Diario Sur

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Alejandro Díaz Castaño: Ihesa
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Pedrortega | 24-03-2017 | 08:52| 0

Alejandro Díaz Castaño

Gijón, 1979. Lleva años viviendo en Donostia /San Sebastián. Ejerce el periodismo cinematográfico desde 2000 y actualmente escribe en las revistas Caimán.Cuadernos de Cine y Rockdelux. Además, ha sido responsable de programación de las cinco últimas ediciones del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Sinopsis

Cuando Maitane informa a su marido Iosu sobre una gotera procedente del piso de arriba, éste decide subir para plantear la cuestión a sus vecinos. Pero la visita deparará a Iosu sorpresas inesperadas.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Ihesa nace como fabulación a partir de una anécdota que me narró un amigo hace años, y que me pareció particularmente sugerente. Lo curioso y extraño es que ahora mi amigo dice que lo que me contó en su día no tiene absolutamente nada que ver con el planteamiento del corto, que por cierto le ha gustado mucho.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

La definiría como una minúscula tragedia cotidiana que tiene lugar en un vecindario cualquiera. 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Me interesaban varios aspectos concretos, como el hecho de mostrar la fragilidad con la que el azar puede hacer zozobrar nuestro mundo interior cuando menos nos lo esperamos. Algo de lo que nadie está a salvo, por muy aparentemente ordenada que sea su vida. También me gusta la idea de un personaje que tiene acceso casual a un mundo seductor para luego ser expulsado (o autoexpulsarse) del mismo. En ese sentido, la veo muy cerca de algunos relatos de escritores a los que admiro enormemente, como Chéjov o Maupassant.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Todos y cada uno de los integrantes del equipo, junto con algunos otros colaboradores externos, constituyeron un apoyo impagable, con su esfuerzo y generosidad. Pero la película no habría sido posible sin la confianza concreta de la productora donostiarra Señor & Señora, a través de la figura de Leire Apellaniz, que mostró una fe inquebrantable en el proyecto y consiguió materializarlo en las mejores condiciones posibles.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Uno de los principales retos fue la búsqueda de financiación, ya que la película requería la creación de una cierta atmósfera, y para ello quisimos colaborar con un equipo de profesionales de probada solvencia. Esto se consiguió, y pudimos contar, entre otros, con el director de fotografía de Loreak, Javier Agirre. También fue clave encontrar el espacio adecuado para el rodaje, y en ese sentido tuvimos mucha suerte.

 

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

La película pudo financiarse gracias a una ayuda del Gobierno Vasco, que permitió que todos los miembros del equipo pudiesen percibir una pequeña remuneración económica.

 

Preséntanos a los actores.

Dado que se trata de una historia con un planteamiento bastante cerrado a nivel de guion, me pareció buena idea no contar con actores profesionales para los distintos papeles, y preferí recurrir a amigos y conocidos en busca de algo parecido a los “modelos” utilizados por Robert Bresson en su cine. El objetivo era que estos “no-actores” aportasen frescura y hallazgos inesperados, como así fue. Por ejemplo, Koldo Soret y Usua de la Fuente, que interpretan a la pareja protagonista, en realidad son dos auténticas estrellas de rock, y juntos forman un dúo de música stoner llamado Niña Coyote eta Chico Tornado. Por su parte, Maria Elorza, Maider Fernández y Laura Flaño, que interpretan a las tres jóvenes que están en el piso de arriba, son amigas en la vida real, y las dos primeras son también unas más que prometedoras cineastas, que firman sus trabajos con el nombre colectivo “Las chicas de Pasaik”. Uno de sus cortos, Gure hormek, que es magnífico, también está presente en esta edición del Festival de Málaga.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Creo que el equipo técnico llevó a cabo un trabajo sobresaliente, y tuve el lujo de contar entre ellos a varios cineastas con mucha experiencia y una actitud sensacional, lo cual hizo que todo fuese más fácil. Realmente concibo el corto como una obra colectiva de la que todos ellos son partícipes. Además de los ya mencionados Leire Apellaniz y Javi Agirre, contamos con dos Ayudantes de Dirección, Zaira Zanguitu y Jorge Gil Munarriz, el Montador Aritz Moreno, la Jefa de Producción Itziar Otxoa, el Operador de Cámara David Suárez, la Sonidista Alazne Ameztoy, el Diseñador de Arte Kemen, o la diseñadora de Vestuario (y también actriz) Usua de la Fuente.

 

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Hubo algunas bastante divertidas, y muy buenos momentos de distensión humorística propiciados por el gran Iñaki Iñarra, quien interpreta a uno de los personajes. Pero explicar todos los detalles y el background para que puedan hacerle gracia al lector creo que sería demasiado largo, farragoso y posiblemente ineficaz.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Creo que hay dos claves: Por un lado el montaje que realizó el también cineasta Aritz Moreno (autor de piezas como Cólera o Bucle), quien supo dotar a las secuencias de la cadencia adecuada, tanto internamente como en lo tocante a la relación entre ellas. Por otro lado, la postproducción propiamente dicha, llevada a cabo por el estudio REC Grabaketa que dirige José Luis Rubio, quien se encargó personalmente de supervisar el sonido, las mezclas, los efectos, etc. Creo que hicieron un trabajo extraordinario.

 

Háblanos de la banda sonora.

Aunque las canciones de la banda sonora fueron elegidas de forma minuciosa, nuestra idea era incluir únicamente música diegética, que surge en la propia escena y que los personajes también escuchan. Tuvimos la suerte de que dos grupos que admiramos, Belako y Audience, cediesen generosamente sendas canciones para el corto, e incluimos una tercera de Niña Coyote y Chico Tornado, el grupo de Koldo Soret y Usua de la Fuente, canción que encajaba tan bien en la secuencia que parecía escrita ex profeso para ella. El propio Koldo Soret aportó música original inédita para otra de las secuencias.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Creo que el hecho de respetar en todo momento que, como espectadores, solo tengamos acceso a la información que percibe el personaje protagonista resulta fructífero, pues constituye una invitación para que el espectador complete los “huecos” del relato con su propia imaginación, una idea que siempre me ha atraído.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Creo que el corto consigue (o al menos lo consigue en mi caso) transmitir aquellas ideas y sensaciones que deseábamos generar, e incluso algunas otras inesperadas y que considero muy estimulantes.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Creo que lo ideal es ver las películas con las menores referencias previas posibles, así que diría que simplemente se dejasen llevar relajadamente por la narración.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Para nosotros es una inmensa alegría y un gran honor poder competir en la Sección Oficial del Festival, y constituye un premio para todo el equipo.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Si un creador tiene ideas bullendo en su interior, y la suficiente confianza en (o amor a) las mismas, estará dispuesto a asumir el esfuerzo para llevarlas a cabo.

 

¿Qué nos puedes contar sobre su distribución?

Tenemos la suerte de que la distribución de Ihesa la lleva a cabo Kimuak, a través de Txema Muñoz y Esther Cabero, lo cual nos ha abierto ya muchas puertas en festivales, además de ahorrarnos una ingente cantidad de trabajo de gestión.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

En nuestro país, al igual que fuera de él, hay grandes cineastas que, hasta la fecha, solamente han llevado a cabo películas de corta duración. Urge sin embargo una reforma del sistema de apoyos institucionales, tanto a nivel de financiación como de distribución, para que sus carreras no se vean cercenadas, en algunos casos de forma prematura, lo cual es una pérdida irreparable para el tejido creativo y cultural en el ámbito estatal.

 

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Alejandro Marín: Laborable
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Pedrortega | 22-03-2017 | 18:50| 0

Alejandro Marín

Málaga, 1993. En 2013 abandona la carrera de Arquitectura y marcha a Barcelona para comenzar sus estudios de cine en la ESCAC, donde actualmente cursa el cuarto y último año del Grado en Cine y Medios Audiovisuales, en la especialidad de Dirección. Después de dirigir algunas piezas audiovisuales como aficionado antes de entrar en la escuela, desarrolla y dirige diferentes cortometrajes como estudiante entre los que destacan Esto nos separa (2015), seleccionado en el programa CortoEspaña 2016 y finalista en el Festival de Cine de Santander.

Filmografía

Laborable (corto, 2016), Esto nos separa (corto, 2015)

Sinopsis

Miguel espera a su padre, pero éste no aparece. Andrea pierde el último tren que le iba a llevar a casa. Ambos coinciden en la estación y encuentran en el otro la compañía que necesitaban para esa noche en concreto.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

“Laborable” nace como un trabajo de la asignatura de Prácticas de tercer curso de la ESCAC (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña), en la que actualmente sigo estudiando el cuarto y último año. En tercero, la escuela nos proporcionaba material de rodaje aproximadamente una vez al mes y los alumnos nos organizábamos en equipos para ir desarrollando diferentes cortometrajes a lo largo del curso. Cuando me llegó el turno de dirigir, me acordé de ésta idea que llevaba rondándome por la cabeza un tiempo y me puse a escribirla.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Siempre me han interesado mucho este tipo de vínculos “efímeros” que se crean entre personas que casi se ven obligadas a compartir un momento de su vida por casualidad. Me gustaba la idea de mostrar la confianza que puede nacer entre dos desconocidos que en su día a día probablemente jamás se hubiesen parado a conocerse y como a veces es más fácil apoyarte o abrirte a una persona que no conoces de nada, antes que a alguien que conoces de toda la vida.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Aspiro a hacer el cine que más me interesa como espectador, pequeñas historias cotidianas en las que acompañamos a uno o dos personajes en un momento determinado, a primera vista anecdótico, pero que implica un ligero cambio en sus vidas. Teníamos algo más de un mes para desarrollar el cortometraje y vi que era una idea que además de interesarme, era factible de construir en poco tiempo y asequible para los medios con los que contábamos.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Para desarrollar el cortometraje fue esencial el trabajo previo con el profesor de la asignatura, Josecho de Linares, el apoyo y confianza del equipo de rodaje y el compartir previamente el guión con mis amigos, compañeros y familia, para recibir consejos y críticas que me ayudaran a seguir trabajándolo. A nivel económico, únicamente contamos con lo que aportamos los miembros del equipo y con la cesión del material de rodaje de la escuela.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El principal reto fue cumplir los plazos y levantar un proyecto con poco tiempo de antelación. La escuela nos asignaba un fin de semana para rodar y teníamos que tenerlo todo organizado para esos días. En poco más de un mes escribimos el guión, organizamos casting, localizamos…

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

Teniendo en cuenta que la escuela nos proporcionaba el material de rodaje (equipo de cámara, iluminación y sonido) y que al ser una práctica de la universidad nadie cobró por su trabajo, el presupuesto que teníamos era únicamente destinado a transporte y mantenimiento durante el rodaje, lo pusimos entre todos los miembros del equipo y no superó los 200 euros.

 

 

Preséntanos a los actores.

Arge (Toujours Argerich) es amigo mío desde hace unos años. Nos conocimos para el rodaje de un videoclip de su grupo de música, yo dirigía y él era el cantante. Arge prácticamente nunca había actuado, pero en segundo curso le pedí que apareciera en una práctica de la escuela y a partir de ahí acabó protagonizando mis dos últimos cortometrajes, de hecho el personaje de Miguel en “Laborable” lo escribí pensando en él directamente.

Para el personaje de Andrea sí hicimos casting, y es cuando conocí a Lili (Liliana Pérez). Arge vino a ayudar al casting para hacer las réplicas y me gustó mucho la química que se creó entre ellos.

Para el resto de personajes secundarios sí contacté directamente con los actores (Aniez, Francesc Vila, Alicia Verdés y Eduardo Suárez) tras haber visto alguno de sus trabajos y les pedí si querían colaborar en el proyecto.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Como explicaba al principio, el equipo de rodaje era el mismo que en el resto de cortometrajes que hicimos durante el curso. Además de ya ser amigos entre nosotros, habíamos rodado mucho todos juntos y la comunicación era muy fluida, por lo que fue muy fácil disfrutar el rodaje y pasárnoslo bien a la vez que trabajábamos.

El equipo está formado por Andreu Ortoll (director de fotografía), Alba Urgell (dirección artística y vestuario), Claudi Dosta (dirección de sonido), Bernat de Ferrer (montaje), Greta Díaz (producción), Carlos Villafaina (ayudante de dirección) y Gemma Bistrussu (maquillaje y peluquería). El sonido directo lo realizó Lluís Margarit junto a Oriol Milan y Alba Salmerón, y también contamos con la ayuda de Andrea Mezquida como ayudante de cámara, Daria Molteni en producción, Celia Giraldo en casting y Agustín Elizalde como script. Prácticamente todos somos alumnos de la ESCAC (excepto maquillaje y script), y tenemos entre 21 y 25 años.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Pues la principal anécdota quizás es que estuvimos a punto de cancelar el rodaje el día de antes, porque al taxista que teníamos apalabrado le salió un trabajo remunerado y nos dijo que no podría colaborar, y también había algún tipo de problema con los permisos de la estación de metro. Pero gracias a Greta y Carlos conseguimos reorganizar todo el plan de rodaje, darnos margen para conseguir solucionar esos problemas y llevarlo a cabo.

 

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Del montaje se encargó Bernat de Ferrer y hubo varias versiones previas a la definitiva, que a su vez íbamos mostrando en clase para corregirlas con el profesor y el resto de compañeros. Por otro lado, la postproducción de sonido y color se realizaron en las salas habilitadas en la escuela y fue un proceso bastante “express” porque teníamos que llegar a final de curso para que nos evaluaran el cortometraje como práctica.

Háblanos de la banda sonora.

La única canción incluida en el cortometraje es “Luz artificial” de Nacho Umbert. Soy muy dado a “obsesionarme” con canciones, escuchándolas una y otra vez hasta cansarme, y durante el proceso de escritura, fue una canción que tuve muy presente y quise incluirla al final como una especie de homenaje. Cuando terminamos el corto, nos pusimos en contacto con Nacho y su productora Fina Estampa, y nos dejaron incluirla de forma altruista, lo que vuelvo a agradecerles desde aquí.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Me cuesta mucho ver el cortometraje como “espectador” ya que me es inevitable no fijarme en las cosas que mejoraría o que me gustaría haber hecho de otra forma. Aunque lo estrenamos ahora, hace casi un año que lo rodamos y en este tiempo hemos aprendido muchas cosas que nos da rabia no haber aplicado en el corto. De todas formas, estamos contentísimos con el resultado, sabemos que nos queda mucho por aprender pero es un privilegio poder empezar a enseñar ante tanta gente las cosas que hacemos.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De lo que más satisfecho me siento es de la química y la naturalidad que se creó entre los actores, que sobretodo vino dada por la forma en la que trabajamos con ellos el guión. Yo escribí una escaleta de escenas sin diálogos y a partir de ahí empezamos a ensayar, improvisando las secuencias que había escrito. Ensayábamos en mi casa o caminando por la calle, y grabábamos cada una de las improvisaciones que hacíamos, que a su vez yo iba redirigiendo, para encontrar el tipo de escena que necesitaba en cada momento. Una vez ensayadas todas las escenas, transcribí los diálogos que ellos con sus propias palabras habían desarrollado, y ya hicimos un último ensayo con guión en mano.

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que no tenga expectativas de encontrarse con una trama muy compleja o rebuscada, sino que se deje llevar por los personajes y comparta con ellos el pequeño viaje que hacen juntos.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Es un privilegio estar en un festival tan importante dentro del panorama español e iberoamericano, se trata de nuestra primera selección con el cortometraje y además no estamos nada acostumbrados a ver en pantalla grande las prácticas que hacemos en la escuela. A esto se suma que yo soy de Málaga y me hace especial ilusión bajar a estrenar un trabajo aquí.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Supongo que es pronto para decir si me merece la pena o no, ya que de momento ni he terminado los estudios, pero de momento no puedo estar más contento de haberme decidido a cambiarme de carrera e intentar dedicarme a lo que realmente me gusta.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

La única experiencia que tenía de distribución había sido con el anterior cortometraje que hice en segundo, y que yo mismo envié a algunos festivales a través de plataformas online. Para éste quise probar suerte de forma más “profesional”, y al descubrir Jóvenes Realizadores, una distribuidora de Málaga, no dudé en contactar con ellos y accedieron encantados a distribuir el corto.

No sabíamos muy bien cómo iba a funcionar el cortometraje, pero de momento también nos lo han cogido en el Festival Itinerante CortoEspaña 2017. Esto implica que se proyectará durante un año por municipios de toda España y estamos muy ilusionados de que nuestro trabajo vaya a llegar a tanta gente.

 

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Dita Segura & Rakesh B. Narwani: Una noche en el Endeavour
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Pedrortega | 22-03-2017 | 19:06| 0

Dita Segura

Realizadora malagueña vinculada al mundo de las artes plásticas (Escuela de San Telmo-Málaga). Especializada en atrezo y dirección de Arte en proyectos de teatro, cortometrajes y videoclips. También ha realizado proyectos propios en guion y dirección en cortometrajes (Escuela de San Antonio de los Baños-Cuba: Narración Cinematográfica). Actualmente trabaja al frente de Dinamita Producciones.

Filmografía

Una noche en el Endeavour (corto, 2017), Hospital Cromático (corto, 2015)

Rakesh B. Narwani

(Ceuta, 1981). Es realizador audiovisual y guionista de origen indio. Completa sus estudios de Comunicación Audiovisual en Parma (Italia) y Nueva York. Realiza el máster de guion de ficción para cine y televisión de la Universidad Pontificia de Salamanca. Trabaja al frente de la productora Objetivo 50 Films con la que ha firmado una gran variedad de trabajos nacionales e internacionales. Su primer cortometraje Clóset obtuvo 50 secciones oficiales y una decena de premios, entre ellos la Biznaga de Plata al Premio del Público en la sección oficial del 17º Festival de Cine de Málaga.

Filmografía

Una noche en el Edeavour (corto, 2017), Hospital Cromático (corto, 2015), Clóset (corto, 2014), 15M, Málaga despierta (documental, 2013)

Sinopsis

Andrés sigue viviendo con su madre. A pesar de que tener una carrera, un máster y saber idiomas, no ha conseguido encontrar ningún trabajo que le permita independizarse. Su vida se desarrolla entre las series de ficción, cuidar de su abuela enferma de alzheimer y pasar las noches en vela, fumando y escuchando discos.

Objetivo 50 Films

Sus socios fundadores son Rakesh B. Narwani y Paula Villegas quienes producen y además desarrollan proyectos conjuntos como guionista/director y directora de arte respectivamente. Empresa productora de este cortometraje que es el segundo que realiza la directora malagueña Dita Segura, el anterior fue Hospital Cromático (2015) que resultó premiado con el Mención Especial del Jurado en el 18º Festival de Málaga. Cine Español. El equipo humano de la productora se ha volcado en este proyecto, Rakesh B. Narwani es codirector junto a Dita Segura, Paula Villegas es ayudante de arte, y Cristina Martínez es la ayudante de dirección. De la misma manera, casi la totalidad del material audiovisual utilizado para el rodaje está disponible en el catálogo de Objetivo 50.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Dita: Hace tiempo que me fascinan estos extraños animales llamados tardígrados. Los únicos capaces de sobrevivir en el espacio, al que fueron lanzado en el transbordador Endeavour (de ahí el nombre tan raro del corto). Este diminuto animal, que dicen que es uno de los más resistentes del planeta, logró sobrevivir a implacables vientos solares, al vacío cósmico y en esta ocasión incluso logró sobrevivir de una idea inicial a proyecto realizado que tiene forma de cortometraje. Con mi grupo de música “Sr.Camoni” ya le dedicamos anteriormente un tema:” El funky del tardígrado”, y desde entonces tenía la idea de llevarlo a la pantalla en forma de videoclip o cortometraje. El año pasado me decidí a lanzar a este bicho al espacio audiovisual y me embarqué, con mi copiloto Rakesh B. Narwani, a codirigir esta nave. 

Rakesh: Dita y yo ya habíamos trabajado en Hospital Cromático (2015) un corto que nos dio bastante alegrías. Yo recibí el proyecto de Una Noche en el Endeavour ya bastante avanzado, cuando ya había recibido la ayuda de creación del Festival de Málaga. Dita contactó conmigo para darme una gran noticia, teníamos un tutoría con Manuel Martín Cuenca que iba a revisar el guion y la verdad es que ese rato que pasamos con Manuel nos dio las claves para llevar la nave a buen puerto.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata? 

Trata sobre los letargos y sobre esa generación tardígrada que se enfrenta al vacío laboral del espacio, y que pasan las noches gravitando en el Endeavour.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta? 

Todos tenemos un amigo que está pasando por este proceso, gente que nos rodea que no tiene más motivación que la de pasar los días en el sofá, viendo series. Personas que tienen el principio de posibilidad anulado, que se pasan la vida en la procastinando y viven en una continua sala de espera.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla? 

Los amigos y la familia. Han sido muchos los que han colaborado como mecenas, y tendría que dar muchos nombres, pero en especial nos gustaría remarcar el apoyo de Daniel Diaz Santana (por su incansable trabajo en el proyecto) y de Marina Segura, que siempre nos adelanta el dinero de las ayudas, es nuestro particular I.C.O. La ayuda del Festival de Cine de Málaga también ha sido clave a la hora de contar con un equipo de mayor calidad.

 

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

La verdad es que he tenido bastante suerte con el equipo, con la productora y con el apoyo financiero. Todo esto ha servido para que se materializara el proyecto de una manera relativamente fácil, aunque uno de los retos principales era el de combinar, a nivel de arte, dos universos tan diferentes, el humano y tardígrado. Por otro lado el proceso de montaje ha sido muy complicado, le hemos dado mil vueltas, sobre todo a la hora de encontrar un lenguaje adecuado para poder plasmar la idea del corto.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película. 

Comenzamos con un crowfunding en Verkami (en plena cuesta de enero, ole por los mecenas!) y luego tuvimos la suerte de ser seleccionados para las ayudas a la creación del Festival de Cine de Málaga.

 

Preséntanos a los actores. 

Andrés Jiménez (nuestro protagonista) ha sido un gran descubrimiento, y no solo por su tamaño. Su presencia ha sido clave y ha servido de gran apoyo a todo el equipo. Es todo un profesional, además de un tío estupendo, está siempre con el típico humor negro de tardígrado del sur.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Rakesh: Para esta ocasión buscábamos un equipo reducido y de confianza. Ya habíamos trabajado con casi todos los miembros en diferentes ocasiones, así que el ambiente fue familiar.

Juae Martín repite como director de fotografía, y nos sentimos afortunados porque este ha sido uno de sus últimos rodaje, no por problemas de salud, aunque eso sea lo que transmite su rostro barbilampiño, sino porque va a dejar a un lado la dirección de fotografía (al menos un par de años) para dedicarle todas sus fuerzas a la empresa de animación y postproduccion Forgotten Fantasies (su empresa) y al coworking que ha montado junto a más animadores, Majestic Lemon.

Pablo Contreras en sonido, Biktor Kero en Vfx, en este último punto hay que destacar que la presencia de Biktor en el rodaje como supervisor de efectos, que agilizó en gran medida el trabajo de postproducción. El departamento de arte lo compone Dani Santana, Elisé Tandé, Paula Villegas y Dita Segura que una vez más consiguieron la atmósfera adecuada para la historia y en este caso era realmente complicado ya que había que ambientar una nave espacial. El maquillaje era también un departamento muy complicado porque necesitábamos maquillar a un tardígrado y claro, no se estaba quieto y en ese sentido de Lola Valdelomar (Eboom Producciones) consiguió domar al bicho, ella tiene experiencia con animales ya que tiene 14 perros en su casa, sí 14.

El departamento de fotografía lo completa Isra Fernández como ayudante de cámara, Dani Santana como operador de cámara de la segunda unidad y por último Nico Aguado como jefe de eléctricos y al que echaremos de menos ya que no puede asistir al estreno ya que está en Barcelona estudiando el máster de dirección de fotografía en la escuela de cine ESCAC. También, como en el caso de todos los cortos que hemos hecho, tenemos que agradecer el trabajo incansable de todos nuestros amigos en especial a Enrique Serrano, Javi Dolera (Cloaka), Larissa y Carlos.

 

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Lo más divertido fue ver a Andrés Jiménez interpretar a un tardígrado y a todas las personas que manejaban sus extremidades desde el interior del traje. Es más de una ocasión perdieron el equilibrio y cayeron al vacío cósmico.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Se ha llevado a cabo gracias a los efectos especiales (y tan especiales) de Biktor Kero, a los retoques de color de Juae Martín, a los efectos y mezclas de sonido de Pablo Contreras, los tres se han cargado de paciencia con nosotros (los directores) y han trabajo muy rápido y de manera coordinada para poder cumplir las fechas del Festival de Málaga.

 

Háblanos de la banda sonora.

Dita: Ernesto Aurigñac me escribió al principio del proyecto y me dijo que podíamos utilizar su música para el corto. Aunque siempre mola más tener una música original para cada proyecto, no todos los días se puede contar con una orquesta de la categoría del disco UNO, o un jazz espacial como el de ANNUNAKIS, la verdad!! así que le tomé la palabra a Ernesto (y todos los temas que pude). Tengo que decir que la música ha estado muy presente desde el principio y que ha influido mucho en la ambientación del corto y la caracterización del personaje. Ha sido un honor llevar tan buenos músicos en nuestra nave. 

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta? 

Pues personalmente nos cuesta responder a esta pregunta porque después de tantas horas de montaje uno pierde la perspectiva como espectador, y porque nunca consigo ver el corto terminado (cada vez que lo veo de nuevo le haría algún cambio). El director es el peor espectador ya que nunca tiene la suerte de ver el corto por primera vez. Lo que más me gusta tiene que ver con la ambientación y efectos especiales. También nos ha gustado mucho que a la gente que lo haya visto se le haya venido a la cabeza películas como Brazil de Terry Guillian que para nosotros era una referencia.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De no haber estrellado la nave. Todos han sobrevivido al viaje (aunque Biktor Kero por poco no lo cuenta, casi no llega al dead line).

 

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?  

Le diríamos que es el corto más increíble que ha visto nunca, que cambiará su vida y que si no lo comparte con al menos con 10 amigos más, tendrá siete años de mala suerte.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Que te seleccionen en un festival siempre implica reconocimiento a tu trabajo, y que te seleccionen en un festival como el de Málaga además te abre las puertas a otro festivales, y eso implica viajar y conocer a otros realizadores y sus obras, que el corto se proyecte más allá de tu ciudad, más reconocimiento…y así conseguir la máxima difusión del proyecto y promocionar el trabajo de todos los profesionales que han hecho posible este trabajo. Además, ver tu corto proyectado en un cine el lo máximo.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine? 

Hacer cine siempre conlleva un gran esfuerzo porque hay que coordinar a mucha gente en el trabajo y además se necesita bastante dinero para llevarlo a cabo y hacerlo bien. Pero bueno, sabíamos donde nos metíamos, sarna con gusto no pica. En el caso del cortometraje, ese esfuerzo no siempre se ve recompensado con la difusión ya que muchos pasan desapercibidos dando siempre más presencia a los largometrajes. El corto normalmente se hace por amor al arte y sin expectativas económicas y es donde se relatan historias con temas más atrevidos e interesantes según nuestra opinión.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución? 

Todavía no sabemos quien lo va distribuir pero si alguien conoce a los de Marvin & Wayne que nos lo presente y le invitamos a un wine.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España? 

Pues que está una vez más de enhorabuena porque ha vuelto a tener el máximo reconocimiento internacional por la candidatura de Time Code a los premios Oscars y que además tenemos la suerte de poder ver en el Festival de Málaga.

 

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Raúl Mancilla: Leica story
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Pedrortega | 20-03-2017 | 17:55| 0

Raúl Mancilla

Licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia por la ESAD de Málaga y Técnico Superior en Realización Audiovisual (IES Guadalpín, Marbella). Ha sido director, guionista, editor y productor de cortometrajes, documentales y obras de teatro, además de otros proyectos de encargo a través de la productora malagueña Avenate.

Filmografía

Leicastory (corto, 2016), The Silent Killer (corto, 2014), Formen Fila (corto, 2013), Sardinas (documental, 2012), Dominó (documental, 2010), Kid Betún (documental, 2006), Mendizabal (documental, 2004), Caperucita (corto, 2002)

Sinopsis

Robert, un corresponsal de guerra americano en mitad de una crisis existencial, llega a un pequeño pueblo andaluz poco después de la Guerra Civil española.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

“Leica Story” nace de un cruce de varias historias. Hace bastantes años me hablaron de unos hechos reales que sucedieron en un pequeño pueblo de la sierra de Málaga después de la Guerra Civil. Se trataba de una historia de amor no correspondida entre una chica y un militar que acabó en tragedia. Por otro lado, siempre me fascinó la figura del fotógrafo Robert Capa y buscaba la oportunidad de jugar con este personaje en alguno de mis guiones. Por último, añadí a este cóctel una leyenda popular de terror japonesa que conocía y le daba a la historia un barniz fantástico. Todas las piezas de este puzle empezaron a encajar y decidí escribir el guión.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Partimos de la premisa… ¿Qué hubiera sucedido si Robert Capa, después de la Guerra Civil, hubiera decidido quedarse como un alma en pena vagando por los pueblos de una oscura España de posguerra y no ir a la II Guerra Mundial como fotorreportero? Si eso hubiera pasado no existirían las fotografías del desembarco de Normandía, por ejemplo. El corto tiene muchas capas, pero finalmente utilizamos el género como Caballo de Troya para hablar sobre la necesidad de la memoria histórica.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Es una historia que a priori jamás pensé que podría sacar adelante. La tendencia de las producciones actuales, incluso en los largometrajes, es economizar en localizaciones y personajes. “Leica Story” es todo lo contrario. Y además le añadimos la época. Simplemente tener la posibilidad de enfrentarse a un reto así ya merecía la pena. Por otro lado, y desde un punto de vista más personal, soy un firme defensor la recuperación de la memoria histórica. Creo que juega un papel determinante para la reconciliación real de cualquier sociedad. Y, de alguna forma, “Leica Story” es mi manera de contribuir a esta necesidad de recordar.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

“Leica Story” estuvo muchos años en el cajón de las historias imposibles. Antonio Aguilar, mi socio en Avenate Producciones, y yo no poseíamos la logística ni la infraestructura necesaria para un proyecto de estas características. Entonces aparecieron en escena Sensi Nuevo y Macarena Astorga, de Caleidoscopio Films, a las que estaré eternamente agradecido. Si el proyecto existe es gracias a ellas. La labor que están haciendo desde Málaga como productora es sencillamente espectacular. Además, tuvimos la inmensa fortuna de que Manuel Valenzuela, de Séptimo de Caballería Producciones, se uniera como productor y que el Festival de Nuevo Cine Andaluz de Casares colaborara con el proyecto.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Principalmente los mayores retos que tuvimos fueron encontrar la financiación y diseñar todas las estrategias y logística de producción necesaria para cada departamento dadas las características del proyecto

 

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Recibimos una Ayuda a la Producción de Cortometrajes sobre Proyecto del ICAA y una Ayuda a la Creación del Festival de Cine de Málaga que no sirvió como base para arrancar el proyecto. A ello se sumó financiación privada por parte de las productoras Caleidoscopio Films, Avenate Producciones y Séptimo de Caballería Producciones, además de la colaboración del Festival de Nuevo Cine Andaluz de Casares.

 

Preséntanos a los actores.

Tenemos la enorme suerte de haber contado con un elenco de primer nivel artístico y humano. Ni en mis sueños podía imaginar formar un casting así. El protagonista es Mark Schardan, un actor norteamericano afincado en Barcelona que ha trabajado en grandes producciones como “Palmeras en la nieve”, “Caza al asesino”, “Summer Camp”, “Proyecto Lázaro”, “Maniac Tales”,… También contamos con la presencia del gran Pedro Casablanc. Nominado a los Goya a mejor actor por “B”, interprete de reconocido prestigio en cine, televisión, teatro,… Contamos además con dos grandes actrices nominadas al Goya como actriz revelación como son Isabel Ampudia y Mercedes León. El debut de la pequeña Michelle Valenzuela, que mostró un desparpajo digno de una actriz veterana y a la que auguro un brillante futuro. También aparecen Helena Kaittani y Antonio Navarro, dos jóvenes actores con una proyección y talento enorme que se van a comer el mundo. Y en un pequeño papel, que hizo como favor personal, aparece el gran Manuel Salas, actor fetiche que aparece en todos mis proyectos audiovisuales y teatrales desde hace años. Todos ellos me han reafirmado algo que ya sabía… lo humilde y generosos que son los grandes actores.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Quizás de lo que me pueda sentir más orgulloso y afortunado es da haber podido trabajar con un equipo de una profesionalidad y talento tan descomunal. Cuando uno se va a la guerra se quiere llevar a los mejores soldados. Y eso fue lo que hicimos. Crear un auténtico equipazo. Desde el equipo de dirección con Antonio Aguilar y Adriana Ruz que fueron un apoyo vital para mi, pasando por Alberto D. Centeno, al que considero uno de los mejores directores de fotografía de este país, Sensi Nuevo en la dirección de producción, Corinne Rubio en la dirección de arte, Joaquín Pachón con el sonido, Mariana Razzetti en el vestuario, María José Ortíz en maquillaje, Diego Montiel en peluquería, … me dejo muchos nombres ya que fuimos un equipo de más de treinta personas pero todos hicieron crecer el proyecto con su trabajo. Personalmente me siento un privilegiado de haber contado con cada uno miembro de este equipo y vivir esta experiencia junto a ellos.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Hay mil anécdotas. No sabría con cual quedarme. Quizás como conclusión me quedo con la frase de Hitchcock que decía que nunca trabajes con animales ni con niños. Mr. Hitchcock tenía más razón que un santo. Jajajaja.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La postproducción ha sido una de las fases más complejas y largas de todo el proceso. Se ha realizado a caballo entre Málaga, Marbella, Sevilla y Madrid con las dificultad que ello conlleva. La pieza clave fue el trabajo en equipo y la coordinación de todos los profesionales que participaron, entre los que se encuentras gente con tanto talento y experiencia como el montador José Manuel Jiménez (Guernika, Maus,…), el mezclador de sonido José A. Manovel (La Isla Mínima, El hombre de la mil caras,…) e Israel Millán (Grupo 7, La Isla Mínima,…). Todos son primeras espadas a nivel nacional. Ha sido un sueño poder trabajar con ellos.

 

 

Háblanos de la banda sonora.

La banda sonora es obra de Jesús Calderón. Es la cuarta vez que trabajamos juntos y siempre es un privilegio poder contar con su enorme talento. Ha sabido captar perfectamente la esencia de la historia y estoy perdidamente enamorado de la banda sonora que ha compuesto.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Quizás suena mal que yo lo diga, pero tengo la sensación de estar viendo cine en mayúsculas, no sé si me explico. A veces creo que estoy viendo el comienzo de un largometraje.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Haber tenido la oportunidad de dirigir a un equipo de profesionales increíbles y ver que se sienten orgullosos del trabajo que hemos realizado.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que después de casi 19 minutos de cine se va a quedar con ganas de más.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Es un auténtico lujo y un orgullo que el esfuerzo y el trabajo de todo el equipo, que es mayoritariamente malagueño, pueda verse en este festival. Para eso hacemos historias, para que sean vistas.

 

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Cada vez que finalizo un proyecto digo que va a ser el último por todos los problemas, irritaciones y esfuerzos que conlleva… pero al final, nada más terminar, ya estás pensando en el siguiente. Si no nos gustaran estos problemas nos dedicaríamos a otra cosa. Creo que hay un punto sadomasoquista en este oficio. Hay una extraña y delgada línea entre el dolor y el placer que supone adentrarse en cualquier proceso creativo.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Después del estreno del corto en el Festival de Nuevo Cine Andaluz de Casares empezamos a distribuirlo hace casi tres meses y por ahora las sensaciones son muy positivas. Hemos estados nominados a los Premios Asecan 2017 como Mejor Cortometraje de ficción Andaluz, somos finalistas en los Blogos de Oro 2017, hemos ganado el Premio del Publico y el Premio RTVA del Festival de Cortos y Terror Fantástico La Vieja Encina, y estamos seleccionados en varios festivales más. Ojalá tenga un largo recorrido y se pueda ver en muchos sitios.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Seguimos con las carencias de siempre. Los cortos salen adelante gracias al esfuerzo de muchos profesionales que no cobran nada y eso debería ser algo excepcional, no lo habitual.

 

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Juanma Liceras: Oveja negra
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Pedrortega | 15-03-2017 | 18:33| 0

 

Juanma Liceras

Músico además de director y guionista. Ha trabajado como compositor y arreglista en diversos estudios de grabación de Andalucía. Ha sido además realizador de anuncios, videoclips y cortometrajes, y ha sido creador de contenidos para programas de televisión en diversos canales. El corto Oveja negra es su último trabajo como director.

Filmografía

Oveja negra (corto, 2016), Sentidos (corto, 2013), Of Being (corto, 2011)

Sinopsis

Walter Houston y Juan Richardson son dos predicadores de la Iglesia del Perdón Absoluto. Su misión les lleva a conocer a Clotilde, una señora muy especial.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Desde hace unos años he trabajado en distintos proyectos con Paca Cubero y Norberto Rizzo (Spectador Producciones), y en los ratos libres siempre barajábamos la posibilidad de hacer algo más personal. Norberto y yo empezamos a trabajar sobre varias ideas que teníamos y de ahí salió Oveja Negra.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Oveja Negra da una perspectiva tragicómica sobre dos temas prácticamente desahuciados: las personas que se ganan la vida tocando de puerta en puerta y por otra parte, la enfermedad mental, que se está convirtiendo en la plaga del siglo XXI.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Hace tiempo leí un cuento de Gabriel García Márquez que se llama “Solo vine a hablar por teléfono”. Me impresionó mucho ver como las circunstancias personales de cada uno pueden llevarte a padecer una enfermedad mental. Siempre me ha llamado la atención todo lo referente a la psicología social, y cruzar este asunto con la monótona vida de dos predicadores me pareció una coincidencia tan absurda como maravillosa.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

La financiación ha sido 100% privada. Norberto, Paca y yo hemos afrontando todo los gastos de la producción, y Paulino Cuevas (Euromedia Films) nos ha ayudado bastante con algunos proveedores.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Oveja Negra se rodó en Abril de 2016, año difícil para mi a nivel personal, por lo que la postproducción del proyecto se ha dilatado en el tiempo y sinceramente, no he podido estar a la altura de las circunstancias. Pero bueno, en el fondo los cortometrajes son una gran pista de entrenamiento en la que aprendes a apreciar los errores como una oportunidad de hacerlo mejor en el futuro. Como dice un amigo mío: “unas veces se gana y otras se aprende”.

 

 

Preséntanos a los actores.

Juanma Lara, la vis cómica en estado puro. Creo que poco puedo decir yo sobre Juanma que los lectores no sepan ya. Tan carismático con buen profesional.

Concha Galán, soberbia actriz y mejor persona, que ha dado vida a la perfección a Clotilde, un personaje un tanto histriónico y bipolar.

Carlos Bahos, actor y amigo, con el que nunca me cansaré de trabajar. Carlos ha hecho un viaje alucinante junto a su personaje, que le ha llevado a interpretar los sentimientos más opuestos y extremos que puede afrontar una persona.

Ana y María Villalón, son dos jovencitas con una gran formación y un futuro prometedor. Sus padres, Alberto y Patricia, han apostado por fomentar las habilidades artísticas de sus hijas y las están educando bajo la filosofía del esfuerzo y el trabajo constante. Para quitarse el sombrero.

Además de este gran reparto, gracias a la productora hemos podido trabajar con actores de carrera consolidada, como Belén Rueda, Antonio de la Torre, Thais Blume, Enrique Arce y la directora Ines Paris, que se han prestado a trabajar con nosotros aportando cada uno su pequeño guiño a la historia.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

En el aspecto técnico hemos tenido la suerte de contar con grandes profesionales, entre ellos Antonio Belón, director de fotografía, que ha sabido captar la esencia de la historia pintando con su luz los distintos escenarios y personajes de la misma.

La verdad es que si de algo podemos presumir es del equipo que tenemos, donde la mayoría son reincidentes desde hace años y las nuevas incorporaciones son tan buenas que espero que sigan con nosotros en las próximas aventuras.

 

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La postproducción de audio ha sido obra de David Martín, que ha hecho un trabajo espeluznante. Ya habíamos trabajado juntos en otros proyectos y fue mi primera opción desde el comienzo. La postproducción de video la he hecho yo mismo (etalonaje, VFX, créditos, etc). Siempre que el proyecto lo permite, me gusta hacer la postproducción de video.

 

Háblanos de la banda sonora.

Impresionante. Obra de Jesús Calderón. Jesús es una de esas personas a las que sigues, admiras su trabajo, y piensas… “Ojalá algún día este tipo pueda hacer música en un proyecto mío”. Bueno, pues así fue. El trabajo de este señor es de otro planeta. Si me deja volveré a contar con él sin dudarlo.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Me gusta la pareja que hacen Juanma Lara y Carlos Bahos. En otro proyecto tuve la suerte de trabajar con ambos, y pude ver que había mucha chispa entre ellos. Ahora, cuando los veo en pantalla, pienso que fue un acierto crear ese extraño binomio.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Sobre todo del equipo. Me gusta trabajar siempre con el mismo equipo, gente de mi confianza con los que ya tengo claro que todo fluye de la mejor forma. Siempre tenemos nuevas incorporaciones, que por regla general se quedan como parte del equipo para siguientes trabajos. Al fin y al cabo los proyectos empiezan y acaban, pero me gusta que el equipo que los hace posible permanezca.

 

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Pues que si viene a ver “Oveja Negra”, en 6 minutos vamos a intentar sacarle al menos un par de sonrisas, algún que otro sobresalto y puede que hasta lo dejemos pensativo…

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Siempre es gratificante que te apoyen en tu tierra, y más aun teniendo en cuenta que el Festival de Málaga se ha convertido en un referente nacional e internacional. Con el hecho de ser seleccionados nos damos por satisfechos.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Depende del día que me lo preguntes :-) Ciertamente es duro, sobre todo el rodaje en sí. Te enfrentas a jornadas interminables de 12 a 14 horas de rodaje, a problemas que surgen de la nada, etc. Pero hacer cine es algo que no puedo dejar de hacer, así que al final siempre merece la pena, incluso cuando el resultado final no es como tu esperabas.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Pues hemos empezado la distribución hace un mes escaso. Teníamos claro que el Festival de Málaga era nuestro deadline para terminar la postproducción, y sería el primer festival en el que inscribiríamos la pieza. Posteriormente lo hemos presentado a otros 40 festivales más, en los que por ahora llevamos 3 selecciones y un premio: “Best Web Movie” en el “World Wide Virtual Film Festival” de Los Ángeles.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Creo que en España tenemos una cantera impresionante, pero es una pena ver que no hay industria del cine. La gente que tiene talento termina mudándose a Los Ángeles, como Paco Cabezas y muchos otros, para poder realizar una carrera profesional decente. Hacer cine en España de manera profesional es casi un espejismo.

 

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Javier Gámez: Únete a la resiliencia
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Pedrortega | 15-03-2017 | 18:29| 0

 

Javier Gámez

Nació en Barcelona en 1974. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Granada y Arte y Diseño en el Cleveland College (Inglaterra). Ha realizado diferentes pilotos de series y cortos de animación.

Filmografía

Únete a la resiliencia (corto de animación, 2016), Worlds for Lucy (2008), Memories from the Future (2007)

Sinopsis

En un mundo donde los espíritus de la corrupción controlan la Sociedad, una joven pelea por salvar su hogar. Tras su lucha rápida y desesperada, descubrirá que no todo es lo que parece.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

De un sueño imposible. Tengo la sensación de que la animación tradicional está muriendo en el mundo del cine. ¡Los estudios no hacen pelis 2D! Y creo que será imposible de recuperar, tal y como existe la técnica hoy día.

Así que mi intención fue ¡reinventar la animación tradicional! Para que los grandes estudios no les cueste volver a usarla. La animación 2D3 tiene todas las ventajas del 3D y el arte del 2D.

Para que os hagáis una idea, cada personaje del corto fue animado ¡con 1 solo dibujo! Mientras que en Animación tradicional, hay que dibujar miles de veces al personaje para que se mueva.

El corto fue una prueba para demostrar lo efectiva que es la técnica. Podéis ver un pequeño vídeo donde lo explico en:

 

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Es la historia de nuestra ‘humanidad’, sobre cómo hemos dejado que la Sociedad ‘pierda’ sus valores básicos. Y el daño que eso nos hace.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Como he dicho, empezó como un test de animación, pero la historia creció y me enamoró hasta convertirse en una parte importante de mi Vida durante 3 años.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Mi chica ha sido mi mayor apoyo, en todos los sentidos. Todo el Amor que he volcado en el corto viene de ella y es para ella.

 

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Inventar una nueva técnica de animación ha sido, con mucho, lo más difícil. A todos los retos de narrar, diseñar, animar, montar y editar la historia… tenía que sumar la barrera casi imposible de crear nuevos caminos en el Mundo de la Animación. Resolver nuevos problemas técnicos, que nadie había tenido antes, y allanar el camino para todos los que quieran usar la técnica.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Ha sido muy sencilla. Lo he hecho todo yo, así que no había que pagar nada, salvo la música, que la compré por internet.

Por fortuna, soy escritor, ilustrador, animador y editor 3D desde hace muchos años. Así que he podido dar rienda suelta a cada uno de esos aspectos. He intentado innovar y divertirme en cada etapa de su creación. ¡Ha sido genial!

Pero la verdad es que he estado un poco solo. No he podido contar con nadie, ya que nadie saber usar la animación 2D3.

 

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Reconozco que, aunque duro, ha sido mágico. 3 años de creación pura. Un artista no puede pedir más.

Lo más duro fue empezar la historia desde cero cuando llevaba un año de producción. Tenía una historia mucho más cómica sobre una chica que intentaba empezar en el Mundo de la Animación. Pero tras un año, con toda la PreProducción hecha, se me ocurrió la historia final y, me enamoró de tal manera, que decidí volver a empezarlo todo desde cero. Y no me arrepiento.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la PostProducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Tal y como yo trabajo, apenas existe PostProducción. En Animación se trabaja mucho la historia desde el principio en el ‘Motion Layout’ y, al final, casi lo único que haces es sustituir los planos hechos con bocetos por los planos finales.

 

Háblanos de la banda sonora.

Encontré el trabajo de Leonard Handler por casualidad. Quería el ‘Invierno de Vivaldi’ y encontré su versión en Internet. Me gustó y la compré. Reajusté todo el montaje para que coincidieran los ‘golpes visuales’ con el tempo de la música y creo que ha quedado muy bien.

 

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta? 

El apartado estético. Soy dibujante y adoro la acuarela. Una de las ventajas de la nueva Animación 2D3 es que puedes animar con cualquier técnica pictórica (óleo, acuarela, acrílico, carboncillo, carboncillo, digital…). Escogí el acabado en acuarela porque es la más difícil y se me da genial.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Del resultado final. De que todo haya salido como lo tenía en la cabeza… hace 5 años. Cuando se me ocurrió la idea.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que se deje sorprender. En 3 minutos, viajará de la belleza a la desolación, del horror a la ilusión, de lo predecible a la sorpresa. Y que al final, ¡se una a la Resiliencia!

 

 

¿Qué supone para ti la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Un subidón. Llevo muchos años viviendo en Málaga y, que te valoren en tu propia ciudad, es fantástico. Hacía años que no me presentaba y, a pesar de los éxitos internacionales, el Festival de Málaga de Cine Español siempre es especial para mí.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Siempre. Cuando llevas dentro la creación de historias, nunca te planteas si ‘debes’ hacerlo. Es una necesidad. Es como plantearte si debes respirar. No tiene ningún sentido.

 

¿Qué nos puedes contar sobre su distribución?

La estoy haciendo yo, a través de plataformas online.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Creo que hay muchísimo movimiento. La Animación, que es la parte que yo controlo, está en pleno florecimiento. Tanto en nuevos cortos, como a nivel laboral, como en centros de enseñanza. Que por cierto tenemos en Málaga una de las escuelas más prestigiosas del Mundo de la Animación (Animum) donde, por cierto, trabajo.

Así que es un buen momento para el cortometraje de animación español.

 

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Pablo L. de Aramburu: Traveling Man
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Pedrortega | 15-03-2017 | 18:26| 0

Pablo L. de Aramburu

Nacido en Cádiz en 1981. Arquitecto y Profesor de la Escuela de Arte de San Telmo. Cuenta con una amplia formación y experiencia como guionista de monólogos y teatro. Ha estudiado en la ECAM y ha estado becado por la Fundación SGAE para el curso de Guion Cinematográfico. Cuenta en su haber con varios premios por sus monólogos. Ha escrito y dirigido la obra de teatro De profesión: a se ¿sí o no?, que ha recibido diferentes premios a la Dirección, Actriz Principal y Guion Original en el Certamen de Teatro Aficionado de Herrera. 

Sinopsis

Louis huye de la relación con Amber en busca de su nueva presa de Tinder, Jennifer. Esta vez solo podrá llegar hasta ella en Uber con Peter al volante, aunque no son sus únicas intenciones en ese viaje que cambiará el destino de ambos para siempre.

 

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Sin desvelar mucho, trata de las dobles intenciones. Dos personajes en los que cada uno oculta algo que el espectador irá descubriendo poco a poco.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Es el segundo proyecto que escribo y tras la experiencia del primero, quería volver a dirigir a pesar de lo que eso conlleva. Mi intención es adquirir experiencia para algún día dar el salto al largo.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

En primer lugar, el festival de Málaga que nos concedió el premio de ayudas a la producción. Gracias al cual pudimos apostar por esta historia. Antes de intentar hacer cine no sabía lo carísimo que era esto, la de gente con la que tienes que hablar, convencer…

Y en segundo lugar un pedazo de equipo técnico, ahora nuestra familia de rodajes(Bienve, Michael y Luisa) que repiten en este proyecto y en cuanto supieron de la historia, como y donde la queríamos rodar (en Dallas) se embarcaron en esta aventura.

Por último Loles. Mi chica. Actriz, productora, ayudante de dirección, ocalización y mil cosas más. A la que le debo mucho por lo que vale y lo que me aguanta.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El principal reto fue el cambio de localizaciones, por razones de trabajo nos vinimos a vivir a Estados Unidos y teníamos que tradicir la historia de español a inglés, así como cambiar y adaptar cosas para que aquí tuvieran sentido. Una vez hecho eso, buscar actores, localizaciones, gente…y todo eso en un mercado que desconocíamos. El vértigo era el doble.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

La fórmula es autofinanciaciòn. Loles y yo hemos adelantado el dinero para realizar el proyecto. Además de eso, muchas personas del equipo técnico y artístico han aportado su trabajo como coproductores. Debemos mucho a mucha gente. Sin amigos y gente dispuesta a echar una mano hubiera sido muy complicado que saliera el proyecto adelante.

 

Preséntanos a los actores.

Contamos con 5 actores en el proyecto.

Los actores protagonistas son Abel Becerra y Chris Marquez son profesionales increíbles. Con apenas unas directrices interpretaron y propusieron actitudes para ir construyendo sus personajes. Ambos han hecho bastante cine en América.

Amber williams tiene un enorme potencial para el drama. Gracias a ella empezamos a armar el equipo artístico. Una chica genial que va a dar que hablar.

Marisol Vera. Capaz de pasar de 0 a 100 en una escena en cuestión de segundos.

Grayson Berry. Un tipo encantador. Adoro cambios en su personaje para hacer más real la situación. Su mirada y gestos dicen mucho.

Loles Priego, tras una larga experiencia en teatro y algunos proyectos de cine hace una realista intervención, imprescindible en la historia. Siempre bromeo de que cuando sea famosa se acuerde de mi…además de eso una todoterreno en producción sacando adelante conmigo A prueba y ahora Traveling man.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Noemy, encargada de vestuario y arte. Hasta el ultimo detalle.

Alejandro Acero, sonido directo. Muy profesional y relajando tensiones con sus bromas.

Luisa, además de maquillaje y peluquería, puede hacer producción , sonido, reguladora de Ph, una todoterreno increíble.

Bienve, el maestro de la luz, encuadrando la mejor foto en cada escenario y guiándome en los momentos mas perdidos del rodaje.

Michael, ayudante de foto, es la profesionalidad y la paz en el rodaje, mi personal trainer en la foto.

Jony, mezclando sonido, uno de los grandes descubrimientos en Dallas con el que seguimos en contacto para próxima proyectos.

Y Loles, la que me aguanta, corrige, asegura, localiza, produce, actúa… imprescindible para mi. Una todoterreno a la que no se le borra la sonrisa.

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Pues el rodaje ha sido una contrarreloj, hemos tenido que rodar en 3 días y medio, 6 localizaciones, interiores, exteriores, 6 actores, todo en otro idioma… no ha sido fácil.

Anécdotas varias, entre otras…

En la escena de Grayson vestido de policía la gente subía las ventanillas de los coches y se quedaban flipados al ver la pistola y el uniforme, hasta el punto de que la gente le hacia preguntas sobre tráfico, incluso saludó a un coche de policía que pasó… menos mal que no pararon.

En otra escena tuvimos que cambiar de localización sobre el momento porque una señora del vecindario no estaba por la labor de que rodaramos en frente de su casa ni dos planos.

El primer día de rodaje hice tortillas de patatas para todo el equipo, por un momento nos sentimos como en casa. Cautivamos a los americanos por el paladar.

 

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

César Herradura ha sido la clave. Lo conocí gracias a Bienve Valdivia y ha sabido entender la historia, cortarla para que entre por debajo de los 15 minutos que era uno de los objetivos, eso ayuda luego mucho para poder moverlo en festivales, al menos esa ha sido nuestra experiencia con el anterior.

Johny en la mezcla de sonido y Javi en los efectos han sido imprescindibles. Son muchos engranajes para cuadrar todo el proyecto.

 

Háblanos de la banda sonora.

Pues hemos vuelto a trabajar con Pablo Cervantes. Terminamos muy contentos trabajando juntos en el primer trabajo y hemos vuelto a confirmar la música para que aporte a la historia su granito de arena.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Me gustan las historias en las que puedes definir un tema claro cuando termina la película, está historia quiere tratar el tema de x. Sea el que sea. Y además que pueda sorprenderme hasta el final. Creo que son dos cosas que busco como escritor y espectador y aquí lo tenemos.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De sacar adelante el segundo proyecto. De tener planos de Dallas muy atractivos. De sacar miradas o gestos de actores que aportan mucho a la historia. De mis tortillas… y de liar en este embolado a unos cuantos de nuevo entre otras muchas cosas

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que es una historia que podría pasarle a cualquiera y que le va a sorprender en este viaje. Cuando termine no le dejará indiferente.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Un impulso. Una primera selección de, esperemos, una larga lista. Un doblete. Un estreno en la ciudad donde he empezado tantas cosas, entre otras el guión y el cine.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Pues no lo sé. Hay días que pienso que sería más feliz tomándome una cerveza y sin tantos pájaros en la cabeza y que viendo el jaleo que es, sobre todo en rodaje, y lo nervioso que me pongo hasta que todo ha terminado no merece la pena. A los dos días de eso ya estoy pensando en que otra historia me gustaría contar, sin dejar de pensar que algún día pueda hacer frente a un largo.

 

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Pues por ahora lo vamos a distribuir nosotros hasta que alguna distribuidora se interese. Sino, dado nuestro presupuesto, es lo que nos toca.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Pues lo que veo es que se hacen muy muy buenos cortometrajes y muchos. La pena es que no haya más apoyo como en otros países para la protección y difusión de Ltd proyectos fuera de festivales, hay sitios donde puedes ir a ver una peli y antes ves un corto en vez de anuncios o además de. Sería una manera de mostrar los buenos trabajos que hay.

 

 

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Macarena Astorga: Marta no viene a cenar
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Pedrortega | 15-03-2017 | 18:20| 0

Macarena Astorga

Nació en Madrid. Es Licenciada en Comunicación Audiovisual y en Ciencias de la Educación por la Universidad de Málaga. Desde 2004 es profesora de Imagen y Sonido en el IES Guadalpín de Marbella, donde imparte clase en el Ciclo Superior de Realización de Audiovisuales. Tras la realización de diversos proyectos audiovisuales, se inicia en la ficción con el corto de ficción Tránsito, consiguió selecciones y premios en diferentes festivales internacionales, entre ellos la Biznaga de Plata a Mejor Cortometraje en el Festival de Málaga. Cine Español y una candidatura a los Premios ASECAN. Se encuentra preparando su primer largo. 

Filmografía

Marta no viene a cenar (corto, 2017), Tránsito (corto, 2013), Los ojos de Brahim (documental, 2011).

Sinopsis

Verónica y Lucía se conocen desde la infancia, esta noche han quedado para cenar. Durante la cena se confiesan íntimos secretos, pero a veces la sinceridad puede ser un juego demasiado peligroso que no siempre acaba bien.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Marta no viene a cenar es un regalo inesperado que me hace el guionista malagueño Salva Martos en forma de guion. Leí el guion y me enamoré inmediatamente de él, a partir de ahí, comenzamos a trabajar para hacerlo realidad.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Marta no viene a cenar cuenta la historia de Lucía y Verónica, dos amigas que quedan para cenar. El catalizador de la historia es otra amiga que no asiste a la cena, Marta, y cuya ausencia servirá para sacar a la luz temas de los que nunca habían hablado.

El cortometraje habla del amor, de las inseguridades, de la hipocresía, de la amistad, de las relaciones sociales. Tiene muchos ingredientes que el espectador va a reconocer rápidamente conforme avanza la trama.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Me apetecía mucho volver a ponerme detrás de la cámara a dirigir después de mi anterior trabajo, el cortometraje Tránsito, con el que conseguimos una Preselección a los Premios Goya. Había hecho trabajos de ayudante de dirección y de dirección de actores en proyectos de amigos y tenía ya muchísimas ganas de volver a dirigir. Leí el guion y sentí que era el momento de volver.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El cortometraje recibió ayudas a la creación audiovisual malagueña en el Festival de Cine de Málaga de 2016 y también ha recibido una ayuda del ICAA. Aquí tengo que agradecer el trabajo de Sensi Nuevo, al frente de la productora malagueña Caleidoscopio Films porque también creyó en el proyecto, se implicó en él y ha sido la principal responsable de presentar los proyectos para conseguir estas ayudas.

 

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Quería rodar con Natalia de Molina y con Celia de Molina, en cuanto les hablé del proyecto me dieron el sí. Me dio mucha alegría y satisfacción y, al mismo tiempo, mucha responsabilidad de dirigirlas. Son maravillosas y hacen un inmenso trabajo en el cortometraje.

 

Preséntanos a las actices

Bueno, Natalia de Molina creo que no necesita mucha presentación, tiene dos Premios Goya por las películas Vivir es fácil con los ojos cerrados y Techo y comida. Para mí es una de las mejores actrices que tenemos en España, ha sido una aventura maravillosa trabajar con ella.

Celia de Molina es otra actriz a tener muy en cuenta, tiene todos los ingredientes que buscaba para el personaje que interpreta en el cortometraje. Las dos están impresionantes en este trabajo y, además, se une la complicidad que tienen entre ellas, lo que engrandece doblemente el duelo que mantienen durante todo el metraje.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

He tenido la suerte de contar con un equipo técnico de verdadero lujo, con la mayoría de ellos no era la primera vez que trabajaba. Adriana Ruz, mi ayudante de dirección, que me ha apoyado desde el principio y ha sido mi mano derecha durante el rodaje, Alberto Centeno, que firma una fotografía exquisita, Sensi Nuevo en la dirección de Producción, Corinne Rubio en la dirección de arte, Joaquín Pachón con el sonido… pesos pesados en cada uno de sus cargos, lo mejorcito como profesionales y ya ni te cuento como personas.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Ha sido una fase que he disfrutado especialmente. Trabajar con el montador José Manuel Jiménez (Guernika, Seis puntos sobre Emma, Secuestrados…) fue una experiencia que nunca olvidaré. Creo que es muy importante que haya feeling entre la directora y el editor, en este caso, fue todo muy fluido y coincidíamos en todo la mayoría de las veces. Todas sus recomendaciones fueron un acierto y aprendí mucho de él.

En la posproducción he trabajo con otro genio, David Triviño de Modular. Ya había coincidido con él también en otros trabajos, pero este ha sido un reto para todos pues conllevaba una animación como intro con muchos cambios y un diseño muy estudiado y estoy muy contenta con el resultado.

 

 

Háblanos de la banda sonora.

El cortometraje cuenta con banda sonora original compuesta por otro crack, el compositor malagueño Pablo Trujillo, con el que ya había tenido el inmenso placer de trabajar en mi anterior trabajo. Con Pablo me entiendo a la perfección y ha sabido captar muy bien mis intenciones respecto a la música.

También he tenido la suerte de contar con la colaboración del grupo malagueño Dry Martina, que le pone la guinda al cortometraje con su tema “Malahierba”.

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Soy una espectadora bastante exigente y con mis trabajos, mucho más. Sufro mucho viéndolos, pero estoy muy contenta con el resultado final y con la mezcla de géneros con los que juega este cortometraje, además por supuesto, del trabajo que hacen Natalia y Celia.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como directora?

Me sentiré satisfecha cuando el trabajo guste a mi equipo y a la gente que lo va a ver.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Le diría que va a pasar 16 minutos maravillosos viendo puro cine y sintiendo muchas emociones diferentes.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Marta no viene a cenar está fuera de concurso porque obtuvo ayudas a la creación audiovisual el año pasado, pero es un orgullo poder mostrar nuestro trabajo en nuestra tierra y en un contexto tan importante como es el Festival de Cine.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Merece la pena si amas tu profesión, para mí siempre merecerá la pena porque es verdad que hay muchos sinsabores, mucho momentos malos, pero se olvidan y se contrarestan con momentos que no cambiaría por nada.

 

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Prácticamente empezamos ahora, el corto no podía haber comenzado mejor, ya que ha sido seleccionado en la 30 Semana de Cine de Medina del Campo entre más de 3000 trabajos presentados. Estrenar en uno de los festivales de cortometrajes con más prestigio del país en un orgullo.

Esperemos que la distribución vaya bien y que el trabajo se pueda ver en mucho sitios.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Me da pena que mucha gente del sector no se dé cuenta de que el cortometraje también es cine. Creo que hay que estar muy ciego para no ver el maravilloso momento por el que pasa el corto en España. Necesitamos más visibilidad y una ley que obligue a poner cortometrajes en los cines, necesitamos más apoyos de las televisiones… a pesar de todo ello, el corto en España pasa por un extraordinario estado de forma. Y sí, los cortometrajistas también hacemos cine.

 

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Daniel Natoli: Qué suerte
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Pedrortega | 15-03-2017 | 18:18| 0

 

Daniel Natoli

Nació en Málaga en 1987. Licenciado en Arquitectura por la Universidad de Málaga. Su producción como cineasta se centra en el ámbito del documental.

Sinopsis

Tras la asfixia generacional provocada por la crisis, una pareja de jóvenes arquitectos españoles decide emigrar a Helsinki (Finlandia) buscando un lugar en el que poder prosperar. Con el paso del tiempo, descubren que la imagen idealizada que tenían de la capital nórdica no es tan perfecta como creían, que cada país tiene sus propios anhelos, y que toda receta posee sus contra indicaciones, aunque vengan escritas en letra pequeña.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

“Qué suerte” es un diario filmado, y como tal, nace de la necesidad de documentar una experiencia personal y de expresar esos sentimientos a través de lo audiovisual. Me pasé casi un año en Helsinki grabando por el simple hecho de plasmar lo que vivía, con la intención de que algún día pudiera abrir esas carpetas y recordar todo aquello. Casi un mes antes de regresar a Málaga, al revisar todo este material, me di cuenta que de ahí podía salir un proyecto interesante. En este sentido, es un corto que adquirió forma en el propio montaje.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

“Qué suerte” es una historia que en definitiva habla de toda esa generación de jóvenes que no logra encontrar su sitio en ningún lugar, que no sabe muy bien cómo ni hacia dónde avanzar. Es un relato lleno de anhelos, de deseos incumplidos. Sin embargo, a medida que avanza el corto, en él también aparece una cierta contradicción, que es la de comprobar que ningún país ni ningunas circunstancias son perfectas, que no existe esa tierra prometida. Creo que este hecho lleva a sentimientos encontrados: por un lado supone un consuelo, pero por otro no deja de ser una decepción al ver nuevamente frustradas las expectativas.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Yo creo que no decidí dirigir esta historia, pienso que fue el momento que me tocó vivir, y por tanto, el único que podía contar desde el punto de vista de un diario cinematográfico. Más allá de la sinopsis —que tristemente aún hoy sigue siendo actualidad—, lo que me impulsó a querer dar forma a esta experiencia sin duda fue la creencia de que uno puede hacer cine con la propia vida; de que la vida, lo cotidiano, lo que uno conoce, lo que a uno le rodea, si se narra con cierta intención puede llegar a convertirse en cine. Cuando esto ocurre, cuando he tenido la oportunidad de ver a otros directores que experimentan en esta línea, creo que ha sido la verdad más potente a la que he podido asistir como espectador, y esa fue mi principal motivación, intentar hacer cine partiendo de lo que me rodeaba y conocía, sin aspirar a nada más —y a nada menos—.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El corto ha sido totalmente auto producido porque como comentaba, lo que describe es una realidad subjetiva, y para ello no se necesitan demasiados medios si lo que a uno le importa no es tanto el resultado técnico sino el guion y la manera de narrarlo. Por supuesto, para llevarlo a cabo conté con el apoyo de mi pareja que es oficialmente la productora, pero de igual modo tampoco podría haber vivido esta experiencia en Finlandia si no fuera por ella, por lo que de nuevo vida y cine van de la mano. Para ser sincero, tampoco pedí ningún tipo de subvención porque en ningún momento pensé que todo lo que estaba filmando acabaría siendo un cortometraje.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El principal reto de este proyecto creo que ha sido el tratar de ser honesto conmigo mismo, el obligarme a no contar nada que no partiera de mi propia experiencia personal. En este sentido, el exponerme públicamente para contar un relato íntimo ha sido un verdadero quebradero de cabeza, sobre todo al intentar valorar lo que era necesario mostrar para transmitir la historia frente a lo que era demasiado privado o irrelevante para comprenderla. Esos límites entre lo público y lo privado o lo real frente a lo ficticio son siempre complejos, pero es algo que me interesa muchísimo de cara a seguir experimentando con ellos en futuras películas.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

El corto no ha contado con ninguna financiación por lo atípico de su producción, como comentaba anteriormente. Realmente, disponía de muy pocos recursos para grabar, pero precisamente por esto me enfoqué más en dotar de intención al montaje y no en buscar un perfeccionismo técnico en las imágenes que grababa —que surgían de forma más espontánea—. Creo que a veces es mejor renunciar, ser sinceros en este aspecto, y de paso ahorrar dinero en unos equipos y unos recursos que tratan de imitar a un tipo de cine más inaccesible desde el punto de vista de la producción. A día de hoy creo que este corto podría haber sido grabado incluso con un móvil y no perdería valor. Al fin y al cabo, se trata de mantener la coherencia entre qué tipo de película quieres hacer y cuáles son tus recursos para grabarla. Si intentas hacer un proyecto donde una parte no se corresponda con la otra, entonces se evidenciará un problema desde el primer fotograma.

 

Preséntanos a los actores.

La actriz protagonista es Marina Díaz García, mi compañera, amiga y pareja. Su papel fue sencillo porque era el mejor que podía interpretar, el de ella misma. Luego también aparecen por ahí otros amigos como Blanca Morón, Carlos Gómez o Elva Murillo que vinieron a visitarnos durante unos días y aprovechamos para recorrer la ciudad y algún que otro parque nacional. Todo fue como un juego, ellos ya sabían de mi obsesión por documentarlo todo, por lo que en ningún momento preguntaron para qué usaría este material.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

El tema es que rodaje como tal nunca hubo, simplemente yo iba a todos sitios con la cámara y aprovechaba mis paseos y salidas por Helsinki para grabar cualquier instante. A veces filmaba de manera natural lo que acontecía, y otras veces daba algunas indicaciones a Marina para intentar encuadrar algún plano que tenía en mente y que me resultaba sugerente. A veces era un acto de necesidad y grababa en función de mi estado anímico, y otras veces lo hacía simplemente por divertirme, me gustaba bastante salir con la cámara por si ese día ocurría algo interesante y podía captarlo.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Diría que el montaje. Es en el montaje donde verdaderamente se ha creado la estructura narrativa de este cortometraje, donde se ha elaborado un guion propiamente dicho que dotara de coherencia a todas esas imágenes que grababa de forma espontánea. Por otro lado, también ha sido fundamental la introducción de la voz en off como recurso, no tanto que acompaña, sino que es activo, que adquiere relevancia y que es capaz de transformar el significado de las imágenes cuando se proyectan. Durante todo el corto se da un continuo juego entre las imágenes que aparecen y la narración que se hace de ellas, poniendo de manifiesto la contradicción que surge entre lo atractivo de la fotografía frente a los sentimientos reales que provocan esas imágenes en la vivencia narrada. Me interesaba mucho dotar de nuevos significados a esas postales idealizadas que todos tenemos de los bosques, la nieve y la vida en los países nórdicos.

 

Háblanos de la banda sonora.

El corto se compone casi en su totalidad por distintos sonidos puntuales que contextualizan y refuerzan la atmósfera vivida a lo largo de los nueve meses. Creía que era coherente no exaltar de forma fácil ningún sentimiento a través de la música para dotar de mayor naturalidad al diario. En general, he intentado que la película tuviera un tono muy sobrio porque me parecía pertinente retratar de este modo la experiencia en un país como Finlandia, cuyo carácter se caracteriza precisamente por ser contenido y austero. Aun así, al final la película acaba con una canción al piano compuesta por Sibelius. Tratándose de Helsinki, no podía ser de otra forma.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta? 

Me resulta complicado valorarlo la verdad, lo he visionado tantas veces y lo he trabajado tanto que he perdido por completo la percepción que pudiera tener como espectador.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De lo que más satisfecho estoy como director es de haber descubierto en este primer cortometraje el tipo de cine que me gustaría llevar a cabo de aquí en adelante. Yo que me formé como arquitecto y lejos de las aulas de audiovisuales, el descubrir a directores como Mekas, Perlov, Chris Marker, Akerman, Guerín o Siminiani fue toda una revelación. En ese momento entendí que ese era el cine que más me interesaba. Aun así, cuanto más los analizo y más los voy estudiando más me doy cuenta de todo lo que me queda por aprender.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Pues le diría que fuese a verla porque tal vez se encuentre con un relato similar al que ya conoce de algún amigo, de algún hijo o de algún hermano, y en este sentido, ver algo con lo que puedes llegar a empatizar tan de cerca siempre resulta emocionante.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Es un orgullo estar ahí junto a creadores de tanto talento, pero sobre todo es un gran impulso de ilusión para seguir creando y realizando películas en un futuro.

 

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Por supuesto, siempre merecerá la pena, al menos desde un punto de vista de enriquecimiento personal o social. Si por el contrario hablamos de si merece la pena el esfuerzo que supone hacer cine en relación a lo que uno cobra o gana de esto, entonces esa es otra cuestión a la que muy poca gente podrá afirmar que le compense. Este tema es importante, y no se puede obviar, pero daría para un extenso debate…

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Al principio comencé distribuyendo la película por mi cuenta en concursos y festivales. Al comprobar la buena acogida que tuvo me animé a tomármelo un poco más en serio y desde hace un mes trabajo con “Jóvenes Realizadores”, una distribuidora malagueña de cortometrajes liderada por Ádel Kháder, que se está encargando de moverla por todo el circuito nacional. Es todo un placer trabajar con ellos. Veamos hasta dónde es capaz de llegar.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Creo que hay muchísima gente con talento haciendo buen cine en España, el problema, como siempre, es la falta de canales alternativos de producción y distribución. A pesar de todo, creo que nunca hubo una época mejor que esta para hacer cine.

 

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Colectivo Hola, cariño: Área de descanso
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Pedrortega | 14-03-2017 | 18:39| 0

 

Colectivo Hola, cariño (A.Cabello, M.Bea, P.Borrajo, A.Mechoswki)

María Bea Torrell (Barcelona, 1993)

Estudió el Grado en Fotografía y Creación Digital, un Postgrado en Postproducción en la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC) en Terrassa y el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona. No satisfecha con la carrera, sentía que debía poner en práctica lo aprendido. Se presentó a la primera edición del concurso Illuminating Curiosty y junto con dos compañeros ganó el primer premio. Gracias a eso, trabajó ocho meses en el Instituto de las Ciencias Fotónicas (ICFO) como fotógrafa y diseñadora gráfica, aunque también realizó vídeos y actualizaba la página web. Aquel fué su primer contacto como trabajadora de una empresa y miembro del equipo corporativo, con lo  que aprendió la responsabilidad que eso conllevaba. Paralelamente estuvo tres años como voluntaria en l’Agrupament Escolta i Guia de Sant Ignasi, donde trató con chicos de 6 a 18 años, despertando su interés por los jóvenes.

Pilar Borrajo Ramos (Madrid, 1993)

Se graduó en Bellas Artes en la Universitat Politècnica de València (UPV), realizando su primer cortometraje documental en Almería: Infinita e hizo el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona. Desde que terminó la carrera  no ha dejado de experimentar con diferentes técnicas de la imagen y del video, buscando nuevas formas de evocar una idea. Estos últimos dos años ha sido voluntaria en el festival de fotografía contemporánea Jääl -en Madrid- y en el DocsBarcelona. Ahora aspira a seguir trabajando el terreno documental, viajando y explorando otras culturas.

Alejandra del Barrio Cabello (Granada, 1992)

El periodismo le gusta desde pequeña y por ello decidió graduarse en Periodismo por la Universidad de Málaga (UMA) y hacer el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona. Trabajó durante un año en la agencia de publicidad y comunicación “Pasedeprensa Comunicación”, donde la fotografía, redes sociales, vídeos profesionales y notas de prensa eran su día a día. Anteriormente, pasó por el departamento de comunicación interna de Cepsa – La Rábida. Tras varios años se dio cuenta que contar los hechos noticiosos no le motivaba, narrar historias y vivencias sí, por ende realizó su primer documental La maleta del placer.

Andriev Mechowski (Santiago de Chile, 1989)

Estudió Diseño Gráfico & Multimedia en la universidad UNIACC y el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona. Trabajó dos años en la agencia de marketing digital DiPaola (Santiago de Chile). Ha realizado pasantías laborales en las agencias de publicidad McCan Erikson (Rio de Janeiro, Brasil) y en DoubleYou (Barcelona, España). Paralelo a su carrera, se ha perfeccionado a través de cursos de fotografía y producción musical. Actualmente ha creado su propia consultora de marketing (Eight Lab). 

Sinopsis

El tedio se apodera de los camioneros estacionados en áreas de descanso. Contra él, nada mejor que las conversaciones por el manos libres.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

El proyecto nace por la curiosidad en los lugares de paso: las áreas de descanso, las gasolineras y los restaurantes de carretera. Especialmente en los alrededores de Fraga, pueblo que hace frontera entre Aragón y Cataluña y es muy frecuentado por camioneros. Aquí surge la idea de la vida del camionero y a lo largo de la antigua carretera N-II se ha desarrollado el proyecto (“por el camino”).

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Trata una cotidianidad de manera cómica, la de los camioneros. Trata de hastío, de la rutina secreta del camionero y la relación con lo que le rodea día a día. Y trata de la relación a distancia con las mujeres de sus vidas.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

La carretera, el interés por descubrir un estilo de vida tan diferente y poder sumergirnos en él para comprenderlo.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

La productora es el Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la UAB.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Cómo se trata de un documental observacional, quizás el gran reto fue (durante la rutina del rodaje) acomodar a los camioneros para la escena, lograr su confianza y actuar nosotros de tal forma que fuésemos casi invisibles para conseguir que no se sintieran intimidados por el equipo material ni por nosotros. Ha sido nuestro primer documental, así también ha sido un reto el aprender de cada decisión durante el proceso de creación.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película

Una gran parte financiada por nosotros y otra mínima parte financiada por el Máster (la UAB).

 

 

Preséntanos a los actores.

Son camioneros que fuimos conociendo por la carretera, personas que interrumpimos en su rutina y que nos abrieron amablemente las puertas de (lo que ellos consideran) su casa. Gracias a ellos hemos podido realizarlo.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Una buena sinergia. Cada componente del equipo había trabajado en una rama diferente: una fotógrafa, una periodista, un diseñador y una artista, de modo que supimos potenciar las cualidades de cada uno para que el trabajo en equipo funcionara.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Era gracioso porque conocimos a tanta gente, hablamos con tantos camioneros, que cada vez que nos íbamos de rodaje, alguien nos reconocía y nos pitaba desde la carretera o se acercaba algún hombre que no conocíamos a decirnos “¿vosotras sois las que estáis haciendo un documental no?”. La voz había corrido muy rápido entre los camioneros. Éramos un tema de conversación en algunos bares.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La postproducción fue llevada por la idea de “viaje”. De modo que se editó pensando en que el espectador recorría la carretera encontrando a los camioneros que aparecen en la película. La pieza clave fue la primera llamada de un camionero con su mujer, de ahí nos interesamos por las llamadas y la relación con sus mujeres o sus novias. Éstas transmitían mucha información del tipo de relación de cada pareja y era una prueba más de la soledad y distancia entre seres queridos.

 

Háblanos de la banda sonora.

No hay banda sonora musical sino que el sonido se ha trabajado en un primer plano de tal manera que añadiese humor y significado.

 

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

La comedia de lo cotidiano en cada escena. Capta una realidad poco conocida dando tiempo a la observación, a reflexionar en cada plano.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Como colectivo nos sentimos satisfechos, hemos disfrutado mucho todo el proceso de la película y creemos que eso también se refleja en ella.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Van a ver el mundo de la vida del camionero de una manera íntima y personal, con toques inesperadamente graciosos.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Para nosotros estar en el Festival de Málaga es un salto importante en nuestra carrera, ya que es uno de los Festivales más importantes en España y poder participar en él nos llena de honor. Somos 4 los directores del corto. Tres son de fuera y una reside en Málaga, por lo que las sensaciones son muy distintas. Para las de fuera es siempre un placer venir a una tierra donde te acoje con los brazos abiertos y para la que reside en Málaga es un sueño que se acaba de cumplir.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Merece la pena porque nos gusta. Quizás si hubiese más subvenciones para realizarlo no supondría tal esfuerzo. Pero es cierto que hay otros obstáculos no económicos durante la producción de una película y el trabajo de superarlos es un proceso que disfrutamos como equipo. Al final sentimos una gran satisfacción al ver que la película descubre algo al espectador y le provoca, aunque sea, una pequeña carcajada.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

De la distribución nos encargamos los propios integrantes del colectivo (Hola cariño). Hasta la fecha hemos estado en Zinebi (Bilbao), en Bibliocurts (Barcelona) y en éste, el Festival de Málaga. Seguimos distribuyendo a todas las partes del mundo, aún no hemos ganado nada, pero eso no nos preocupa, al menos por ahora.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Antes de entrar en el mundo del audiovisual, no conocíamos el inmenso mundo del cortometraje tanto de animación, ficción y documental y esto es porque hay pocos espacios que arriesguen a la difusión de obras con poco recorrido y como consecuencia, la mayoría de proyectos no llegan al gran público.

El caso es que hay una producción interesante de cortometrajes en España y muy desconocida o con un público muy reducido (el mismo tipo de público que acude a cada festival de cortometrajes). Opinamos que las instituciones culturales o los espacios dedicados a la proyección de cine deberían arriesgar más en su programación, para difundir obras de cineastas emergentes o menos reconocidos en el ámbito nacional y así también ofrecer al público un abanico más amplio de oferta audiovisual (que no se limite al largometraje).

 

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Sobre el autor Pedrortega
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