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Diría que el montaje. Es en el montaje donde verdaderamente se ha creado la estructura narrativa de este cortometraje, donde se ha elaborado un guion propiamente dicho que dotara de coherencia a todas esas imágenes que grababa de forma espontánea. Por otro lado, también ha sido fundamental la introducción de la voz en off como recurso, no tanto que acompaña, sino que es activo, que adquiere relevancia y que es capaz de transformar el significado de las imágenes cuando se proyectan. Durante todo el corto se da un continuo juego entre las imágenes que aparecen y la narración que se hace de ellas, poniendo de manifiesto la contradicción que surge entre lo atractivo de la fotografía frente a los sentimientos reales que provocan esas imágenes en la vivencia narrada. Me interesaba mucho dotar de nuevos significados a esas postales idealizadas que todos tenemos de los bosques, la nieve y la vida en los países nórdicos.

 

Háblanos de la banda sonora.

El corto se compone casi en su totalidad por distintos sonidos puntuales que contextualizan y refuerzan la atmósfera vivida a lo largo de los nueve meses. Creía que era coherente no exaltar de forma fácil ningún sentimiento a través de la música para dotar de mayor naturalidad al diario. En general, he intentado que la película tuviera un tono muy sobrio porque me parecía pertinente retratar de este modo la experiencia en un país como Finlandia, cuyo carácter se caracteriza precisamente por ser contenido y austero. Aun así, al final la película acaba con una canción al piano compuesta por Sibelius. Tratándose de Helsinki, no podía ser de otra forma.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta? 

Me resulta complicado valorarlo la verdad, lo he visionado tantas veces y lo he trabajado tanto que he perdido por completo la percepción que pudiera tener como espectador.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De lo que más satisfecho estoy como director es de haber descubierto en este primer cortometraje el tipo de cine que me gustaría llevar a cabo de aquí en adelante. Yo que me formé como arquitecto y lejos de las aulas de audiovisuales, el descubrir a directores como Mekas, Perlov, Chris Marker, Akerman, Guerín o Siminiani fue toda una revelación. En ese momento entendí que ese era el cine que más me interesaba. Aun así, cuanto más los analizo y más los voy estudiando más me doy cuenta de todo lo que me queda por aprender.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Pues le diría que fuese a verla porque tal vez se encuentre con un relato similar al que ya conoce de algún amigo, de algún hijo o de algún hermano, y en este sentido, ver algo con lo que puedes llegar a empatizar tan de cerca siempre resulta emocionante.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Es un orgullo estar ahí junto a creadores de tanto talento, pero sobre todo es un gran impulso de ilusión para seguir creando y realizando películas en un futuro.

 

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Por supuesto, siempre merecerá la pena, al menos desde un punto de vista de enriquecimiento personal o social. Si por el contrario hablamos de si merece la pena el esfuerzo que supone hacer cine en relación a lo que uno cobra o gana de esto, entonces esa es otra cuestión a la que muy poca gente podrá afirmar que le compense. Este tema es importante, y no se puede obviar, pero daría para un extenso debate…

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Al principio comencé distribuyendo la película por mi cuenta en concursos y festivales. Al comprobar la buena acogida que tuvo me animé a tomármelo un poco más en serio y desde hace un mes trabajo con “Jóvenes Realizadores”, una distribuidora malagueña de cortometrajes liderada por Ádel Kháder, que se está encargando de moverla por todo el circuito nacional. Es todo un placer trabajar con ellos. Veamos hasta dónde es capaz de llegar.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Creo que hay muchísima gente con talento haciendo buen cine en España, el problema, como siempre, es la falta de canales alternativos de producción y distribución. A pesar de todo, creo que nunca hubo una época mejor que esta para hacer cine.

 

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Colectivo Hola, cariño: Área de descanso
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Pedrortega | 14-03-2017 | 18:39| 0

 

Colectivo Hola, cariño (A.Cabello, M.Bea, P.Borrajo, A.Mechoswki)

María Bea Torrell (Barcelona, 1993)

Estudió el Grado en Fotografía y Creación Digital, un Postgrado en Postproducción en la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC) en Terrassa y el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona. No satisfecha con la carrera, sentía que debía poner en práctica lo aprendido. Se presentó a la primera edición del concurso Illuminating Curiosty y junto con dos compañeros ganó el primer premio. Gracias a eso, trabajó ocho meses en el Instituto de las Ciencias Fotónicas (ICFO) como fotógrafa y diseñadora gráfica, aunque también realizó vídeos y actualizaba la página web. Aquel fué su primer contacto como trabajadora de una empresa y miembro del equipo corporativo, con lo  que aprendió la responsabilidad que eso conllevaba. Paralelamente estuvo tres años como voluntaria en l’Agrupament Escolta i Guia de Sant Ignasi, donde trató con chicos de 6 a 18 años, despertando su interés por los jóvenes.

Pilar Borrajo Ramos (Madrid, 1993)

Se graduó en Bellas Artes en la Universitat Politècnica de València (UPV), realizando su primer cortometraje documental en Almería: Infinita e hizo el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona. Desde que terminó la carrera  no ha dejado de experimentar con diferentes técnicas de la imagen y del video, buscando nuevas formas de evocar una idea. Estos últimos dos años ha sido voluntaria en el festival de fotografía contemporánea Jääl -en Madrid- y en el DocsBarcelona. Ahora aspira a seguir trabajando el terreno documental, viajando y explorando otras culturas.

Alejandra del Barrio Cabello (Granada, 1992)

El periodismo le gusta desde pequeña y por ello decidió graduarse en Periodismo por la Universidad de Málaga (UMA) y hacer el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona. Trabajó durante un año en la agencia de publicidad y comunicación “Pasedeprensa Comunicación”, donde la fotografía, redes sociales, vídeos profesionales y notas de prensa eran su día a día. Anteriormente, pasó por el departamento de comunicación interna de Cepsa – La Rábida. Tras varios años se dio cuenta que contar los hechos noticiosos no le motivaba, narrar historias y vivencias sí, por ende realizó su primer documental La maleta del placer.

Andriev Mechowski (Santiago de Chile, 1989)

Estudió Diseño Gráfico & Multimedia en la universidad UNIACC y el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona. Trabajó dos años en la agencia de marketing digital DiPaola (Santiago de Chile). Ha realizado pasantías laborales en las agencias de publicidad McCan Erikson (Rio de Janeiro, Brasil) y en DoubleYou (Barcelona, España). Paralelo a su carrera, se ha perfeccionado a través de cursos de fotografía y producción musical. Actualmente ha creado su propia consultora de marketing (Eight Lab). 

Sinopsis

El tedio se apodera de los camioneros estacionados en áreas de descanso. Contra él, nada mejor que las conversaciones por el manos libres.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

El proyecto nace por la curiosidad en los lugares de paso: las áreas de descanso, las gasolineras y los restaurantes de carretera. Especialmente en los alrededores de Fraga, pueblo que hace frontera entre Aragón y Cataluña y es muy frecuentado por camioneros. Aquí surge la idea de la vida del camionero y a lo largo de la antigua carretera N-II se ha desarrollado el proyecto (“por el camino”).

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Trata una cotidianidad de manera cómica, la de los camioneros. Trata de hastío, de la rutina secreta del camionero y la relación con lo que le rodea día a día. Y trata de la relación a distancia con las mujeres de sus vidas.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

La carretera, el interés por descubrir un estilo de vida tan diferente y poder sumergirnos en él para comprenderlo.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

La productora es el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la UAB.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Cómo se trata de un documental observacional, quizás el gran reto fue (durante la rutina del rodaje) acomodar a los camioneros para la escena, lograr su confianza y actuar nosotros de tal forma que fuésemos casi invisibles para conseguir que no se sintieran intimidados por el equipo material ni por nosotros. Ha sido nuestro primer documental, así también ha sido un reto el aprender de cada decisión durante el proceso de creación.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

Una gran parte financiada por nosotros y otra mínima parte financiada por el Máster (la UAB).

 

 

Preséntanos a los actores.

Son camioneros que fuimos conociendo por la carretera, personas que interrumpimos en su rutina y que nos abrieron amablemente las puertas de (lo que ellos consideran) su casa. Gracias a ellos hemos podido realizarlo.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Una buena sinergia. Cada componente del equipo había trabajado en una rama diferente: una fotógrafa, una periodista, un diseñador y una artista, de modo que supimos potenciar las cualidades de cada uno para que el trabajo en equipo funcionara.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Era gracioso porque conocimos a tanta gente, hablamos con tantos camioneros, que cada vez que nos íbamos de rodaje, alguien nos reconocía y nos pitaba desde la carretera o se acercaba algún hombre que no conocíamos a decirnos “¿vosotras sois las que estáis haciendo un documental no?”. La voz había corrido muy rápido entre los camioneros. Éramos un tema de conversación en algunos bares.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La postproducción fue llevada por la idea de “viaje”. De modo que se editó pensando en que el espectador recorría la carretera encontrando a los camioneros que aparecen en la película. La pieza clave fue la primera llamada de un camionero con su mujer, de ahí nos interesamos por las llamadas y la relación con sus mujeres o sus novias. Éstas transmitían mucha información del tipo de relación de cada pareja y era una prueba más de la soledad y distancia entre seres queridos.

 

Háblanos de la banda sonora.

No hay banda sonora musical sino que el sonido se ha trabajado en un primer plano de tal manera que añadiese humor y significado.

 

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

La comedia de lo cotidiano en cada escena. Capta una realidad poco conocida dando tiempo a la observación, a reflexionar en cada plano.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Como colectivo nos sentimos satisfechos, hemos disfrutado mucho todo el proceso de la película y creemos que eso también se refleja en ella.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Van a ver el mundo de la vida del camionero de una manera íntima y personal, con toques inesperadamente graciosos.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Para nosotros estar en el Festival de Málaga es un salto importante en nuestra carrera, ya que es uno de los Festivales más importantes en España y poder participar en él nos llena de honor. Somos 4 los directores del corto. Tres son de fuera y una reside en Málaga, por lo que las sensaciones son muy distintas. Para las de fuera es siempre un placer venir a una tierra donde te acoje con los brazos abiertos y para la que reside en Málaga es un sueño que se acaba de cumplir.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Merece la pena porque nos gusta. Quizás si hubiese más subvenciones para realizarlo no supondría tal esfuerzo. Pero es cierto que hay otros obstáculos no económicos durante la producción de una película y el trabajo de superarlos es un proceso que disfrutamos como equipo. Al final sentimos una gran satisfacción al ver que la película descubre algo al espectador y le provoca, aunque sea, una pequeña carcajada.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

De la distribución nos encargamos los propios integrantes del colectivo (Hola cariño). Hasta la fecha hemos estado en Zinebi (Bilbao), en Bibliocurts (Barcelona) y en éste, el Festival de Málaga. Seguimos distribuyendo a todas las partes del mundo, aún no hemos ganado nada, pero eso no nos preocupa, al menos por ahora.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Antes de entrar en el mundo del audiovisual, no conocíamos el inmenso mundo del cortometraje tanto de animación, ficción y documental y esto es porque hay pocos espacios que arriesguen a la difusión de obras con poco recorrido y como consecuencia, la mayoría de proyectos no llegan al gran público.

El caso es que hay una producción interesante de cortometrajes en España y muy desconocida o con un público muy reducido (el mismo tipo de público que acude a cada festival de cortometrajes). Opinamos que las instituciones culturales o los espacios dedicados a la proyección de cine deberían arriesgar más en su programación, para difundir obras de cineastas emergentes o menos reconocidos en el ámbito nacional y así también ofrecer al público un abanico más amplio de oferta audiovisual (que no se limite al largometraje).

 

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José Vega: Evil
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Pedrortega | 14-03-2017 | 18:36| 0

 

José Vega

Nació en Málaga en 1975. Licenciado en Arte Dramático en 2002, y en 2011 crea su propia productora, Three of a Kind Films, con la que ese mismo año escribe y produce Apocalipsis. En 2013 escribe, produce y dirige Sentidos, un cortometraje seleccionado y premiado en varios países del mundo. Su último trabajo es Evil, cortometraje de terror protagonizado por Dafne Fernández. 

Filmografía

Evil (corto, 2016), Sentidos (corto, 2013), Apocalipsis (corto, 2011) 

Sinopsis

Janet pasa la noche sola en casa. La noche destila serenidad. Sin embargo, algo va penetrando sigilosamente en la casa. El mal está en el aire, pero ella todavía no lo sabe. 

 

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Pues veníamos de un proyecto muy complicado de producir como fue “Sentidos”, y nos encaminamos a otro que será el más ambicioso hasta la fecha y que rodaremos este otoño, por lo que la idea primaria era producir algo más sencillo y que nos permitiera seguir rodando y aprendiendo. Una historia con pocas localizaciones y pocos actores. Y se me vino a la cabeza una imagen, que no voy a desvelar porque es el final del corto, y a partir de ahí construí toda la historia. Pero como creo que no soy capaz de idear proyectos sencillos, al final la cosa se fue complicando hasta llegar al resultado que ahora tenemos.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

El mal como concepto es algo que me llama mucho la atención, sobre todo en lo que se refiere a la maldad del ser humano. Me interesa mucho el debate Rousseau-Hobbes sobre si el mal nace o se hace. E intento también alejarme de las ideas maniqueas en las que los buenos son siempre buenísimos y los malos malísimos. En este sentido estoy muy de acuerdo con el enfoque de Kubrick, que es con seguridad mi mayor referente cinematográfico. En esta ocasión tratamos el mal precisamente como concepto, un mal etéreo que se introduce en una casa por azar y juega con su víctima simplemente porque le divierte. Esto puede extrapolarse a ciertas personas que disfrutan haciendo el mal. Ya tengo en la cabeza un proyecto futuro que tratará sobre la maldad del ser humano.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Como he dicho antes, siempre me viene una imagen a la cabeza, que es el punto de partida para crear el resto de la historia. Es como si vieras un cuadro y te imaginaras lo que hay escondido en él. No me dejo guiar por géneros, sino por la historia que me apetece contar en cada momento. Estoy en fase de aprendizaje, y creo que es el momento de experimentar con situaciones, personajes y emociones. El siguiente proyecto es un drama que nada tiene que ver con lo hecho hasta el momento.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Creo que es muy difícil hacer cine en estos momentos, porque los medios son ahora más accesibles que nunca, que es beneficioso, pero también crea una competencia brutal. Tienes que destacar entre miles de trabajos, y hay cada vez más gente que hace muy buenos cortometrajes, por lo que tienes que usar tus armas lo mejor que puedas. El principal apoyo ha sido con seguridad mi productora ejecutiva y socia Sandra Muñoz, que es quien me ayuda a superar los malos momentos y alcanzar los retos que nos proponemos.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Cuando escribí la historia me imaginé al personaje con unos rasgos físicos muy determinados, y su entorno también era muy importante. Decidimos que hasta que no encontráramos una casa adecuada para rodar no pondríamos en marcha todo lo demás. Afortunadamente encontramos a unas personas maravillosas, Lucía y Edu, de esas que te encuentras una vez en la vida, que nos permitieron rodar en su casa hasta altas horas de la madrugada y nos lo hicieron todo muy fácil. Luego hablamos con la representante de Dafne y le presentamos el proyecto. Aceptó y a partir de ahí todo fue más fácil. O menos difícil.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

Hasta ahora habíamos autofinanciado nuestros proyectos, pero creímos que era hora de elevar el nivel y necesitábamos ayuda si queríamos contar con los medios que queríamos. Le presentamos el proyecto al Ayuntamiento de Torremolinos, y accedieron a financiar parte de él, por lo que estamos muy agradecidos. Creo que es importante que las instituciones apoyen la cultura y a los nuevos talentos. Y no lo digo sólo por nosotros, porque me consta que hay mucha gente en España con talento deseando contar historias.

 

 

Preséntanos a los actores.

Sólo tenemos una actriz en el corto, que es Dafne Fernández. Aunque suene a tópico, la verdad es que es increíble trabajar con una actriz de esta categoría, profesional y humana. Como no hay diálogo, tenía que expresar todo a través de sus gestos, y yo quedé encantado con el resultado. Recuerdo que había un plano en concreto al que yo le tenía un poco de miedo, porque era muy sutil y a mí me parecía que su reacción era de vital importancia. Luego lo hizo en una toma y eso me hizo relajarme. Por otra parte, está claro que la cámara la adora, y es capaz de sólo con su presencia llenar la pantalla durante diez minutos.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Ya habíamos trabajado con Pedro Lara, responsable de efectos visuales, que formó parte del equipo que ganó el Goya por “Las brujas de Zugarramurdi” (Álex de la Iglesia, 2013) y que tiene una larga trayectoria en el mundo del cine (“Batman begins” (2005), “Watchmen” (2009), “Un monstruo viene a verme” (2016), etc.). También habíamos trabajado con Jaime Gutiérrez, compositor de la banda sonora, que trabaja en el equipo de Fernando Velázquez como orquestador (“Lo imposible” (2012), “Un monstruo viene a verme” (2016), “El guardián invisible” (2017), etc.). Con ambos trabajamos en “Sentidos” (2014) y quedamos muy contentos con el resultado final, así que no dudamos en volver a contar con ellos.

Para el diseño y mezcla de sonido contamos con Factoría de ruidos, comandados por Jose A. Manovel, que este año ha estado nominado al Goya por “El hombre de las mil caras”, y que ha mezclado el sonido de películas como “Luces rojas” (Rodrigo Cortés, 2012) o “El guardián invisible” (Fernando González Molina, 2017), entre muchas otras.

El etalonaje fue realizado por El Colorado, empresa con 25 años de experiencia y con un currículum también muy extenso: “Camino” (Javier Fesser, 2008), “ma ma” (Julio Médem, 2015), por citar algunas.

Y luego hicimos dos grandes descubrimientos, como son Ezequiel Romero, director de fotografía, y Juan Alfonso Gil, director de arte, que quizá no tienen tanta experiencia como los anteriores pero que han sobrepasado nuestras expectativas, y con los que vamos a volver a trabajar en el nuevo proyecto que rodaremos este año.

Así que yo personalmente estoy muy orgulloso y muy contento de trabajar con este equipo, porque ellos me hacen parecer mejor a mí.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Fueron sólo dos días de rodaje, pero muy intensos. Creo que la que peor lo pasó fue Dafne, porque rodamos en febrero, y ella sólo viste un camisón durante todo el corto, a lo que tenemos que sumarle la escena de la ducha, así que pasó bastante frío. Pero acondicionamos una habitación para ella con calefacción y se mantuvo ahí todo el tiempo que pudo. Teníamos poco tiempo para rodar todo lo que yo quería, así que fue un rodaje bastante duro, pero también tuvimos tiempo para el relax. Algunos más que otros. Aunque llevábamos catering, los dueños de la casa, Lucía y Edu, se empeñaron en hacer una barbacoa, y lo que sí puedo decir es que vi a algunos pasar más tiempo comiendo al lado de la piscina que en el set. Y bueno, lo más curioso que recuerdo fue cuando la impresora empezó a imprimir sola de madrugada. Teniendo en cuenta que rodábamos una historia de terror, las caras de algunos hablaban por sí solas.

 

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

A pesar de que planificamos una post producción menos complicada que en “Sentidos”, y teníamos sólo cuatro planos de efectos, la verdad es que el plano secuencia del inicio fue el que más trabajo nos dio. Los otros tres planos se resolvieron bastante rápido, pero con éste estuvimos hasta finales de año. Y hasta que no se resolviera no podía concretarse todo lo demás. Pero la espera al final compensa, porque Pedro es una garantía. Con Jaime (compositor) fue todo muy fácil, porque parece que me lee el pensamiento. Y tanto Factoría de ruidos como El colorado también me lo pusieron todo muy fácil, a pesar de que era la primera vez que trabajábamos juntos. Creo que todos los aspectos de una película son importantes, pero en este caso el sonido y la música lo eran aún más, ya que no hay diálogo, y tienen que comportarse casi como un personaje. Tanto Jaime como Jose lo entendieron perfectamente y el resultado es tal y como yo lo había imaginado. Me considero muy perfeccionista y hemos estado realizando ajustes hasta última hora, pero creo que ha merecido la pena.

 

Háblanos de la banda sonora.

Yo le propuse a Jaime que nos basáramos en el Réquiem de Mozart para la banda sonora. Durante la preproducción de un cortometraje escucho mucha música que creo que pueda encajar con la historia, y escuché un solo de piano del Réquiem que creí muy adecuado. Basándose en eso e incorporando algunos elementos de Ligeti, que me encanta, consiguió un resultado que superó mis expectativas. Creo que consigue que la música sea un personaje más, acompañando la historia e incluso el coro del final adivina lo que va a pasar a continuación.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta? 

Lo hablaba con Ezequiel, director de fotografía. Creo que mi mayor temor es que la gente se aburra con mis historias. Quiero que mis historias entretengan y hagan pensar, no me conformo sólo con una de ellas. Y por lo poco que puedo adivinar de momento, creo que lo voy consiguiendo. O eso, o la gente miente muy bien. Me encanta escuchar las opiniones de la gente, y siempre me dicen que se quedan con ganas de más. Espero que siga siendo así.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Yo realmente estudié interpretación y hace unos años no me veía capaz de dirigir. Soy totalmente autodidacta, y llevo ya unos cuantos años dedicándome a aprender todo lo que puedo. Veo todas las películas y documentales que puedo, y leo todo lo que puedo. Y cuando me dejan, ruedo. Desde luego hay que rodar para probarte y corregir tus fallos, y en eso estoy. Me siento muy satisfecho de gestionar un equipo repleto de profesionales y de sacar un buen resultado al trabajo de tanta gente.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

La verdad es que se me da fatal venderme, pero intento hacer cosas diferentes. Aunque tratemos géneros distintos, intento mantener un estilo. Como decía antes, entretener y hacer pensar un poco, esa es mi verdadera meta. Y me gusta que la gente vea mi trabajo, porque me gusta saber qué les transmite y qué piensan, para bien o para mal. Así que animo a la gente a ver “Evil”, y que luego me expresen sus opiniones. Soy todo oídos.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Pues a pesar de que “Sentidos” tuvo muy buena acogida y estuvo en más de veinte países, a uno siempre le gusta que lo reconozcan en su tierra. Creo que es el reconocimiento que más siente todo el mundo, no sólo los cineastas. Y por eso esta selección es muy especial para nosotros. Ya teníamos ganas de estar en el Festival de Málaga, porque es nuestra tierra y porque además es uno de los festivales más importantes de España.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

El público sólo ve la cara buena del cine, pero cualquiera que haga o intente hacer cine sabe que tiene lados muy oscuros. Tienes que superar muchos malos momentos, que seguro te van a llegar, y para mí ahí está la clave del éxito. Levantarte cada vez que te caigas. Y al final sí merece la pena, cuando ves que a la gente le gusta tu trabajo. Yo tengo la suerte de tener a mi lado a una mujer maravillosa, que es mi productora y además es mi pareja. Y ella es quien me levanta cada vez que me caigo. Siempre le digo que ella es mi Alma. Entiendo que a quien no tenga ese apoyo incondicional todo se le hace más difícil.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Gracias al nacimiento de todas las plataformas de distribución online, yo mismo pude encargarme de la distribución de “Sentidos”, y la verdad es que nos fue bastante bien. Para haberlo realizado con tan sólo 600 euros, obtuvo casi 50 selecciones oficiales en festivales de más de veinte países, y fue premiado en Reino Unido y Armenia. Así que de momento vamos a hacer lo mismo, y ya veremos si cambiamos de estrategia en un futuro.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Como he dicho antes, creo que actualmente se hacen muy buenos cortos en España. Y muchos. Hace poco consultaba un festival italiano y España era el país que más cortometrajes había enviado, muy por encima del propio país organizador. Y yo veo todo lo que puedo. Me gusta saber lo que hacen los demás, porque siempre puedes aprender cosas. Lo que quieres y lo que no quieres hacer. No creo que sea casualidad que hayamos colado cortos en los Oscar recientemente. Aún no he visto “Timecode”, pero sí he visto “Graffiti”, que es un gran corto. “Voice over”, ”Safari”, “Tin & Tina”, “Aquel no era yo”, son grandes cortos que me vienen a la cabeza, y un largo etcétera que demuestran la buena salud de la que goza el cortometraje español.

 

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Víctor Ramón Rodríguez, Myriam Mira, José Alberto Matas: MLG 3 Delicias
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Pedrortega | 14-03-2017 | 18:30| 0

 

¿Quiénes somos, enverdá?

Somos Myriam, Víctor y Cali, unos jóvenes de veintipocos que durante la carrera de audiovisuales aprovechamos la cafetería de la Facultad para imaginar historias. Y así fue como nos conocimos. Allí, entre otras muchas cosas descubrimos el género documental y comenzamos a grabar. Grabar bien, grabar mal, pero lo importante es grabarlo todo. Esa es la premisa básica: la realidad no aparece sin gigas de brutos en la papelera. Durante este primer año después del Grado, tratamos de compaginar másteres (de diseño, en el caso de Víctor y Myriam) con el trabajo (de cámara y editor en 101tv en el caso de Cali y diseño gráfico en la Diputación de Málaga en el caso de Myriam) y algún que otro proyecto en nuestro devenir. Todo ello se esconde detrás de un plan maligno y conspiratorio que llevamos pensando desde que nacimos: trabajar de lo que nos gusta. Ah, y cobrar por ello. Y bueno, para desarrollar esta estrategia queremos legalizar Enverdá, una productora audiovisual al uso y encubierta en la cuál labrarnos nuestro futuro; creaciones audiovisuales para empresas y documentales para nosotros.

La Súper Idea

Las cosas como son, MLG 3 Delicias, ha sido siempre un trabajo de clase. Y precisamente que no se concebiese más allá de las clases de Realización documental es lo que le ha otorgado el carácter de realidad que buscábamos desde el principio.

Para que se entienda mejor:

  • Tenemos una ‘ideaza’: un docu sobre chinos
  • La idea no sale
  • Recurrimos a otro plan: madre soltera en paro y lo que surja
  • Tampoco sale
  • Intento a la desesperada de docu observacional: pffff, no mola
  • ¿Qué hacemos?
  • Un segundo, si todo lo anterior ya es una realidad…. ¡Ya tenemos documental!

 

Es ahí dónde terminaba la obra, pero podemos decir que MLG 3 Delicias continúa y continuará por dos razones. La primera, porque desde que termina el cortometraje MLG 3 Delicias ha cosechado dos premios (Primer premio Desencaja 2015 y Mejor cortometraje Málaga Crea 2016), lo que quiere decir que, esa realidad accidental con la que nos encontramos sigue formando parte de la historia de la obra, MLG 3 Delicias continúa. La segunda, porque queremos continuar por esta rama. Es decir, somos jóvenes, nos gusta el documental y nos gusta contar historias. Tenemos una forma sencilla, llana y cercana de plasmarla. Queremos trasladar la forma de contar del MLG 3 Delicias a otras áreas y a otras historias. Es en este dossier para el Premio Especial Málaga Crea dónde nace Enverdá, pero…un momento…

Sinopsis

¿Alguna vez has visto a un chino en la playa? Esta es la premisa con la que parte la historia, en la que tres jóvenes malagueños se ven en la tarea de realizar un documental sobre chinos y lo que surja…

 

 

Cómo nace el proyecto?

El proyecto nace a raíz de un trabajo de clase. Cuando rodamos este corto documental estábamos estudiando Comunicación Audiovisual en la UMA y para la asignatura de Realización Documental, teníamos que realizar una pieza cuyo único requisito era que no podía durar más de 7 minutos.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

En este corto en realidad se cuenta lo que normalmente no se ve delante de las cámaras a la hora de afrontar el rodaje de un documental. El proceso creativo, ideas que salen mal y el cómo tratamos de salir del embrollo. También nos sirvió de excusa perfecta para bucear por los diferentes géneros del documental y poner en práctica lo aprendido sobre el tema.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Lo que nos llevó a contar esta historia fueron las propias circunstancias. De habernos salido bien nuestra “Súper Idea” sobre los chinos, “MLG 3 delicias” jamás habría existido, así que nos alegramos de que la realidad nos llevará por otro camino.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Apoyo moral todo el que tú quieras. Apoyo económico cero. Grabamos con nuestras humildes cámaras réflex y no nos costó ni un euro rodar este corto documental. Sólo tiempo (2 semanas), frustración y risas, muchas risas durante la postproducción. Además en la facultad tuvimos acceso al estudio de grabación donde pudimos locutar el documental de la manera más profesional posible. Partiendo del hecho de que estéticamente nuestro corto tiene una estética bastante amateur, no necesitamos demasiados recursos ni medios para contar la historia que queríamos.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El gran reto fue saber enfrentarnos a la realidad de nuestra situación: quedaba poco tiempo para entregar el trabajo y todas nuestras ideas salieron mal. La clave fue saber ver que la historia no estaba en esas ideas sino en nuestro propio proceso de búsqueda. Y como no nos quedaba más tiempo para optar por otra idea, decidimos correr el riesgo de contar precisamente lo que nos pasó.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

Al concebirse desde un principio como un trabajo de carrera pensamos en realizarlo con los recursos que teníamos a mano. Al tratarse de un documental más nos dio más flexibilidad a la hora de hacerlo con pocos recursos.

 

 

Preséntanos a los actores.

En principio, con el enfoque de hacer un documental sobre los ciudadanos chinos de Málaga, quisimos buscar gente que pudiera con sus testimonios ayudarnos, manteniéndonos alejados como realizadores de lo que es relato. Pero al final, por cómo se desenvuelve la historia, terminamos siendo los protagonistas del relato.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

En este caso, como es evidente, nosotros somos también el equipo técnico. Está claro que este corto es muy “Juan Palomo. Yo me lo guiso, yo me lo como”.

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Claro que hubo anéctodas y lo mejor de todo es que es prácticamente todas aparecen el propio documental. Esto es lo divertido de hacer “meta-cine”.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Como lo nuestro es un documental, la fase de postproducción es vital porque es cuando ensamblamos todo el material grabado y le damos un relato coherente a todo. En el caso de nuestro proyecto, al contar varias historias y ese proceso de creación y búsqueda nos costó mucho elaborar un guión que lo aunara todo sin ser confuso y procurando también que tuviese algo de humor, que nos gusta mucho incluirlo en todo lo que hacemos.

 

Háblanos de la banda sonora.

Todos los recursos sonoros (incluida la música) son Creative Commos y cualquiera puede usarlos y encontrarlos en Internet.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Este pequeño documental tiene muchas capas, a pesar de su corta duración. Dentro de él hay varios mini-relatos y en cada uno se encuentra el giro que hace cambiar el rumbo de la historia. Esas partes suelen ser las que más hacen reír al público. Aunque tal vez, lo que más nos gusta es el mensaje final: “Si la vida te da limones, haces limonada; y si te da problemas, haces un documental”

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Una de las cosas que más nos fascina es que en todas las proyecciones que hemos hecho, escuchamos a la gente reírse y eso, cuando intentas hacer humor, es el regalo más grande que te pueden hacer.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

La verdad es que no sabríamos muy bien cómo venderle este documental a alguien, puesto que entendemos que es un poco sui géneris y que además está pensado para un público que esté un metido en el mundillo del cine de no-ficción. Pero es que es tan cortito y divertido que si quieres pasar un buen rato viendo como 3 “mataos” intentan “hacer algo”, merece la pena verlo.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Tener un pequeño hueco en el Festival de Málaga nos hace una ilusión tremenda. Somos malagueños, somos veinteañeros y hemos crecido casi al mismo tiempo que el festival. Para nosotros es todo un orgullo y un honor que nuestro humilde corto se proyecte en pantalla grande y en nuestra tierra. Es como cumplir un pequeño gran sueño, una aspiración que seguramente dormía en nuestro subconsciente al comenzar la carrera de Comunicación Audiovisual y que no imaginábamos que llegaría en este momento ni de esta manera.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Sin duda, si. Es cierto que a veces pensamos que es muy complicado y es fácil rendirse. Pero está claro que cualquier profesión “creativa” es muy estimulante y satisfactoria para quien la ejerce. Crear algo con lo que provocar emociones (del tipo que sea) a la gente es una experiencia que te llena muchísimo. Además si es algo que te llena de esa manera, realmente no sientes que sacrificas nada, porque todo lo haces disfrutando del proceso.

 

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Al ser un proyecto tan “casero” y ameteur, la distribución la hemos llevado nosotros mismos a mano presentándolo a diferentes concursos o festivales y colaborando en proyecciones locales y universitarias. En aquellos concursos en los que hemos ganado, como parte de lo que es el premio, también se incluye normalmente la proyección del cortometraje en medios locales y en festivales/ciclos de cine.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Creemos que el mundo del cortometraje está muy bien porque hay mucha gente joven haciendo cosas y es un formato que te permite experimentar. Además que la gran cantidad de concursos que hay a nivel local y nacional te pueden permitir ganar algo para financiar otros proyectos y darte a conocer o dar un primer paso. No lo vemos como un medio viable económicamente, pero sí con muchas posibilidades a nivel artístico-creativa.

 

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Israel Medrano: Una familia de verdad
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Pedrortega | 14-03-2017 | 18:22| 0

 

Israel Medrano Pérez

Natural de Vitoria-Gazteiz y criado en Málaga. Licenciado en Historia del Arte, desarrolla en Madrid su carrera como productor desde hace seis años en Mccann Worldgroup, una agencia internacional de publicidad, realizando producciones para marcas internacionales por todo el mundo. Recientemente ha terminado su primer documental como productor, Tierra, Mar, Aire. dirigido por Ángeles González-Sinde. También ha ejercido de realizador en varias campañas publicitarias. Una familia de verdad es su primer cortometraje e incursión en la ficción.

Sinopsis

2023. Una mujer de mediana edad decide ser madre en solitario y compra a través de una empresa online esperma para quedarse embarazada. Durante el embarazo descubrirá que la empresa, además del esperma, le ofrecerá otros servicios adicionales.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Nace de la necesidad de hacer ficción. Desde muy pequeño el cine ha ocupado gran parte de mi vida. Siempre he soñado con poder dedicarme a hacer cine.

He tenido la suerte de dedicarme al mundo audiovisual, como productor en una agencia de publicidad internacional. Esto me ha servido para aprender mucho de la profesión. Y aunque la locura de las agencias de publicidad apenas te deja descansar, el año pasado me comprometí conmigo mismo en hacer mi primer corto. Junto con mi amiga Elena nos pusimos a plantear ideas y de una de ellas surgió Una familia de verdad.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

La tecnología y las redes sociales cada vez tienen más peso en nuestras vidas. Podemos conseguir casi cualquier cosa sin movernos de nuestra casa. Eso contribuye al individualismo, a que no sea necesario relacionarnos físicamente unos con otros. Pero por el contrario, pese a ese individualismo, cada vez estamos más conectados a través de las redes sociales y podemos llegar a saber más de los demás en cada momento. Partiendo de esta realidad, imaginamos una distopía de nuestra sociedad en la que la necesidad de proyectar una vida muchas veces irreal, pudiera hacer que construyéramos de forma ficticia partes de nuestra vida. Es una metáfora del individualismo colectivo.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

El poder reflexionar sobre nuestra sociedad. Plantear preguntas y hacer pensar al espectador.

 

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El universo del cortometraje necesita de varios componentes: profesionales con talento, que a la vez sean buenos amigos entre sí, y mucha fe.

Al asumir todos los costes de la producción, necesitaba muchas dosis de todo esto.

Y las conseguí. Sin la ayuda de todo el equipo, no hubiera sido posible realizar el cortometraje.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El tiempo. Combinar el trabajo en una agencia de publicidad con un proyecto personal como este cortometraje no es fácil. Me había comprometido en rodar unas fechas y cuando estaba iniciando la preproducción, surgió un rodaje internacional que me obligó a estar fuera de España unas semanas. Así que tuve que sacar tiempo y preproducir en un tiempo muy limitado.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

Toda la producción la he costeado con ahorros propios. No he recibido financiación de terceros.

 

Preséntanos a los actores.

Para empezar, Eva Manjón, la protagonista. Gracias a ella pude contactar con gran parte del elenco que finalmente participó en el corto. Es una de las protagonistas de la serie Seis Hermanas, de TVE. Actualmente produce y protagoniza en el teatro Rialto de la Gran Vía de Madrid la obra de teatro musical Mi última noche con Sara. Más allá de su gran talento, es una persona tremendamente generosa, llena de energía, que ama profundamente su profesión. No me cansaré de darle las gracias por su gran trabajo.

Carlos Olalla, es el padre de la protagonista en el corto. Ha sido un honor poder dirigir a un actor con su trayectoria profesional. Su solo presencia llena la pantalla. Gran actor, mejor persona.

Marta Malone, otra grande. Camaleónica y salvaje sobre las tablas.

Sergio Arce y Teresa Abarca están actualmente de gira triunfando en el teatro con los musicales Dirty Dancing y Cabaret. Llegarán lejos.

A Álvaro Lafora, le veréis por partida doble en el Festival de Cine de Málaga ya que participa en la película Smoking Club, seleccionada también.

Ha sido una suerte haber podido contar con un equipo de artistas de este talento y que están cosechando tantos éxitos.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Ha sido muy fácil dirigir el cortometraje. La mayoría del equipo somos amigos, trabajamos muchas veces juntos y encima nos gusta lo que hacemos.

Me encanta crear un ambiente familiar en los rodajes. Aunque haya tensión y un nivel de exigencia muy alto, siempre todo es más llevadero si estamos a gusto y nos ayudamos unos a otros.

Los dos pilares fundamentales han sido Javier Cerdá y Miguel Padilla.

Javi, director de fotografía de muchísimo prestigio, me da siempre muchísima seguridad. Cuida cada plano hasta conseguir la luz y el encuadre perfectos. Tiene una larga trayectoria en cine y documentales. Estoy convencido que ganará muy pronto el Goya.

Miguel aparece muchas veces en los créditos. Ayudante de dirección, montaje, posproducción y etalonaje. Con lo joven que es y es uno de los mejores profesionales que conozco. Perfeccionista al máximo, no se le pasa ni una.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Muchas.

Una muy divertida fue el día que rodamos el plano secuencia en el que la protagonista empieza la acción embarazada de ocho meses en el salón de casa y acababa cuatro años más tarde con su hijo en brazos en el vestidor. Teníamos tres departamentos trabajando a la vez sincronizados para conseguir en 45 segundos quitarle la prótesis, cambiarle la ropa y el peinado. Y para mayor complicación tenían que estar escondidos al final de la secuencia en apenas un metro cuadrado para no entrar en plano. Hubo muchas risas, nervios y nos costó muchas horas conseguir una toma buena. Por no decir de los botes de lubricante que tuvimos que gastar para conseguir que la tripa saliera a la primera.

Otra anécdota que no recuerdo con tanto cariño fue el día que rodamos las secuencias en el parque. Teníamos todos los permisos del ayuntamiento. Pero no contábamos con que a última hora se había adelantado la visita de Obama a Madrid. Media ciudad cortada. Y nosotros rodando a menos de 500 metros de donde tenía lugar el encuentro entre los Reyes y el Presidente de los EEUU. Los actores no llegaban, parte del equipo técnico no aparecía…y es que la policía no dejaba pasar a nadie porque justo pasaba la comitiva presidencial. Y por si eso fuera poco, no dejaban de sobrevolar la zona helicópteros y cazas. El resultado fue que tuve que modificar el plan de rodaje, ajustar el guión y cambiar escenas porque nos pasábamos de horas de permiso y la policía nos echaba.

 

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Ha sido la parte que más tiempo nos ha ocupado. Mi compañero Miguel Padilla, también malagueño, además de ser mi ayudante de dirección, ha montado y posproducido el cortometraje. Con tanto trabajo en sus manos, hemos tenido que ir sacando huecos de nuestro trabajo para poder avanzar. La parte más laboriosa fue la secuencia del bote de esperma, que tuvimos que posproducir frame a frame para darle un aspecto más realista.

 

Háblanos de la banda sonora.

La Banda Sonora es obra de Juanjo Molina. Como Juanjo lleva muchos años componiendo, me ayudó muchísimo a encontrar el tono que quería dar a la música. En Una Familia de verdad, la música es un personaje más, que cuenta muchas cosas, por eso tiene tanta presencia. Tiene dos temas con muchísima fuerza. El tema de los créditos iniciales, que plasma la ruptura con el pasado de la protagonista. Y el tema del plano secuencia en el que transcurren 4 años. Necesitaba que la música ayudara a entender el paso del tiempo y que cada instrumento que se sumaba a la partitura transmitiera el crecimiento del bebé, desde recién nacido hasta los cuatro años de edad. Juanjo ha plasmado todo eso de forma magnífica.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta? 

La dirección de fotografía, del gran Javier Cerdá. Un maestro de la luz. Cada plano está cuidadosamente pensado y mimado.

Del plano secuencia estoy muy orgulloso también. Era muy difícil de conseguir y lo hicimos.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Siendo mi primera experiencia dirigiendo ficción, habiendo asumiendo toda la producción y siendo autor del guión, el haber podido cumplir el objetivo de hacer este corto, con una factura tan cuidada, es mi mayor satisfacción.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que le sorprenderá. Que Una famila de verdad comienza contando un final y termina contando un comienzo donde no todo es lo que parece.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Para todos ha sido un regalo el poder estar seleccionados. Para mi especialmente ya que vi nacer el festival desde su primera edición. No puedo asegurar el número exacto de años que he acudido, pero sin exagerar he ido a nueve ediciones por lo menos. Todos esos años, consiguiendo sentarme en el Teatro Cervantes, viendo tantos homenajes y estrenos, rodeado de tanto talento, y siempre imaginando estar algún día no solo como espectador. Y ese día ha llegado. Mi primer cortometraje y estoy en la programación oficial. Un lujo y un honor.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Sin duda. Da igual el trabajo que implica, el tiempo invertido, el coste…el cine es magia, y cuando lo vives de cerca, engancha y ya no puedes desprenderte de ese sentimiento nunca.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

La gestión de la distribución ha corrido también de mi parte. Es un mundo que desconocía y que me interesaba mucho aprender. A base de prueba y error, leyendo e investigando mucho, voy planificando yo mismo la distribución. Tiene sus pros y sus contras. Imagino que no tener una distribuidora conocida que avale el proyecto puede llegar a echar para atrás a muchos seleccionadores. Pero por el contrario, quien mejor que uno mismo para mimar y dedicar todo el tiempo posible en buscar e inscribirse en los festivales que puedan encajar con tu película.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Desde el punto de vista de la difusión, hay muchos y muy buenos festivales de cortometrajes que ayudan a mostrar este tipo de películas. Pero es una lástima que la exhibición llegue únicamente a través de un festival. Sería positivo que las plataformas digitales, televisiones y distribuidoras de cine, programaran cortometrajes nacionales e internacionales de manera habitual.

Por otro lado, creo que las ayudas a la producción son muy escasas. El cortometraje es un camino para muchos directores de poder mostrar su potencial artístico y la falta de recursos muchas veces dificultan que los trabajos brillen.

 

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Alejandro Portaz: Epidemia
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Pedrortega | 14-03-2017 | 19:31| 0

 

Alejandro Portaz

Licenciado en Bellas Artes. Ha creado marcas y dirigido proyectos de entidad corporativa. Director de cortometrajes desde 2004 en Ochovideos Producciones, Diseño de Producción y Maquillaje FX’

Filmografía

Epidemia (corto, 2017), Convergentes (corto, 2011), Phobos (2007)

Sinopsis

Cuando una estudiante en el extranjero vuelve para pasar las navidades de 1994, descubre que algo inquietante ha ocurrido en su ausencia.

 

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Sobre un hecho real ocurrido en 1994 y que afectó a toda la población española, como una epidemia.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Poder jugar con los géneros y la identificación con una historia que casi la totalidad de la población de nuestra generación conoce. Además su guión, escrito por Javier González, tiene la sutileza que a mi me gusta a la hora de dirigir.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

‘Epidemia’ tiene una financiación privada y otra parte importante de mecenazgo. En esta ocasión no hemos recibido ninguna ayuda institucional.

 

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

En cuanto a la forma, conseguir mostrar de poco a poco la esencia del guión, elegir bien el punto de vista, las reacciones de sus protagonistas, la información dosificada…

En cuanto a la producción, lo más complicado fue trabajar con un presupuesto 5 veces inferior al necesario. 

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Como te he comentado, podría ser así: 50% financiación propia y 50% financiación de mecenas. De lo que es nuestra parte tengo que hablar de Ochovideos (www.ochovideos.com), que es mi productora y Titaina, que es la firma de Javier. La Antena Films colabora también, como en anteriores ocasiones.

 

Preséntanos a los actores.

Maria Alegre Silva es una joven y muy muy prometedora actriz valenciana que ahora se encuentra en Inglaterra ampliando sus estudios. Es una de las protagonistas de ‘La Ropavejera’, cortometraje de género dirigido por Nacho Ruipérez. Marta Belenguer hace de la madre de Marina, es otra gran actriz valenciana, con una trayectoria televisiva considerable, teatro y varias películas. Ha hecho mucha televisión en la Comunitat Valenciana y Madrid y es un referente para nosotros. Javier González (guionista) es el padre de la protagonista, es actor, formador e improvisador afincado en Valencia. Juntos trabajamos en Guerrilla Impro, una compañía de improvisación teatral. Mateo González interpreta al pequeño de la casa, es su debut como actor en un cortometraje -se estrenó en un mediometraje rodado por niños en Benimaclet – y ya tiene rodados algunos vídeos como director con solo 11 años. Iván Granell sale de la escuela Teatro Escalante y nos convenció sin problemas gracias a sus vídeos-yotuber. Y María Dolores Santamaría es la abuelita con la que siempre contamos para todos nuestros proyectos. Es actriz y baila claqué.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Os tendría que hablar de la Fotografía, que ha dirigido Lucía Forner Segarra y ha operado Edu Canet. En Sonido hemos tenido a Fabio Maiorano. El Arte lo ha hecho TOTO, un artista multidisciplinar italiano que vive en Valencia y lleva el festival Confusion. Tuvimos un estupendo vestuario gracias a Ana Llorca y una peluquería de ‘época’ de manos y tijeras de Paloma Barba. Alicia Tomás fue la jefa de Producción.

 

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

La anécdota con la que me quedo es la del día que tuvimos que recrear Londres para un plano exterior (el que abre la película). Ya es raro que se nuble en Valencia y mucho más que llueva día sí y día no. Y además en Mayo. Pero aquella mañana amaneció lloviendo, no pudimos tener más suerte, ya estábamos preparados con la manguera por si acaso.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Sobre todo el sonido. Era muy importante crear la atmósfera sin casi palabras ni música. Fabio ha mezclado brillantemente el material que teníamos.

El montaje lo hice yo. Hubiera deseado algunos efectos, pero por presupuesto no puedo ser. Aun así lo que cuenta es la historia. Así que menos es más.

 

Háblanos de la banda sonora.

Sonido, ambiente y nada de música.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta? 

Que se entiende, que tiene ritmo y que funciona su lenguaje. Además de que hay un trabajo de interpretación sobresaliente.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Sobretodo del equipo, estoy muy contento de que se llevaran tan bien, se compenetraran como tocaba y por encima de todo, que lo pasáramos tan bien, fue muy divertido. Estoy satisfecho de haber podido economizar procesos de rodaje. Tuve que reconstruir el lenguaje narrativo sobre la marcha, porque no teníamos tiempo de rodar determinados planos.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que no se espera lo que va a ocurrir. Y que cuando lo descubra: sí, así fue.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

La mayor alegría. Es nuestro estreno desde que ha comenzado la distribución y Málaga era uno de los primeros retos.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Por supuesto. También creo que hay que saber dirigir ese esfuerzo hacia lo que merece la pena o tendrá visibilidad, tanto en lo técnico, como en el guión como en las intenciones. Si crees en el equipo, les cuidas (nos cuidamos), comen bien y les das un buen proyecto, saldrá algo muy bueno. Y el esfuerzo se recompensará.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Estamos trabajando con Some Like It Short, una distribuidora valenciana con bastante trayectoria y selecciones. Tenemos mucha ilusión de que funcione el corto durante el año que queda.

 

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Pues es un poco el mismo desde hace ya tiempo: se sigue rodando a nivel profesional y amateur. Hoy en día hay plataformas que permiten que las películas tengan visibilidad y festivales más pequeños a los que es más fácil acceder. Se produce mucho y hay un material excelente en general en España. 

Lo ideal sería que el cortometraje (incluso el mediometraje) tuviera la importancia que tiene el largometraje, para poder volver a programarse en salas, disponer de la financiación necesaria como para pagar a todos y para que el público descubra que hay tantas buenas historias en películas de 9 minutos, de 40 y de 90. Si las historias buenas duran lo que tienen que durar, ¿por qué siguen sin tener las mismas oportunidades los cortometrajes?

 

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Sergio Sánchez Cano: Subliminal
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Pedrortega | 13-03-2017 | 14:05| 0

Sergio Manuel Sánchez Cano

Director, guionista y productor malagueño. Ha realizado más de una treintena de producciones incluyendo cortometrajes, documentales, spots y videoclips. Su trabajo ha sido galardonado, entre otros, con el prestigioso premio RTVA a la Creación Audiovisual Andaluza. Fundador del sello Cortocreando, integrado por más de quinientos profesionales, además colabora como técnico en multitud de proyectos de conocidos realizadores. Destacar su formación multidisciplinar, que le permite abordar producciones desde una perspectiva global, compaginando tareas puramente creativas con otras más técnicas.

Filmografía

Subliminal (corto, 2016), Películas (corto, 2015), Eres un fenómeno (corto, 2015), Abre la caja (corto, 2014), Fuerza Bruta (corto, 2013), Yo lo que quiero… (corto, 2013), Tanatría (corto, 2012), Inquietos (corto, 2011), Butacas (corto, 2010), Sordina (corto, 2009)

Sinopsis

Jorge cree ver algo moviéndose cerca del parque infantil. Aunque allí no parece haber nadie, pronto descubrirá la realidad que se oculta ante sus ojos.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

El proyecto surge como reflexión sobre los mecanismos del miedo. Siempre me he preguntado por qué la gente tiene miedo de aquello que no ve, o de lo que cree ver aunque solo sea por un instante. Usar imagenes subliminales resultó ser la mejor forma de transmitirlo.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Resumiendo mucho, trataría sobre cómo uno de los personajes se ve atrapado en un juego infantil muy popular y creo que no debería contar mucho más. Es difícil hablar sobre el corto sin desvelar nada.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

El género fantástico es sin duda mi preferido, te permite experimentar y tocar muchos temas diferentes. Este tipo de historias, sencillas y directas son las que me empujaron a realizar cortometrajes. Contar mucho con muy poco.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El corto es autoproducido, hecho con nuestros propios medios y con la colaboración de un equipo de gente muy entregada.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Encontrar el reparto adecuado fue lo que llevó más tiempo. Por otro lado la localización cambió en muchas ocasiones y hasta el último momento no dimos con la adecuada. Aunque el auténtico reto fue planificar, grabar el corto, editarlo y estrenarlo en pantalla grande, todo en menos de una semana.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Como he dicho anteriormente, el hecho de poder realizar el corto con nuestros propios medios hizo que no fuera necesaria la búsqueda de financiación externa. Esto sólo puedes permitirtelo en proyectos así de pequeños donde prima la idea y no el despliegue de medios.

 

 

Preséntanos a los actores.

Ahora mismo no podría imaginar el corto sin Agustín Cascón ni Beatriz Sánchez. Para Agustín fue la primera experiencia haciendo un corto, aunque ya había estado delante de las cámaras en otro tipo de trabajos. Le puso mucha ilusión y eso se nota, al igual que Beatriz Sánchez, una jovencísima actriz con mucho futuro por delante.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Aunque tengo la “mala” costumbre de acaparar casi todas las funciones durante el rodaje (dirección, cámara, sonido, producción…), conté con la colaboración de un equipo muy reducido de gente dispuestos a ayudar en lo que hiciera falta: Rodrigo Román, Miguel A. Almanza, José Felipe Calle y Jon Rivero. Como toda grabación en exteriores las mejores anécdotas están relacionadas con gente que no debería aparecer en plano. En este caso fue muy complicado simular que en aquel parque solo estaba el protagonista.

 

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Dónde y cómo introducir las imágenes subliminales que aparecen en el corto fue uno de los grandes retos a la hora de realizar la postproducción. Hacer que el público percibiera que hay algo en pantalla pero sin mostrar demasiado.

 

Háblanos de la banda sonora.

La banda sonora se realizó a partir de la mezcla de varios efectos de sonido, compuestos por acordes de diversos instrumentos, sintetizadores y mucha percusión. Con el caos resultante se intenta transmitir al espectador el desconcierto del protagonista ante una situaciń tan atípica. Hay otros momentos sin música, donde prima el sonido ambiente del parque que también son importantes para transmitir la sensación de aislamiento y soledad.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Es difícil ver tu propia obra como espectador, aunque si tuviera que destacar algo sería la ambientación, sobre todo sabiendo que está grabado en exteriores, de noche y con luz natural.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De lo que me siento más orgulloso es de haber conseguido crear una situación tan extraña en tan poco tiempo y resolverla de tal modo que cualquiera pueda entenderla claramente.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Lo recomendaría a todo el que tenga un par de minutos y quiera ver algo original y diferente.

 

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Alegría y agradecido por tener la oportunidad de compartir nuestro trabajo en pantalla grande y en nuestra ciudad. Además en mi caso supone una grata sorpresa al tratarse de la primera selección en este festival después de casi diez años presentando trabajos.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Si.

 

¿Qué nos puedes contar sobre su distribución?

El corto acaba de comenzar su recorrido por festivales y está teniendo muy buena aceptación tanto dentro como fuera de España. En un principio la intención era compartirlo directamente por internet, y ya está, de hecho estaba pensado para eso. Pero las reacciones tan positivas que tuvo en las primeras proyecciones en pantalla grande hicieron que me planteara moverlo por cauces más tradicionales. Esto ha dado pié a que mucha gente se interese por nuestro trabajo y que en el corto plazo anuncie algunas sorpresas inesperadas que todavía no puedo desvelar.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Creo que pese a todas las dificultades que existen tanto a nivel de financiación como distribución, se están produciendo muchos cortometrajes y de gran calidad. Lo que más he notado estos últimos años es la profesionalización del sector. En estos momentos casi nadie se plantea grabar un cortometraje sin un mínimo de presupuesto ni medios cinematográficos. Esta corriente nos arrastra a todos, incluyendo a los que empezamos en este arte por afición, de tal forma que grabar cualquier cosa por sencilla y pequeña que sea conlleva un gran desembolso monetario y un lío burocrático considerable. Y todo esto sin recibir contraprestación alguna, porque grabar cortometrajes no da dinero (a menos que recibas algún tipo de ayuda o ganes un festival, que es tan difícil como que te toque la lotería) pero si cuesta y mucho. La gran complejidad, el presupuesto, los medios y el tiempo que requiere hacer cine es a lo que debe enfrentarse cualquier realizador audiovisual en la actualidad.

 

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Juan Luis Moreno Somé: Dime que sí
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Pedrortega | 13-03-2017 | 19:17| 0

Juan Luis Moreno Somé

Nacido en Málaga en 1982. Se graduó en 2009 como Técnico Superior en Realización Audiovisual en CESUR, a la vez que asistía a diversos cursos especializados. Ese mismo año se trasladó a Barcelona donde entró en el CECC (Centro de Estudios Cinematográficos de Cataluña) acabando en 2012 la especialización en Dirección Cinematográfica. Ha trabajado en varias empresas y participado en diversos largometrajes, cortometrajes, spots, videoclips o vídeos corporativos como ayudante de dirección, making-of y montador, que compagina con su labor como guionista y director.

Filmografía

Dime que sí (corto, 2016), Last Memory (corto, 2016), Reencuentro (corto, 2013)

Sinopsis

Una chica tímida y reservada descubre la manera de declararle su amor a un chico que no conoce de nada, pero al que siempre ve en el centro comercial. ¿Cuál será su respuesta?, ¿le dirá que sí?

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

En 2015 nació el certamen islazultura, donde el centro comercial Islazul de aquí de Madrid pedía rodar un corto parcial o íntegramente en el mismo(una fórmula de auto promoción, vamos), y me quedé con las ganas de grabar una pequeña gamberrada, y el año pasado, cuando volvió a abrir convocatoria dije “ésta es la mía”, y así comenzamos a darle forma a “Dime que sí”.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Sobre lo que no somos capaces de hacer y que algunas veces hay que echarle un par(de lo que sea) para conseguir lo que realmente queremos.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Siempre he sido muy fan del cine musical, que ahora está muy de moda gracias a “La la land” y cuando pensé qué quería contar con esta historia me dije “vamos a tocar el género”.

 

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Sobre todo que el centro comercial nos dio libertad para poder grabar donde quisiéramos y contamos con el apoyo de varias de las tiendas, y la predisposición del equipo artístico y técnico en querer embarcarse en esta pequeña historia. ¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad? Realmente no hubieron “grandes problemas”, ya que el rodaje duró una jornada, grabamos con lo que teníamos y como pudimos, y quizás lo más enrevesado fue el último plano que, dramáticamente, queda muy bien la lluvia y fue improvisado total, pero para sonido fue un marronazo(gracias Frank Demur, un grande). Háblanos de las fórmulas de financiación de la película Fue auto financiado, con la única pretensión de presentarse al citado concurso.

 

Preséntanos a los actores.

Juan Caballero, gran actor y mejor persona, yo conocía su trabajo gracias a mi amigo Jota Linares y me apetecía mucho coincidir con él, experiencia imprescindible. Montse Gabriel, una pequeña loca con muy buen corazón y una facilidad para la comedia muy curiosa.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico?

El equipo técnico estuvo formado por personas con las que nunca había trabajado previamente y fue una experiencia enriquecedora, y casualmente con algunos he vuelto a currar aquí en Madrid y siempre es un placer. Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas. Lo más curioso que puedo contar es que nadie miraba a cámara cuando grabábamos, era un lunes de Semana Santa, cuando lo más común es que las personas pregunten “Esto pa qué es?” o saluden directamente, lo cual… GRACIAS.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

El montaje fue muy sencillo, ya que yo tenía muy claro con lo que rodamos, lo más complicado fue el plano final con el tema de la lluvia y el sonido, hicimos un apaño para presentarlo, ya que el festival era online y había que presentarlo cuanto antes y Frank se metió un trabajazo para acabar el corto lo mejor posible.

 

Háblanos de la banda sonora.

Este fue para mi el proceso más complicado de todos porque de la música y de la canción depende el 90% del corto, primero compuse la letra y luego hablé con mi habitual compositor Pablo Trujillo, pero estaba hasta arriba de trabajo y no pudo, así que hablé con Jesús Calderón, con el que me apetecía muchísimo trabajar al haber visto sus trabajos con varios compañeros cercanos, y compuso una banda sonora jovial, fresca y rítmica con respecto a la letra que compuse, y con Montse nos fuimos a un estudio de grabación para grabar la canción, tardamos poco más de una hora en grabarla.

 

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Cortito, divertido y sencillo.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De haber tocado un género con el que me lo he pasado muy bien, y me gustaría volver a repetir más adelante.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Repetimos, natillas Dan…. digo….. repito: Cortito, divertido y sencillo.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Teniendo en cuenta el objetivo para el que lo hicimos, es una satisfacción muy grata verlo en una pantalla grande del mítico cine Albeniz. ¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine? Siempre, yo tuve la suerte de querer hacer lo que desde los 14 años he tenido devoción y aunque es duro, siempre merece la pena luchar por lo que uno cree(que casualmente es el tema del que habla este corto).

 

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Creo que hay de todo, desde un nivel brutal(muy superior a muchas películas) hasta trabajos bastante deplorables, habría que tener en cuenta a las personas que hay detrás de un proyecto, tenemos la dicha de haber contado con 2 trabajos muy cercanos al Oscar como lo fueron “Timecode” y la impresionante “Graffiti”, pero estamos en lo de siempre, sino apoyamos a los nuevos valores y el ministerio u otras instituciones siempre apoyan a los mismos, qué esperamos los demás que intentamos levantar un nuevo proyecto?

 

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Estoy terminando de escribir junto a Edu Moyano (“Cretinos”) mi próximo proyecto “Líbranos del mal”, un thriller con pretensión de rodarse este año y tenerlo listo a principios de 2018, es un historia muy arriesgada pero me entusiasma tantísimo y teniendo en cuenta todo lo que nos ha dado “Last Memory”(115 selecciones y 18 premios hasta el día de hoy), tengo muchas ganas de meterme en este nuevo proyecto del que, aún, no puedo contar nada. Además tengo en mente ponerme ya con mi primer largo y seguir trabajando de script en varios proyectos de largometrajes, cortometrajes y making of en publicidad.

 

 

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Sobre el autor Pedrortega
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