Diario Sur

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Bíktor Kero: Gazpachuelo
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Pedrortega | 20-03-2017 | 10:04| 0

¿Cuantas veces has sentido que se te escapa la vida de las manos? La vida pasa mientras miramos una olla hervir, mientras batimos un huevo pensando que aquello que nos atormenta algún día desaparecerá. Pero nada pasa porqué sí. Todo lo que nos sucede es consecuencia de los actos que cometemos. Josefa tiene 71 años y hace un gazpachuelo riquísimo. Sólo que injustamente ya no hay nadie a su lado que sepa apreciarlo. Acaba de decidirlo. Justo en ese instante. Ha pensado que ya está bien de compadecerse, es hora de hacer algo. Es hora de volar.

El proyecto

‘Gazpachuelo’ es un cortometraje de ficción dramática de 14 minutos de duración dirigido por biktor kero y protagonizado por Alicia sánchez y Ana fernández. Cuenta con uno de los premios a desarrollo de proyecto del Festival de Málaga Cine Español. La cinta está producida por objetivo 50 films, productora malagueña. La dirección de producción corre a cargo de Rakesh B. Narwani y la producción ejecutiva de Kike ramírez, y ha sido rodado entre Mijas pueblo y Málaga capital.

La productora: Objetivo 50

Una joven productora audiovisual malagueña que lleva funcionando varios años ofreciendo servicios audiovisuales y alquiler de material para producciones cinematográficas. Sus socios fundadores son Rakesh B. Narwani y Paula Villegas quienes producen y además desarrollan proyectos conjuntos como guionista/director y directora de arte respectivamente. Entre sus más destacados proyectos se encuentran el documental 15M: Málaga despierta, Hospital cromático, Una noche en el Endevour y Clóset, este último dirigido por Rakesh B. Narwani protagonizado por Pepe Viyuela y Elena González que cuenta con 50 secciones oficiales nacionales e internacionales, entre ellas la Sección Oficial de Cortometrajes el Festival de Málaga. Cine Español en la XVII Edición en 2014 alzándose con la Biznaga de Plata al Premio del Público.

 

 

Biktor Kero

Nacido en Mijas y vinculado al mundo cinematográfico desde hace 16 años años, vivió en Madrid y en Londres, adquiriendo una larga formación y experiencia en el mundo de la producción audiovisual. Involucrado en más de 40 proyectos (entre dirección, ayudante de dirección y montaje), ha dirigido una decena de videoclips y 3 cortometrajes entre los que se encuentra Paraiso Beach que le ha valido el premio al mejor director en XVII Festival de Cine Español de Málaga así como reconocimiento en festivales de toda España y fuera de ella. Con Gazpachuelo afronta su cuarto cortometraje como director y actualmente se encuentra escribiendo lo que será su primer largometraje.

Sinopsis

Josefa es una ama de casa, viuda, de 71 años para la que su barrio es su galaxia y su pueblo su único universo conocido. Pero un día, harta de esperar en soledad, decide romper con todo: desempolva su maleta de soltera, la envuelve como puede en papel de celofán y se monta en un autobús camino del aeropuerto. Pretende empezar a ver todo lo que nunca ha podido y, de paso, recuperar unos lazos marchitos con su hija Estrella antes de que sea demasiado tarde.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

El proyecto nace, originalmente, de una tarde haciendo escala en un aeropuerto que ahora no recuerdo. En esas 5 horas de espera, que dan para mucho cavilar, empezaron a mezclarse pensamientos de todo tipo sobre mi familia, los viajes, la frenética vida moderna y lo mucho que me gusta viajar. De repente comenzó a surgir la idea de una abuela de pueblo que decide dejarlo todo y marcharse a ver el mundo que nunca ha podido conocer. Así nació Josefa, de ese batiburrillo de pensamientos, y se presentó ante mí, queriendo ser mostrada al mundo tal y como es. No supe decirle que no.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Trata sobre hacer un alegato a vivir experiencias que nunca has hecho antes, trata sobre recordar lo importante que son las raíces de donde vienes y, sobre todo, la historia va de que nunca es tarde para romper con lo viejo y comenzar con lo nuevo.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Pues es algo que siempre he querido contar, pero no he sabido cómo hasta ahora. Mi vida ha sido un continúo cambiar, evolucionar y descubrir nuevas cosas, pero con la carga de saber que éste modo de vivir me aleja a veces de la gente que quiero. No sé hacer otra cosa que cine, pero esta profesión te consume y te arrebata el tiempo, y más si lo vives tan intensamente como yo, un enamorado de los rodajes y un yonki de la ficción. Hablo de “yonki” porque siento que me da tanta vida como me quita, y esta dicotomía es el principal motor de la historia, pues hay una cosa que siempre he dicho y es que “Tener raíces y alas es la contradicción que te hace un ser humano completo” Conseguir ese balance es el mayor reto personal al que me enfrento cada día.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Pues mi productor ejecutivo, Kike Ramírez, fue quién me lanzó a llevar adelante la historia y a comenzar a producirla, gracias a él presentamos el proyecto al Festival de Málaga y conseguimos uno de los premios a la producción. Ese premio, gracias al jurado del festival, fue el segundo motor que nos hizo seguir adelante ya con un capital inicial. Más tarde entró la productora Objetivo 50, con Rakesh. B. Narwani a la cabeza, que acogió con ilusion y entrega el proyecto y terminó de impulsarlo en todos sus aspectos hasta llevarlo a ser una realidad. También hemos recibido un gran apoyo del Ayuntamiento de Mijas, de donde soy originario, que nos ha respaldado en muchos aspectos.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

La financiación ha sido todo un reto, sin duda, pues el cortometraje tenía la ambición de ser un trabajo serio y profesional y eso siempre cuesta bastante dinero, como no. Y a nivel de dirección, rodar un aeropuerto con bajo presupuesto ha sido una hazaña descomunal que sólo ha podido llegar a buen puerto gracias a un gran equipo que ha sabido trabajar duro y en sintonía y al cual le agradezco todo el apoyo y el trabajo duro.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

La principal fuente de financiación ha sido el premio del Festival de Málaga, gracias al cual pudimos obtener la mitad del presupuesto. El resto ha sido financiación privada, principalmente mía como productor, y ahora estamos trabajando con Crowdfunding para poder completar lo que nos falta para terminar el trabajo como es debido y llevarlo a todas partes para que se vea.

 

 

Preséntanos a los actores.

Las principales actrices son Alicia Sánchez y Ana Fernández, dos grandísimas actrices y encantadoras personas que se han implicado en el proyecto desde el primer momento y con las cuales ha sido un tremendo honor poder trabajar que casi aún ni me creo. Ambas han sido iconos del cine español desde hace décadas, me influenciaron mucho películas como Barrio (Fernando León de Aranoa) donde aparece Alicia y Solas (Benito Zambrano) que protagoniza Ana y por el cual obtuvo un Goya, y poder recibir a tales talentos, involucrándose con tal ilusión y compromiso, en nuestro equipo ha sido una maravilla. Además contamos con Andrés Suárez y Rocío Rubio, dos grandes actores de Málaga que han aportado muchísimo a unos personajes que, a priori, tienen poca trascendencia pero gracias a su gran talento han sabido sobredimensionar y darles profundidad y personalidad.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Un director no es nada sin su equipo. Yo siempre me he considerado un buen orquestador de talentos, que es la principal tarea que conlleva, y un trabajo complejo y ambicioso como ‘Gazpachuelo’ no habría sido lo que es sin el descomunal trabajo de todo el equipo, al cual por siempre le estaré agradecido. Y además del duro curro, para mí es importante que todos se lo pasen bien, y siempre trato que mi naturaleza de payaso descerebrado se contagie a todos por igual para que además de trabajar intensamente, el proceso sea divertido y nos llene de buenos recuerdos. Y, sin duda, lo hemos pasado genial en el rodaje y eso me encanta. Sus principales integrantes son Kike Ramírez, productor ejecutivo y ayudante de dirección de ésta, y muchas otras batallas, que se ha dejado el alma en cada parte del proceso. Rakesh B. Narwani, director de producción, que ha mimando todos los detalles de la producción, sacando tiempo de debajo de las piedras, para hacer de ‘Gazpachuelo’ un producto lo más redondo posible. Paula Villegas, directora de arte, que tiene un talento innato para visualizar conceptos y llevarlos a cabo, con gusto y con estilo fuera de lo común y que no descansa hasta que cada detalle está donde tiene que estar. Cristina Martínez, jefa de producción, que ha realizado un trabajo deslumbrante, pese a su corta experiencia el puesto, y no sólo ha estado a la altura de las complicadas circunstancias, sino que ha demostrado tener una templanza y carácter por encima de lo normal y se ha volcado en cuerpo y alma. Miguel Vazquez, director de fotografía, con el que no había trabajado antes pero con el que he congeniado a la perfección, y ha sabido trasladar perfectamente a imagen mi visualización particular. Pablo Contreras, jefe de sonido, deslumbra por su sensibilidad para captar y editar esa parte tan delicada como es el mundo sonoro del film. Carmen Acosta, jefa de vestuario, que pese a la distancia por vivir en Madrid, ha estado pendiente de tantos detalles para dotar de personalidad y vida a los personajes. Elvira López, jefa de maquillaje, que sabe dar en el clavo a la hora de trabajar el aspecto de los personajes. José Ojeda, banda sonora, que demuestra en cada proyecto que sabe captar la esencia y trasladarla a notas el mensaje a transmitir y es capaz de reinventarse cuantas veces haga falta.

Y tantos otros profesionales que no caben en esta escueta descripción y que han aportado tanto tanto a ‘Gazpachuelo’

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Pues un detalle que recordaré siempre es que yo quería grabar en la calle de Mijas dónde me he criado, El Barrio Santana, y que justo cuando cerramos las fechas para el rodaje resulta que coincidió con unas obras de remodelación de la misma y no pudimos rodar allí. Además que ese mismo día de rodaje en el pueblo nos calló una tromba del 15 y tuvimos que lidiar contra los elementos para sacar adelante la jornada. Y lo conseguimos. Otra coincidencia es que el día de rodaje en la Terminal de Cruceros tuvimos la visita de nuestro presidente Mariano Rajoy, casualidades nefastas de la vida, y el centro se colapsó justo en un cambio de localizaciones y nos las tuvimos que ingeniar para sortear cortes de calles y atascos. También lo conseguimos.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La postproducción la he llevado personalmente, pues suelo editar los trabajos que dirijo, junto con Pablo Contreras y José Ojeda en el tema sonoro. La peor parte ha sido trabajar a contrarreloj para poder cumplir plazos con el Festival, entregas de copias y de material promocional, pero salimos airosos.

 

Háblanos de la banda sonora.

La banda sonora tiene un gran papel en el corto y se ha realizado en tiempo récord, gracias a que José Ojeda es un curtido músico y compositor y pudimos llevarla a cabo a tiempo y con grandes resultados. Yo quería algo sentimental sin ser empalagoso, con pocos instrumentos que estuvieran bien ubicados, y con una melodía recurrente que inspirara melancolía y a la vez esperanza. José ha dado en el clavo en este sentido una vez más.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Me gusta, personalmente, la sensación que se siente al ver como una persona, en cargado por un personaje, es capaz de superar sus miedos y lograr un objetivo que parecía tan lejano. Un viaje puede ser algo normal para cualquiera, pero para Josefa es la hazaña de su vida. Y esa total libertad deberíamos ser capaces de sentirla todos más de una vez en la vida.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Me siento satisfecho al poder sentarme ante el cortometraje y ver que todo de repente funciona, que pese a las muchas complicaciones hay una historia creíble y humana, que te engancha y que te insufla un fresco hálito de vida.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Le diría que no hay nada que no esté mal en su vida que no se pueda cambiar, que si Josefa es capaz de liar su maleta con papel de sandwich e ignorar el terrible “qué dirán” que la mantiene presa en su limitado mundo, cualquier cosa que se proponga la puede lograr.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Es todo un orgullo recibir tal reconocimiento de miembros expertos del jurado y saber que valoran nuestro trabajo en la tierra que nos ha visto crecer y donde hacemos lo que más nos gusta. ¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine? Para mí sí. Si hay algo por lo que me dedico a esto con todo mi ser es porque conozco el brutal poder de transformación que el cine nos brinda, como seres humanos que a veces nos sentimos perdidos y desamparados, ofreciéndonos herramientas para reflexionar, aprender, debatir, imaginar y, en definitiva, decidir sobre nuestros destinos y ser, el última instancia, mejores personas.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Es una fase a la que aún no nos hemos enfrentado y que pronto esperamos poder asumir para que el corto viaje tanto y tan lejos como se nos permita llegar.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Que cada año somos testigos de todo una explosión de buenas, y cada vez mejores, historias que deben ser contadas y que es una pena que no tengan cabida en los medios de difusión establecidos, pues tanto en su forma como en su contenido son una excepcional forma de expresión que deberá tener un mayor reconocimiento y presencia. Pues por un lado los cortometrajes son la cantera del cine del mañana y, por otro, su formato podría ser mediáticamente disfrutado tanto o más que el cine de largo formato. Hay que cambiar la mentalidad, abrir puertas y que la gente disfrute de pleno con estas píldoras de poderosa cultura.

 

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Kike Ramírez y Pedro Terrero: Llueve en Bagdad
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Pedrortega | 13-03-2017 | 16:31| 0

Pedro Terrero

Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Málaga, ha realizado y participado en multitud de trabajos audiovisuales, ya sea en labores de dirección, fotografía, montaje o producción musical. Entre su filmografía se encuentran los trabajos “Sólo Quiero Conocerte”, “El Hombre Chernóbil”, “Post Mortem”, “El Asesinato De Herman Pfefferberg” y “Reflejos”.

Kike Ramírez

Ligado al mundo del cine y la publicidad desde los 16 años, ha trabajado en más de 60 proyectos entre cortometrajes, largometrajes, spots y videoclips realizando labores de dirección, guión, cámara, producción y especialmente ayudante de dirección.  Su filmografía como director “Gracias Por Robar”, “Brenda” y “Reflejos”.

Sinopsis

Liduvina es una señora anciana que vive en una casa modesta, en un barrio modesto al sur de España. Un día, descubre la extraña habilidad de predecir catástrofes naturales.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Pedro Terrero: Siempre me ha obsesionado el poder inmenso de la naturaleza frente a la insignificancia del ser humano y la contraposición doméstico-universal. Así que quise juntar estos dos conceptos poniendo como protagonista a una señora mayor, icono de lo cercano y lo entrañable, que de repente se tropieza con algo que la sobrepasa por completo.

Kike Ramírez: Cuando Pedro me comentó la idea original rápidamente le contesté “Tenemos que hacerlo”, en plural, y así empezamos a desarrollar la historia vomitando ideas y desechando otras con mucha celeridad. Habíamos sintonizado realmente rápido.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Pedro: Sobre señoras que se adentran accidentalmente en el universo de los superhéroes.

Kike: Y de como la sociedad es a la vez víctima y verdugo.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que os llevó a dirigir una historia como ésta?

Pedro: Al principio queríamos hacer algo mucho menos ambicioso, más íntimo y “guerrillero” (como se conoce en el mundo del cine a los proyectos llevados a cabo sin presupuesto), pero gracias al premio al proyecto de guion que conseguimos en el Fancine de 2015 pudimos ampliar el alcance de la historia y cuidar mucho mejor los detalles. Fue el empujón definitivo.

Kike: Desde un principio tuvimos claro que el corto se haría de cualquier forma. Era fácil y complejo a la vez y realmente estimulante por la variedad de elementos que discurrían en la historia. Llevarlo a la pantalla se volvió muy apetecible.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Pedro: Como he comentado antes, el premio del Fancine 2015 y la participación de la productora Séptimo de Caballería. Sin estos apoyos el corto no habría sido posible tal y como es.

Kike: Además de un equipo humano increíble que lo ha dado todo en el proyecto.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuvisteis que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Kike: Creo que la diversidad de localizaciones fue un reto en si mismo. Con la concesión de la ayuda teníamos un calendario que cumplir y montón de lugares diferentes donde rodar con unas características muy concretas y en algunos casos, una disponibilidad limitada que obligaban a desarrollar un plan de rodaje muy complejo.

Pedro: Al aumentar la ambición aumentaron también las dificultades técnicas y logísticas a las que tuvimos que enfrentarnos. Pese a los apoyos recibidos, no dejaba de ser un proyecto de presupuesto reducido para contar una historia de alcance universal. Al final, el trabajo incansable de un equipo humano volcado en este cortometraje hizo posible lo imposible. Además, contar con una señora de 90 años, que no está acostumbrada a estas situaciones, era a priori un hándicap importante. Pero gracias a su vitalidad y entusiasmo nos lo puso todo más fácil.

 

Hábladnos de las fórmulas de financiación de la película.

Pedro: El primero y principal fue el premio al proyecto de guion del Fancine de 2015. Este premio fue vital para poner en marcha el proyecto. Luego se subió al carro la productora Séptimo de Caballería, de Manuel Valenzuela, que prestó su apoyo en todo lo relativo al “backoffice” o trabajo de oficina para que nosotros solo tuviéramos que preocuparnos por rodar.

Kike: El apoyo de Fancine fue fundamental para la producción del corto. Es una ayuda que funciona muy bien en comparación con otras ayudas existentes pues no te la entregan al finalizar la obra, sino que te la abonan de forma fraccionada a lo largo de todo el proceso de producción permitiendo el poder hacer frente a los primeros gastos que existen antes de empezar a rodar.

 

 

Preséntadnos a los actores.

Pedro: Desde el momento en que concebimos la historia sabíamos a quién queríamos de protagonista. Su nombre es Liduvina Otero, tiene 90 años y es la abuela de la mujer de Kike. Ya había participado en papeles secundarios en cortometrajes rodados en Málaga, aunque este es su primer papel protagonista.

Kike: Liduvina es una de las personas mas entusiastas y enérgicas que conozco. Firmaría ahora mismo estar así de vital a los 90 años, es una mujer ejemplar. Y además, es un 80% el personaje desarrollado. Buscábamos que el personaje fuera muy icónico y ella tenía esas cualidades. Además contamos con la ayuda de Verónica Aida, su nieta, que es actriz y ayudó como coach en los ensayos generando complicidad entre ellas.

También contamos con la voz de Ana Gardeta que imprimió un tono muy especial a la narración.

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. 

Pedro: Impresionante. Nunca había trabajado en un proyecto de tanta envergadura como director y me ha sorprendido la capacidad de sacrificio y la dedicación de todos y cada uno de los miembros del equipo. Tuvimos la suerte de contar con algunos de los profesionales más reputados en Málaga para llevar a cabo este proyecto: Bíktor Kero de ayudante de dirección y FX, Barto Lomeña como director de fotografía, Frank Demur en sonido, Leti Melchor en producción…

Quizá la anécdota más entrañable para mí fue cuando rodamos la secuencia del campo de golf. La localización se cerró solo 4 horas antes de rodar. Terminamos la secuencia que estábamos rodando en el OMAU y salimos todos disparados hasta Mijas para rodar allí la secuencia. Solo quedaba una hora de luz y tenía que quedar perfecta, ya que era la secuencia final y el clímax del corto. Estábamos todos concentrados al máximo y al final lo logramos. Diez minutos más tarde y no habría sido posible.

Kike: Uno se queda sin palabras cuando observa a un ejército de personas trabajando duro por hacer realidad una locura salida de nuestra imaginación. Es como un sueño. Y la sensación de estar en deuda con ellos no acaba nunca. Trabajazo increíble del equipo de Arte Con Dita Segura y Daniel D. Santana. Brutal el trabajo de Luz con Barto Lomeña y su equipo. Lulú Pérez en maquillaje. Carmen Acosta y Mamme Hilario en vestuario. Me dejo un montón de gente por nombrar pero es que son muchos. Todos han funcionado genial pero quiero nombrar a dos en especial, Biktor Kero, nuestro ayudante de dirección y uno de los mejores montadores que hay en Málaga y Leti Melchor que es capaz de sacar adelante cualquier producción con su profesionalidad y simpatía. A los dos, si me cupieran, me los llevaba en un bolsillito y me iba a hacer cine por ahí.
En rodaje hubo muchas anécdotas pero yo me quedo con recuerdos de la preproducción, en concreto con la búsqueda de localizaciones. Creo que el cine es una forma de viajar y conocer personas y lugares diferentes. Además, el propio proceso creativo ya significa un viaje en si mismo.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Pedro: Bíktor Kero se encargó de coordinar esta fase. Nos centramos sobre todo en la creación de los efectos atmosféricos y en la secuencia de Japón, que queríamos que funcionara como una explosión de color en mitad de la gris rutina.

Kike: Biktor Kero a través de su marca Emotioner ha diseñado los efectos del corto y mucho mas. En Llueve en Bagdad ocurren muchas cosas en poco tiempo y muchas son en postproducción. Hay planos donde los efectos son evidentes como es el caso de los fenómenos atmosféricos y otros donde no se aprecia que ocurra nada pero están ahí ocultos porque son necesarios.

 

 

Hábladnos de la banda sonora.

Pedro: para la banda sonora contamos con un dueto de cuerda formado por Patricia González y Josema Cantos. Teníamos en mente el “Verano” de Vivaldi, que queríamos deconstruir para que encajara en la historia. Ambos hicieron un trabajo excelente a la hora de plasmar esto en la banda sonora.

Ahora que ya podeis ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectadores, más os gusta?

Kike: La propia evolución del corto, que empieza con un tono suave y cercano y va evolucionando hasta convertirse en algo diferente, mas explosivo. Quizá sea un poco arriesgado pero es una forma de síntesis de la propia vida de la protagonista. Me gusta que todo sea cambiante.

Pedro: Me gusta que el corto no sea comedia, ciencia ficción ni drama. Es algo inclasificable que cada espectador hace suyo como quiere. No me gusta casarme con ningún género y creo que aquí hemos logrado nuestro propósito.

 

¿Y de qué os sentís más satisfechos como directores?

Pedro: de que la historia cale en el espectador, de haber creado algo emocionante partiendo de una premisa tan disparatada. Y, sobre todo, de habérmelo pasado en grande desde que escribimos la primera palabra del guion hasta el último clic al botón de “exportar a vídeo” en el programa de edición.

Kike: El simple hecho de que haya ocurrido ya es genial. Sentir que aquello que hace un año escribimos sea hoy una realidad no tiene precio. Y que el público reconozca nuestras intenciones, nuestro mensaje e incluso nuestras trampas es muy estimulante.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Pedro: Que se despoje de todos los prejuicios que pueda, que no espere nada. Creo que solo así se disfruta este corto.

Kike: Simplemente que se siente y se deje llevar por una historia original y diferente. Cuando se quiera dar cuenta el corto ya habrá terminado.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Kike: Pues supone el reconocimiento al esfuerzo de todo un equipo. Y para nosotros un empujoncito para seguir luchando en esta ardua tarea que es hacer cine.

Pedro: supone desafiar aquel dicho de que “nadie es profeta en su tierra” en el festival de cine en español más importante del mundo. Ahí es nada.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Kike: Cuando estoy rodando muchas veces maldigo y me pregunto que estoy haciendo aquí con mi vida. Pero se me olvida rápido y luego vuelvo a caer. Creo que no tiene solución. Es importante expresarse a través del arte y hacer llegar al público tus inquietudes. Cuando lo consigues, entonces se desvela cualquier duda de si merecía la pena.

Pedro: Siempre. Para mí el cine es la mejor droga que existe. Es una montaña rusa de emociones a nivel personal, humano, que al final me crea un mono. Odio rodar por el enorme esfuerzo técnico y vital que exige, pero al día siguiente ya estoy planeando mi próximo proyecto.

 

¿Qué nos podéis contar sobre de su distribución?

Pedro: por ahora nosotros nos estamos encargando de distribuir el corto mediante plataformas por Internet. Festhome (la plataforma que utiliza el Festival de Málaga) o Moviebeta permiten ponernos en contacto con miles de festivales de todo el mundo y hacerles llegar nuestro corto con solo un clic. El trabajo infernal de enviar los DVD por correo postal ya es cosa del pasado, afortunadamente.

Kike: Independientemente de todo, la idea principal es hacer llegar la obra al máximo de espectadores posible. Ahora hemos empezado el recorrido por festivales pero en el futuro usaremos otras fórmulas para llegar mas lejos y sobre todo llegar a espectadores que no sean los habituales de los festivales.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Pedro: Creo que España siempre ha sido una potencia del cortometraje porque aquí no se considera el corto como un medio sino como un fin. Sospecho que se debe en buena medida a que muchos profesionales tienen que conformarse con este formato porque el largo es un desparrame de dinero que en estos tiempos muy pocos se pueden permitir. Además, España siempre ha sido un país de grandes cuentacuentos y pícaros audaces, y para el cortometraje precisamente se necesita eso: buenas historias y mucha picardía.

Kike: Debería existir un apoyo mayor por parte de los medios para difundir un trabajo que solo llega a los circuitos de festivales y a internet. Además habría que revisar el convenio actual que solo reconoce películas, películas de bajo presupuesto y series pero no contempla a los cortometrajes por lo que hace mas difícil aun crear industria en este modelo.

Por suerte hay grandes profesionales del corto que nos regalan joyas cada año.

 

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Víctor Meliveo: Travel Reflexions (and maybe mirrors)
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Pedrortega | 10-03-2017 | 16:43| 0

Víctor Meliveo

Nació en Málaga en 1980. Es Licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgia y ha cursado un Máster en Postproducción e Iluminación. Se ha dedicado durante años al teatro de calle, el teatro, el circo, la fotografía, la edición y el cine.

Filmografía

Asia Full of Contrasts (documental, 2013), Dermocartografías (corto, 2009), La violación (corto, 2007), Sufrían por la luz (corto, 2006), BITss (corto, 2005), Manhattan Photo (corto, 2004).

Sinopsis

Travel Reflexion es una pieza de videoarte compuesta de diferentes imágenes tomadas alrededor del mundo. Encontrar nuevas historias, oler nuevas ciudades y nuevos países, conocer gente nueva… Viajamos para cambiar, no de lugar, sino de ideas.

 

 

¿Cómo nace el proyecto? 

“Travel Reflexions (and maybe mirrors)”, cortometraje experimental o videocreación, es una recopilación de imágenes realizadas mientras trabajaba en otros proyectos documentales en diferentes países. El título hace doble referencia a las “reflexiones”: por un lado a la ideas, dudas o conclusiones que llega uno mismo mientras viaja, y por otro, a las imágenes reflejadas (físicamente hablando) que aparecen en el video, ya sea en espejos (mirrors), charcos, metales, cristales… El sentido poético y polisémico de esas “reflexiones” es lo que vertebra al video.

 

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Trata sobre la conciencia. La conciencia humana, la social, la personal, la conciencia colectiva, la conciencia de individuo y la conciencia sobre el mundo. El viaje te conecta, te abre puertas que no se abrirían de otro modo, te transforma y te sorprende a cada instante. Confronta y resuelve, te hace valorar… Viajando y observando descubres las cosas que son verdaderamente importantes, y cuales no. Un verdadero ejercicio de conocimiento. Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta? Surgió sola. Como decía, realmente las fotografías ya estaban hechas. La idea se fue formando con el paso de los años, y simplemente salió.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

En un periodo de quizás de más de 10 años en más de 25 países, los apoyos de producción son innumerables. He trabajado con mucha gente, y también he trabajado mucho solo. Diversidad en los métodos y también en los resultados… creo que todo está impregnado de la misma esencia.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El momento puzzle es el más difícil. La selección de fotos y el montaje son casi la totalidad de la línea narrativa. Nunca hubo guión, solamente se fue formando. Háblanos de las fórmulas de financiación de la película Como decía, fue simultáneo a otros proyectos, así que realmente nunca hubo un presupuesto para esta pieza. Podríamos decir que se trata de “reciclaje audiovisual”. Preséntanos a los actores. La voz en off es lo único que no es material documental (donde no solo no hay actores como tal, sino incluso se pierde el sentido de modelo, ya que son momentos totalmente captados de la realidad tal cual es). El “narrador” de lujo en este caso es Javi Rojo, amigo y hermano con el que he co-dirigido anteriormente grandes proyectos de muchos tipos. Genio fotográfico y tremendo realizador que se prestó a hacer esta locura personal dándole ese toque de profundidad en primera persona… gracias Javi.

 

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Hay un punto fuerte de azar en este caso. Realmente la sobre abundancia de imágenes es lo más complicado, pero como digo a veces, la “selección darwiniana” hace su trabajo. La edición fue larga, pero muy pausada… no ha habido fechas de entrega ni nada parecido, ya que se trata de una pieza personal. Tiene infinitas horas en el etalonaje, mucho mimo en la edición y un espacio sonoro muy cuidado y sútil. Háblanos de la banda sonora. La exquisita banda sonora es de Antonio Meliveo. ¿Qué puedo añadir? Maestría, magia y poesía… es mucho más del 50% del resultado final; nunca encuentro mejor música para mis creaciones.

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Quizás, la calma e inquietud simultáneas que transmite, un equilibrio entre hacer y pensar.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Director es un término raro en este caso… simplemente he “reformulado” lo que ya tenía y he ordenado muy intuitivamente lo que había en mi cabeza. La satisfacción es hacer algo que sale casi sin pensar, con un proceso abierto y libre en su totalidad.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Es un viaje de 4 minutos, que siempre deja un buen sabor de boca.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Todo un honor como todos los años. El festival de Málaga es un gran escaparate con grandes creadores, grandes compañeros y una gran industria que crece día a día, siempre es una alegría poder participar. Cada año mejora y entre todos tenemos que hacer que la calidad sea más alta.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Siempre. Para muchos no es un esfuerzo, es una necesidad. En mi caso es cine, fotografía, artes escénicas… realmente, no podría dedicarme a hacer otra cosa.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Empezará pronto, justo después del Festival. Aparte de festivales de cine, esta pieza está pensada para distribución en mercados de Video Arte (galerías, exposiciones, instalaciones multimedia…). Pretende ser una videocreación muy versátil en ese aspecto.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Cada año mejora el nivel. Más propuestas y cada vez de mayor calidad que podemos ver en festivales. El cine español es también el mundo del cortometraje, y de hecho, muchos grandes directores empezaron en este formato, y muchos, vuelven a hacerlo de vuelta del largo. El contar historias en pocos minutos es un arte muy diferente, más difícil si cabe, y tremendamente apasionante.

 

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Pablo Ros: La huida
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Pedrortega | 13-03-2017 | 20:03| 0

Pablo Ros Cardona

Con una trayectoria entre el cine y la televisión, y a medio camino entre Londres y Málaga, Pablo Ros Cardona acumula una filmografía que combina cortometrajes, videoclips, trabajos en publicidad y también algún proyecto transmedia. Actualmente trabaja en su primer largometraje, una comedia titulada Peter Punk.

Filmografía

La huida (corto, 2016), Marrakech-London (corto, 2001), El taxista perfecto (corto, 2000)

Sinopsis

Al acompañar a su hijo al aeropuerto con destino a la universidad americana con la que Andrés se ha encaprichado, Philip y Teresa afrontan la decisión más importante a la que jamás se han enfrentado: deshacerse del adolescente que controla sus vidas, su hijo Andrés.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

El proyecto nace de la observación de patrones de educación, historias oidas de niños que lo tienen todo, entrega de padres que piensan hacer lo correcto.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Unos padres cretinos que se dan cuenta que el “niño no les ha salido bien”.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Verme cerca de estos mundos.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Festival de Málaga e ICAA.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuvisteis que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Lo normal de los rodajes, localizaciones que se caen, fechas que varian, planes que cambian, gente que enferma.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

El productor Jose Antonio Hergueta presento el corto a las ayudas del ICAA y confio que nos la darian, funcionó.

 

Preséntanos a los actores.

Conocia a Antonio Bachiller por su película A cambio de nada y me quede impresionado. Jose se encargo de contactarlo. Igualmente con Asun Ayllon llevaba años queriendo trabajar, la conozco personalemente pero nunca habia tenido la oportunidad de trabajar con ella. A Ken Appledorn lo vi en el imaginary Tale y me gustó mucho. Queriamos construir una pareja de dos nacionalidades y creo que la combinación funciona.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Un equipo muy eficaz llevado por Rodrigo Sancho como ayudante de dirección y Cintia Sanchez como productora. La dire de fotografia fue Raquel Fernandez Nuñez con la que ya habia trabajado en varias ocasiones. Lo mismo con la montadora Patricia Andrades. Durante el rodaje no hubo tiempo ni para toser. Si hubo alguna anecdota ni me entere, estaba absorbido.

 

 ¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Montaje en fuengirola, color en Madrid, música en Málaga, sonido en Sevilla. Todas las piezas fundamentales.

 

Háblanos de la banda sonora.

Una edición de sonido y mezcla llevada por Jorge Marin, muy fino e implicado. La música de Jose Ojeda viene tras un gran entendimiento y creo que acertada.

 

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Creo que hemos sacado una comedia contenida y negra sin histrionismos y un poco brutal.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Poder haber participado de nuevo en un procesos creativo que desde la escritura al resultado final está rodeado de magia.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

¿Este mundo loco se mueve en la dirección correcta?

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Una gran oportunidad.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Hoy si.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Estamos a la busqueda de distribuidora de cortos y valorando costes. Interesante y variado.

 

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Enrique García: Pacto
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Pedrortega | 13-03-2017 | 13:38| 0

Enrique García

Nació en Málaga en 1971. Desde 2007 es profesor de Historia de la Imagen Gráfica y Edición Audiovisual en EADE University of Wales. Durante quince años ha sido colaborador en diferentes periódicos. En su trayectoria como director de cortometrajes cuenta con más de cuarenta premios nacionales e internacionales. Con 321 días en Michigan, su primer largometraje como director, obtuvo numerosos premios. Acaba de terminar sus proyectos Resort Paraíso y Maniac Tales. The Perfect Moment.

Filmografía

Maniac Tales (“The Perfect Moment” segment), Resort Paraíso, 321 días en Michigan, Objetivo Violeta, Napoleón, Malabestia, 2000 rieles & 4 perras, Contar Conmigo, Dormirán, Tres razones, En Portada Cómics, CineMálaga 2009, La Corporación, Elena & Rebeca, Reflejo Roto, Sobre ruedas, El Juego de Pedro.

Sinopsis

Unos jóvenes que se conocen a través del whatsapp quedan para suicidarse juntos. En el último momento, una de las chicas se arrepiente y consigue escapar.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Desde la Escuela de Teatro de Málaga nace la oportunidad de rodar dos cortometrajes, Dylan Moreno, director de la escuela, me propone buscar textos para cortometrajes con lo que hicimos una convocatoria en redes sociales buscando un texto que puediera dar cabida a los perfiles de los alumnos de la Escuela. Decidimos rodar ‘Titanic Jarl’, una alocada comedia con Álvaro Carrero y saltamos de género con ‘PACTO’, un relato que nos llegó del norte, firmado por el guionista Guillermo Estrada.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

PACTO va sobre los errores de la inercia, los miedos a sentirse excluido de un grupo social, la soledad, la incompresión, el miedo a tus propios miedos…

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

El saltar de género y jugar con las reglas del terror psicológico. Es un cortometraje que no tiene una sola línea de diálogo hasta pasada la mitad de la historia y eso es puro cine. Además el tratar con una futura generación de actores malagueños ha sido un incentivo muy potente.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El principal, obviamente, ha sido la decisión de Dylan Moreno de ofrecer a los amlumnos de la Escuela la posibilidad de rodar dos historias (una comedia y otra de terror) para el lucimiento de los actores que se forman en la Escuela de Teatro. El otro apoyo indicutible ha sido la actriz Virginia DeMorata, profesora de interpretación ante la cámara que se convirtió en el apoyo de cada alumno cada vez que se ponían ante la cámara, algunos con nervios, otros con dudas… Ha sido crcucial su trabajo.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Trabajar con jóvenes que en la mayoría de los casos no habían interpretado antes ante la cámara. El tiempo… o la falta del mismo, tuvimos tres días para rodar dos cortometrajes de una gran calidad cinematográfica.

 

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Eso es algo que corresponde al bolsillo de Dylan moreno y a la fe que tenía en que sus alumnos podían participar en cortometrajes competitivos por toda España. El Festival de Málaga ha sido nuestro primer envío y aquí estamos seleccionados.

 

Preséntanos a los actores.

Pues es un reparto muy coral: Son los alumnos de la Escuela de teatro de Málaga María Rubio, Álex Díaz Rey, Ana Cañete, Adria´n vereda, María Martínez Falero, Laura Vil y Jose Fernández.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Trabajar con el dire de foto Juae Martín ha sido una VERDADERA PASADA, es un pintor de texturas ante la cámara, y una persona resolutiva y muy muy currante. Muy positivo con todo el equipo. Un descubrimiento. El sonido ha corrido a cargo de Jesús Romero, salido de School Training, un crack. Mamme Hilario en el vestuario, con quién ya había trabajado en mis dos largos. Y un gran descubrimiento ha sido la música, compuesta en tiempo record y con mucho arte y calidad por ISOLDA MUSIC LAB, compuesto por Paco Manzanares y Javier Trabalón. María Flores, alumna de la escuela se ocupó del maquillaje y la peluquería. Y Antonio Fernández, un viejo colaborador de los tiempos de los cortos se unió al equipo a última hora.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Bueno… la más destacada y secreto guardado por todo el equipo es que debemos el haberse rodado este corto a Nico Aguado, eléctrico del equipo que nos cedió la furgoneta de los protagonistas, y que hizo funciones de superhéroe en algún momento del rodaje. y la profesionalidad y paciencia de mis jóvenes intérpretes de la Escuela.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Montamos a toda prisa para llegar a la preselección del Festival de Málaga por lo que hubo un “todos a una” que define mucho la camaradería que imperó delante y detrás de la cámara. Háblanos de la banda sonora. Paco manzanares y F. Javier Trabalón llegaron con ISOLDA MUSIC LAB de carambola, preguntándome por facebook por otro proyecto que surgió de forma inesperada y tras escuchar susbrillantes demos y su entusiasta actitud entraron en el equipo de PACTO con referencias tan distintas como Philip Glass o Howard Shore. Unos fenómenos a tener en cuenta.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

La frescura de sus intérpretes. La angustia que provoca en el espectador los primeros minutos de la proyección.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De la creación de ese tempo. Sin música, ni diálogos.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que tome aire y entre a disfrutar de una nueva generación de actores malagueños.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Un espaldarazo para los jóvenes y para la Escuela de Teatro de Málaga que demuestra que la formación audiovisual de sus intérpretes es muy importante. Con el rodaje de estos dos cortos lo ponen de manifiesto… Y los que vienen.

 

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Siempre. Se es narrador o no se es. Y si se es, eres narrador hasta el fin de tus días.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

El primer paso ha sido el Festival de Málaga, en cuanto veamos el resultado sumamos al pack la comedia ‘Titanic jarl’ y empezamos su distribución por toda España.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Las cámaras con las que rodamos ahora no son las mismas con las que empezabamos en el formato vídeo. Ahora imprimimos mucha calidad estética a los trabajos que se realizan. Lo que hay que conseguir es un equilibrio entre calida técnica, calidad artística y el interés que debe de suscitar dichas obras.

 

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Fran Kapilla: Matryoshka
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Pedrortega | 10-03-2017 | 16:42| 0

Matryoshka es un cortometraje malagueño basado en una aventura del espacio durante los años ochenta. Es un cortometraje rodado en lengua rusa (en palabras de la Embajada Rusa:“el máximo representante de un cine hispano ruso actual”) y materiales aeronáuticos reales.

Para ello contaron con la ayuda de actores rusos, asesores de esta lengua y diversas asociaciones culturales rusas. El detalle de realismo espacial es alto y meticuloso; los más exigentes en temas científicos quedarán satisfechos. La Sociedad Astronómica malagueña también ha colaborado con un aporte único en este proyecto.

Se ha contado con la ayuda coleccionistas de la aviación; el resultado de esta producción es sofisticado, científicamente documentado y artísticamente potente. Rodado en tecnología 4K, Dolby 5.1 y con efectos especiales que recrean la ingravidez.

 

 

Fran Kapilla

Fran Kapilla es guionista y director de cine, de origen valenciano afincado en Málaga. Desde muy joven se vio influenciado por el cine: sus padres abrieron el primer canal de televisión local en Beas de Segura, regentaban videoclubs en Jaén y Alicante, y una filmoteca de cine español en París;2 en los que a Fran Kapilla le gustaba colaborar. En adelante, comienza su formación como cineasta.3 Entre 2005 y 2006 estudia “Dirección y Guión de Cine y TV”, en Valencia. En 2006 estudia “Dirección de Cortometrajes” en Benidorm. En 2008 obtiene el certificado profesional de “Operador de Equipos de Televisión”, en Málaga. En 2010 obtiene el título oficial de “Técnico Superior en Imagen”, en Málaga.

Filmografía

Matryoshka (corto, 2017), Miguel de Cervantes en Vélez-Málaga (documental, 2015), Las hijas de Danao (2014), El pequeño doctor (corto, 2013), IDUS (videocreación, 2013), Nosotros seremos libres (corto, 2011), Pasaporte, por favor (corto, 2011), La ciudad inclinada (corto, 2010), Na-Da (corto, 2010), Aléjese del área (corto, 2009)

Sinopsis

Primera misión espacial con dos mujeres al mando. Las cosmonautas soviéticas Svetlana y Katyusha deberán afrontar momentos agónicos en el accidente de la nave orbital “Matryoshka”. Soledad, agonía, ingravidez, los ordenadores no funcionan y tienen pocosminutos antes de que todo explote.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Surge como de costumbre, de una mezcla de ideas: yo estaba empezando a idear una historia de supervivencia en un momento crítico; también quería salir de los tópicos de usar a la mujer como mero hacia el héroe de turno. Es algo que incluso en el cine más actual sigue ocurriendo. Por eso me dije que debían ser dos mujeres las protagonistas, partiendo del famoso intento de la Unión soviética por establecer tanto a hombres como mujeres cosmonautas. En mi idea original tenía planteado varios escenarios: un submarino o una nave espacial rusa como escenarios de esa historia de supervivencia.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Pues en Matryoshka te vas a encontrar acción inevitablemente por el accidente en sí de la nave. También podría decir que vas a encontrar aventuras por la situación límite. Es como aquellas películas de desastres en barcos o aviones donde los protagonistas buscaban la forma de salir del lugar. También vas a encontrar mucha terminología científica y mucha dosis de veracidad, todas las pantallas son reales, las hemos animado nosotros y colocado en monitores, partiendo desde esquemas auténticos. La nave espacial está construída a escala real partiendo de diferentes diseños de “Soyuz” rusa a lo largo de los ochenta. Y los cálculos matemáticos que se ven, son una hipótesis planteada por la Sociedad Malagueña de Astronomía.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Pues desde el punto de vista científico, puedo decirte que me encanta la astronomía y todo su mundo. Desde el punto de vista cinematográfico, es porque hice un sondeo entre mis contactos y vi que podíamos conseguir material soviético del espacio, acceder a la Sociedad Malagueña de Astronomía, acceder al Museo del aeropuerto de Málaga y a muchos aparatos antiguos del almacén de la Universidad de Málaga que han sido reconvertidos. Desde el principio supimos que se iba a rodar en ruso, no sólo por ser históricamente acertado (por los pioneros de la astronáutica) sino porque me apetece abrirme más hacia el este que hacia el oeste, donde coincidimos con pensamientos artísticos y críticos.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El principal pilar para nuestra “Matryoshka” es el equipo humano, como bien sabes, algunos técnicos de cine y otros personas que nunca se habían acercado al cine pero que han tenido un peso importante, sobretodo en las traducciones y adaptaciones del español al ruso (al ruso de los ochenta con terminos científicos), eso costó muchas reuniones y puntos de vista. Las personas es lo más sagrado en cualquier producción. Pero también hemos de agradecer al Museo del Aeropuerto de Málaga, a la Universidad de Málaga, al Limonar 40, a la Sociedad Malagueña de AstronomÌa y el club de ajedrez de Miraflores.

 

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Pues sobretodo fue el de construir la escenografía. Cualquier persona puede disponer de un traje de cosmonauta si lo busca, pero disponer de un nave espacial es algo muy difícil. Nosotros no hemos tirado de chromas ni fondos oscuros o difuminados; nuestra nave está construída y fue un reto. El primer módulo se construyó durante tres meses de trabajo diario, en las instalaciones del aeropuerto. Estaba lleno de cables, aparatos, pantallas, íbamos siguiendo los esquemas de las famosas “Soyuz”, y con sierras de calar, madera, metal, ordenadores y elementos de aviones, lo hicimos. El segundo y tercer módulo fueron más rápido, una semana mas o menos, facilitaba mucho el que no tuvieran ordenadores interactivos y sabíamos ya cómo ir más aprisa. Fue el requisito que más tiempo nos llevó, construir antes de rodar.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Ha sido una tarea extra, la de encontrar financiación privada. No tuvimos la suerte de contar con ayudas institucionales que confiasen en nuestro producto. Suele pasarme cuando les presento proyectos que a priori parecen titánicos pero luego la realidad demuestra que con mucho, muchísimo esfuerzo salen adelante. En este caso el principal productor ejecutivo Ángel Madrid, confió en “Matryoshka” y luego también los rusos de las asociaciaciones culturales en Granada y Marbella pusieron su granito de arena en cuanto a logística y forma de movernos por sus círculos.

 

Preséntanos a los actores.

Las dos actrices protagonistas; María Ivanova y Oksana Hrihorash son las que dan vida a las dos cosmonautas: Svetlana y Katyusha. Son dos actrices ruso-españolas que viven en nuestro país pero que han pasado gran parte de su vida y proyectos en Rusia, Bulgaria y Ucrania. Cuando hice el casting tenía claro que si rodaba en ruso tenía que buscar a actrices que tuvieran esta lengua natal de un modo fluido, además tenían que ser fuertes, estar en forma por las condiciones del sistema de simulación de ingravidez. Después de una selección, encontré a dos actrices que me gustaban como interpretaban y que podrían funcionar muy bien. También hay unos papeles secundarios, como para nuestro malagueño Eduardo Duro, que es un actor que me gusta mucho y del que creo que se puede sacar mucho. Eduardo hace de un profesor de ajedrez que ofrece enseñanzas sabias, además en ruso. Para aprender su texto tuvo que asistir a clases de ruso durante dos meses, hasta poder decir con soltura sus párrafos. De la misma manera, Pierre Vives es un actor franco-español que vive en Alicante. Interpreta a un padre que enseña a su hija desde un momento del pasado. Y otro malagueño más, es Ángel Rubio, que aunque tiene un papel muy pequeño (se lo agradecemos infinitamente la colaboración), hace de ese tercer cosmonauta a modo representativo.
Luego las niñas Laura Robles Becerra y Paula Garrido Tickhonova, que han interpretado a las dos cosmonautas cuando eran niñas. Lo hicieron fenomenal.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

El equipo técnico ha funcionado muy bien. Desde el principio se ilusionaron con el proyecto y les gustó mucho mis ideas sobre la historia, la ingravidez, la nave, etc. Ellos ayudaron a construir la nave, a diseñar el traje, a la comodidad de las actrices en el sitema de ingravidez, a recrear la atmósfera espacial, etc. Han sido personas muy implicadas hasta el final que han creido en “Matryoshka” y han luchado porque salga a la luz sin importar los obstáculos. Entre las personas del equipo quiero destacar a Escarta Godiri, que ha sido la dialoguista del guión, Juanma Postigo como director de fotografÌa, Laura García como asistente de dirección, Salva Ríos como jefe de producción, Ángel Madrid como diseñador de la escenografía, Lucía Violino como la compositora musical, Elise Tandé como directora de arte, Dani Díaz Santana como auxiliar de fotografía, Isra Fernández como cámara, Frank Demur como técnico de sonido, Jose Ojeda como infografista 3D, Katy Navarro como caracterizadora, Juan Antonio Álvarez y Alberto Castellón como principales asesores desde la Sociedad de astronomía y como asesores de cultura y lengua rusa tenemos a mucha más gente como: Elena Tickhonova, Yulia Kotova, Yulia Melkinova, Yulia Vorovyova, Alekk Saanders y Elina Arustamyan.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Quizá la ventilación del casco de cosmonauta. El casco es hermético y aunque no lo cerrábamos del todo, su material interno está hecho para almacenar un gran calor. Con lo cual, las actrices empezaban a sudar rápidamente y a quedarse sin aire. Inventamos un sistema de ventilación a través de los tubos originales que funcionaban, sin embargo, se oía el tránsito del aire en los micrófonos. Tampoco valían de nada los micrófonos externos al casco porque su material impide oir apenas a la actriz; así que recurrimos a trabajo contínuo de quitarle el casco cada dos minutos, coger aire, desempañarlo, secarle el sudor y volver a colocarlo. Así durante todo el rodaje, habremos puesto y quitado el casco quinientas veces; Salva Ríos y Laura García se hicieron expertos en dominar el sistema de cierre (que no es sencillo). Fue la única solución para sacar un sonido limpio.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La pieza clave de la postpo ha sido el retoque digital, para poder eliminar los elementos de sujección de las actrices y simular la ingravidez. También la creación de todas las escenas exteriores que transcurren en el espacio, para ello, el infografista tuvo que crear el modelo 3D tal como yo lo tenía dibujado, le dio vida, luz, volúmen… y después animarlo todo. En ese sentido he trabajado estrechamente con Jose Ojeda, el infografista; yo me dediqué al retoque digital, a borrar elementos y crear otros, como los fondos: el planeta, las estrellas, el sol, los reflejos, los destellos, todo animado en 4K.

 

 

Háblanos de la banda sonora.

Está compuesta por Lucía Violino de un modo exquisito y muy dedicado. Está realizada al detalle, imagen tras imagen que casan perfectamente con su música. Yo le di mis sugerencias sobre lo que me gustaba y lo que no, lo que me inspiraba y cómo la había imaginado. Lucía aceptó mis sugerencias en un porcentaje pero la mayoría es de ella, su composición es maravillosa y estoy muy contento del resultado. Es una auténtica profesional.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Lo que más me gusta es el mensaje en su conjunto, el de superviviencia, el mensaje humanista, la unión de fuerzas de mente humana contra ordenador. La amistad. Los sentimientos que provocan en su conjunto. Creo que es lo mejor.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Estamos muy contentos con nuestra selección en el Festival de Málaga, porque es una forma de hacernos un hueco en nuestra ciudad, la que ha visto parir este proyecto, desde donde han surgido todos los procesos creativos de “Matryoshka”. Nuestro cortometraje tiene muchos elementos tecnológicos, habla del espacio, la lengua es rusa… pero sin embargo es un producto artístico íntegramente malagueño. Por eso es importante (y nos sentimos orgullosos) de poder encontrar ese hueco en el Festival de Málaga.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Merece la pena. Pienso que aunque el esfuerzo es enorme, porque muchas veces intentamos competir contra un mercado que no ya grandes productoras españolas sino que otros países extranjeros dominan preminentemente, aunque intentamos coexistir con mucho esfuerzo merece la pena. La recompensa más importante es la de comunicar un mensaje, al fin al cabo, el cine antes que industria es un medio de comunicación también. Un cortometraje no es un producto fácilmente vendible, más bien es un producto artístico para exponer, por eso, cuanto más se vea mejor y si es así habrá cumplido su objetivo.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Actualmente estamos distribuyendo por varios festivales de cine internacionales, quedan muchos por salir porque casi todos están aceptando inscripciones, así que durante los próximos meses sabremos en cuales encaja “Matryoshka”. Quizá lo más llamativos (a fecha de hoy) son las confirmaciones de San Petersburgo y del festival de Nueva York para el 2017. También estamos intentando entrar en el festival de cine de la NASA (si se celebra una nueva edición de este extraño festival).

 

 

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Adrián Ramos y Oriol Segarra: Una china en el zapato
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Pedrortega | 10-03-2017 | 15:18| 0

Adrián Ramos, Oriol Segarra

Adrián Ramos y Oriol Segarra nacieron en Málaga en la década de los ochenta. Se trasladaron a Madrid para estudiar dirección cinematográfica en la escuela TAI. En 2006 crean Cretino Films, la plataforma desde la que llevan a cabo sus proyectos. Sus trabajos han cosechado diversos premios tanto nacionales como internacionales, entre los que cabe destacar el Gran Premio del Jurado y el Premio a la Mejor Dirección Artística en la 12ª edición del Notodofilmfest por El Alpinista.

Filmografía

Una china en el zapato (corto, 2017), Screener (corto, 2015), Tus muertos (corto, 2015), Ramiro (corto, 2014), El alpinista (corto, 2014), Polleros y tánatos (corto, 2013), Fritanga (corto, 2012), Competición (corto, 2011), Ritmosis (corto, 2010)

Sinopsis

Feng es un joven chino que trabaja vendiendo latas de cerveza en las calles de Madrid. Cada noche, antes de ir a trabajar, se coloca debajo de la foto de Lili, su difunta esposa, la nota de suicidio que dejó y una piedra de jade. Una noche recibe desde China una llamada de la madre de Lili: su hija se le ha aparecido y quiere hablar con Feng para contarle algo muy importante.

 

Adrián Ramos y Oriol Segarra: Una china en el zapato

 

¿Cómo nace el proyecto?

Nace de las ganas de contar una historia con elementos que nos son ajenos, como el drama, el idioma chino y la temática social, e intentar llevarlos a nuestro terreno.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Trata sobre un personaje torturado por su pasado, que ha tirado la toalla y ha decidido autodestruirse. Pero la vida ¿o tal vez la muerte? le da una segunda oportunidad.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que os llevó a dirigir una historia como ésta?

No hubo una motivación concreta, sencillamente la historia surgió así cuando nos sentamos a escribirla. Aunque hay que decir que nos atraía la idea de hacer una historia diferente con un personaje que normalmente es retratado desde el realismo social o el cine de denuncia, alejarnos de ese enfoque. Nos parecía interesante la idea de que un vendedor de latas chino protagonizara una historia de fantasmas.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Nos concedieron la ayuda a la creación en el Festival de Málaga y eso nos sirvió para poner en marcha el cortometraje. Pero el apoyo de Carmela M. Oliart y Félix Tusell, de Estela Films fue fundamental, sin ellos no habría podido materializarse el corto.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuvisteis que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Casi la totalidad del rodaje tuvo lugar de noche, en el centro de Madrid, y para colmo en plena Navidad. Queríamos que el corto respirase autenticidad, esperamos haberlo conseguido.

Súmale a todo eso que decidimos rodar casi todos los planos con una bodycam, un dispositivo bastante aparatoso que el propio actor llevaba encima y que inevitablemente llamaba la atención de la gente con la que nos cruzábamos, muchos de ellos borrachos.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Está financiado gracias a la ayuda del festival de cine de Málaga, una pequeña parte de inversión privada y la colaboración de la ECAM.

 

Preséntanos a los actores.

El actor principal es Marcos Zan. Era la persona ideal para el papel, en el que además de interpretar tenía que acarrear con la cámara. Marcos además de un excelente actor, habla chino y tiene experiencia como steady y bailarín. Tuvo una infinita paciencia con la bodycam, que pesaba una barbaridad y que llevó casi todo el rodaje a cuestas. Ah, y es medio malagueño.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

El equipo técnico está formado por nuestros colaboradores habituales, gente a las que confiaríamos nuestra vida. Empezando por Luis Ángel Pérez, nuestro director de foto, que se enfrentó al enorme reto que supone rodar en las calles madrileñas de noche, casi sin apoyo de iluminación, y consiguiendo que aún así el corto tenga un estilo muy marcado. También hay que destacar a Toni Catalá, el cámara, que tuvo que hacer malabarismos con Marcos, el actor, y la bodycam para conseguir que los planos que le pedíamos.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Hay tres piezas claves en la postproducción: una es Xavi Fortino, nuestro montador, al que tenemos acostumbrado a planificaciones muy pensadas y que en esta ocasión tenía el reto de dar forma al montaje a partir de largos planos secuencia. Rodamos casi todas las escenas en uno o dos planos secuencia.

Otra es Alberto Cayuela, el etalonador, un maestro del color capaz de dar atmósfera a cada escena. Es una parte del proceso que nos apasiona, y en la que se toman decisiones que no solo son estéticas, sino narrativas. 

Y finalmente Maiki Calvo, que lleva años a nuestro lado, que diseñó un sonido acorde a las imágenes, aportando ideas y reconstruyendo de la nada el sonido de muchos planos.

 

Háblanos de la banda sonora.

La banda sonora es de nuestro colaborador habitual, Luis Ramos, también malagueño, amigo de toda la vida. Luis es un genio capaz de componer una banda sonora oscura y minimalista que le va como anillo al dedo al corto. También compuso un tema heavy muy potente y un tema romántico que haría llorar a una máquina.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Para nosotros es complicado verlo como espectadores, estamos demasiado cerca. Pero nos sentimos satisfechos, especialmente con el efecto conseguido con la cámara, que era justo lo que buscábamos cuando decidimos pegarnos a la piel del personaje. Y muy orgullosos de Marcos Zan, nuestro protagonista.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

La mayor satisfacción es haber conseguido plasmar en imágenes una historia que se sale de nuestras propuestas habituales y que funcione. Tenemos muchas ganas de proyectarlo, a ver cómo lo recibe el público.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Van a ver cine oriental, drama social, una historia de fantasmas. Todo en uno.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Nosotros somos de Málaga y es el tercer cortometraje que traemos al festival. Para nosotros y nuestro equipo es una alegría. Y siempre hace ilusión que vengan a verlo familiares y amigos.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Para nosotros, sí. Sin dudarlo. No hay mejor vida que la que te da el cine y nuestro sueño es seguir haciéndolo todo lo que podamos.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

El corto lo distribuye la Agencia Freak. Esperamos que viaje mucho y que llegue al mayor número de espectadores posibles.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Hay mucha gente talentosa haciendo cortos, multitud de festivales y da la impresión de que cada vez hay más difusión. Pero el cortometraje, por desgracia, no deja de ser un producto minoritario y hecho por amor al arte. Ojalá los programaran más en la televisión y en las salas de cine.

 

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Fali Álvarez: Tu madre es una flor
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Pedrortega | 10-03-2017 | 12:15| 0

Fali Álvarez

Nació en Algeciras. Tras dirigir varios cortos de bajo presupuesto y una serie de animación, se inicia en la dirección de cortos. Es fundador de la productora Plano Subjetivo junto a Vladimir Ráez e Hipólito Vidal.

Sinopsis

Adriana es una niña de siete años que vive en el campo con su padre. Este siempre le contó que su madre es una flor, pero Adri ya duda de esta historia. Hoy es su cumpleaños, y que mejor regalo que conocer la verdad.

Filmografía

Tu madre es una flor (corto de animación, 2016), Un día de estos (corto, 2013), Psychoterapia (corto, 2012), Free Time Machine (corto, 2010), Ni mú (corto, 2009), Pompas de jabón (corto, 2008)

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Nació hace unos años, con la necesidad de contar historias sociales que pudieran funcionar sin caer en tópicos. Recuerdo que tuve el flash mental de una mujer disfrazada de flor cantándole a su hija, se lo comenté a Vladimir (el guionista) que comenzó a desarroyar el guión. Mientras, empecé a dibujar los bocetos de los personajes que después cobrarían vida en el corto. El guión era maravilloso y nos pusimos manos a la obra.

 

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Trata del amor de un padre por su hija, que hace todo lo posible por enmascarar una triste realidad, pero claro, ya sabemos que los niños no son tontos.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

La originalidad de la obra, la mezcla entre drama, folclore… y que, en definitiva, se trata de un bonito cuento.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Ninguno. De hecho la animación nació como un story Board animado para realizarlo con actores reales. Ya teníamos a los actores, escenarios… todo, pero fue imposible encontrar el dinero para producirla así. Durante este proceso, vimos como la animación funcionaba por sí misma y a la gente le gustaba, así que decidimos dejarla como está, muy humilde pero perfecta para la historia.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Principalmente crear una animación que fuese muy sencilla, que visualmente pareciera infantil, pero que pudiera transmitir emociones reales. Trabajar con niños sabemos que tampoco es fácil, y prefería una niña real que una locutora profesional.

 

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Se intentó todo como he dicho para que la producción fuese mejor. A falta de ésto sólo queda tirar de pasión y de amigos.

 

Preséntanos a los actores.

Tenemos dos personajes que son el eje del proyecto.

La primera, la madre, tiene la voz de mi propia hermana, Ana Álvarez. No es actriz, simplemente tiene mucho arte, como tantos andaluces. Hay una parte que tiene que cantar y todo esto poniendo una voz que realmente no es la suya. Francamente me dejó boquiabierto. Una vez veáis la obra vereis que no se puede hacer mejor.

El segundo pilar es la niña, y está interpretado por Sara Godino. Era la primera vez que locutaba algo, pero esa voz tan dulce y tan real le otorga al personaje animado un toque de dulzura fascinante. Es clave para que te llegue el mensaje porque te mete de verdad en la historia.

EL tercer personaje (el padre) tiene la voz del guionista, Vladimir Ráez. No es la primera vez que se presta a interpretar y me encanta. Quién mejor que él que ha escrito el texto para llevarlo a lo real. Como he dicho ya actúa en otros proyectos que tenemos juntos, pero sobre todo a raíz de nuestra webserie “Don Nadie”, ha demostrado un gran talento no sólo escribiendo, sino delante de la cámara.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Al tratarse de animación, prácticamente hemos pasado directamente de la preproducción a la postproducción. No ha sido fácil. Crear cada personaje tiene lo suyo, por muy sencilla que este tipo de animación pueda parecer. Otra pieza clave fue poner las voces, y ahí es donde comenzamos a ver el potencial del proyecto.

 

 

Háblanos de la banda sonora.

El gran pilar de la historia es una canción folclórica muy reconocida por todos; “Maria de la o”. Eso sí, con la letra cambiada como buenas raíces gaditanas y carnavaleras que tengo. La canción es lo primero que estaba en mi cabeza cuando se gestó todo.

Jahzzar es el encargado de poner música al resto de la historia, con una canción que transmite infancia. Descubrimos las canciones de este artista producciendo nuestra webserie y realmente tiene mucho talento.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Para mí, ese choque entre cuento y cruda realidad es lo que hace que sea un corto auténtico. Es una historia muy positiva y tiene esa magia que transmiten las personas soñadoras que hacen de lo malo algo bueno.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Que la historia funcione así de bien, que llegue, que haga pensar, y todo esto usando sólamente una animación muy muy humilde y las voces de gente apasionada.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que no le dejará indiferente.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Una gran oportunidad para mostrar el corto a mucha gente y que se lleven un pedacito de él, aparte de la ilusión que hace ver a los actores reunidos y visionándolo con la gente en pantalla grande. En especial muchas ganas de verlo con Sarita,porque va a ser mágico.

 

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Por supuesto. No se me ocurre otra forma más gratificante de emplear mi vida.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Sigue siendo el mejor escaparate del mundo, puesto que pocos pueden hacer largometrajes y hay muchísimo talento. Hoy día, internet y la tecnología ha facilitado tanto las cosas que con esfuerzo, pasión y algo bueno que contar no es tan difícil que puedas tener un protecto sólido y a la altura de otros con más medios, y eso hay que aprovecharlo.

 

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Alcances mira a la mujer como narradora cinematográfica imprescindible
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Pedrortega | 07-09-2016 | 11:00| 0

Más de un tercio de realizadoras compiten en la Sección Oficial del Festival de Cine Documental de Cádiz

En las actividades paralelas tendrán presencia las asociaciones AAMMA y CIMA, además de la Fundación AVA y los ya tradicionales Desayunos con realizador@s

Cádiz, 6 de septiembre de 2016. La diversidad de género es una de las señas de identidad de Alcances, Festival de Cine Documental de Cádiz, y en esta 48ª edición la sección oficial programa 12 obras dirigidas por mujeres entre las 38 que compiten por la Caracola al Mejor Documental de Alcances 2016. En porcentaje, este 31% de directoras, añade diversidad de género a esta nueva edición del festival, encendiendo una luz en un sector artístico dominado por hombres y en un momento en el que el machismo es una preocupación social.

Cartel Alcances 2016

Cartel Alcances 2016

Las mujeres realizadoras tendrán asimismo presencia en las actividades paralelas de Alcances. Mercedes Moncada (Sevilla, 1972), directora de ‘Mi querida España’, ofrecerá una masterclass dentro del ciclo ‘Mujeres que documentan el mundo’, organizado por AAMMA (Asociación Andaluza Mujeres Medios Audiovisuales). La realizadora partirá de la tesis “quien domina la narrativa, domina el mundo”. La cita será el martes 13 de septiembre a las 12:30h. El ciclo también acogerá una mesa de experiencias, ‘La mirada visible’, moderada por Gema Otero, vocal de AAMMA, y May Silva, directora de la Fundación AVA, en la que participarán Helena Madico y Lorenzo Benítez, realizador y guionista respectivamente de ‘Madres Invisibles’, -documental que inaugura Alcances-, además de María Zafra y Raquel Marques que compiten en la sección oficial con su mediometraje ‘Arreta’ (martes 13 a las 18h.). En la misma cita se presentará el libro ‘Hombres para el siglo XXI. Semblanzas de hombres feministas’, a cargo de Manuel Buendía Castiñeira, miembro de la Asociación de Hombres para la Igualdad de Género.

Por su parte, CIMA, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, organiza en Alcances (viernes 16, a las 18h) una exposición del trabajo comprometido en favor de la igualdad de género que desarrollan la Fundación Municipal de la Mujer y de CIMA, que irá acompañada de la proyección de la película documental ‘Chicas Nuevas, 24 Horas’ de la directora Mabel Lozano con un coloquio posterior.

Más actividades paralelas

Entre las actividades paralelas de Alcances, un año más el festival es fiel a los Desayunos con realizador@s, en donde cada mañana a las 11h. los y las documentalistas presentes en Cádiz montan tertulia en el Centro Integral de la Mujer (Sede de Alcances, Plaza del Palillero) sobre los documentales que han visto el día anterior. Esta actividad, una de las preferidas por los alcanceros, cumple así con la intención de convertir Alcances en un centro neurálgico del documentalismo español, al hacer que los talentos de nuestro cine, muchos de ellos jóvenes que se refugian en la no ficción, tengan en Cádiz su punto de encuentro.

Por su parte, la Comunidad Audiovisual Cinecadiz presentará en Alcances el cortometraje ‘EE.GG. Elecciones Generales’ (jueves 15 a las 19h), en un acto en el que intervendrán Paco Rodríguez, director y guionista, y los actores Jay García y Lina Moll.

La Fundación Audiovisual de Andalucía (AVA) presentará un año más en Alcances sus próximas actividades (miércoles 14 a las 13h), que pasan por el acuerdo de la Fundación con la Universidad de Cádiz (UCA) a través de proyectos y talleres en el marco de la IX Muestra del Audiovisual Andaluz en Cádiz 2016. La presencia en Alcances de la Fundación AVA culmina con la presentación de la Guía del Audiovisual-TIC, una herramienta pionera que se actualiza desde 2002 y que supone una carta de presentación para quienes integran este sector.

Por último, Alcances también acogerá entre sus actividades paralelas la presentación de Surfari Film Festival (12 de septiembre, 13 h), que se celebra en Conil entre el 23 y el 25 de septiembre; además de la presentación del libro ‘La piel quemada. Cine e inmigración’, con la presencia de su autor, el periodista Eduardo Moyano (Miércoles 14 de septiembre,19h)

Todas las actividades paralelas tendrán lugar en el Centro Integral de la Mujer, sede de Alcances.

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Festival de Cine Africano 2016 (FCAT)
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Pedrortega | 27-04-2016 | 08:01| 0

Setenta películas construirán un puente de diálogo entre las dos orillas del Estrecho. El festival se celebrará simultáneamente en Tarifa y Tánger del 26 de mayo al 4 de junio

Tarifa (Cádiz), 26 de abril de 2016.- Un total de 70 películas construirán un puente de cine entre ambas orillas del Estrecho de Gibraltar, Tarifa y Tánger, en la primera edición transfronteriza del Festival de Cine Africano (Tarifa), que se celebrará dentro de un mes, del 26 de mayo al 2 de junio.

El FCAT será el puente de cine que comunicará ambas ciudades "en un espacio geográfico con connotaciones únicas como es el Estrecho", ofreciendo "una programación centrada en los cines de producción africana o sobre África", según ha explicado la directora del FCAT, Mane Cisneros.

Ambas orillas del Estrecho compartirán la programación a competición, además de una selección de títulos realizada por la Cinémathèque de Tanger, sede del FCAT en Tánger, entre la programación general.

Ya está disponible la venta anticipada de abonos del festival al precio de 20€, con un descuento del 20% sobre el precio de taquilla. Los abonados tendrán acceso a descuentos especiales en la compañía de ferrys FRS para los traslados a Tánger. Así mismo, habrá descuentos con Renfe en la línea Madrid-Algeciras.

Secciones

La programación, compuesta en su mayoría inéditas en España, se distribuirá en un total de siete secciones, dos secciones competitivas y otras cinco fuera de competición. Las secciones competitivas serán ‘Hipermetropía’, para largometrajes de ficción y documentales; y ‘En Breve’, para cortometrajes tanto de ficción como documentales.

Además, contará con otras cinco secciones no competitivas: ‘AfroScope’, que comprenderá una selección panorámica de películas acerca de las realidades africanas contemporáneas; ‘África en Ritmo’, que presentará obras sobre la danza y la música africana; o ‘Tánger, la perla del Norte’, que englobará títulos sobre la ciudad de Tánger. La Cinémathèque de Tanger ha sido la encargada de elaborar esta selección de filmes que se proyectarán en Tarifa.

Además, se podrán ver historias acerca de ambas orillas del Estrecho dentro de la sección ‘Estrechando’. Una nueva sección centrada en el ‘Cine Etnográfico’ recogerá el fruto del trabajo realizado en colaboración con estudiantes de la facultad de Antropología de la Universidad de Sevilla.

Actividades paralelas

Como siempre, las proyecciones de cine se acompañarán de actividades paralelas y de participación ciudadana que incluirán actividades con escolares dentro del Espacio Escuela; o Aperitivos de cine, encuentros entre cineastas, público y medios de comunicación en un ambiente distendido.

No faltará la formación sobre cine africano con ‘El Árbol de las Palabras’, destinada a programadores de cine y a todo aquel que quiera saber más sobre las cinematografías de África.

También se realizará un taller de radio FCAT con escolares de Tarifa y de Tánger, la Radio de las Dos Orillas, un proyecto que durante el festival unirá a través de las ondas las ciudades de Tánger y Tarifa. Y la Aldea Africana será un espacio en el que las familias podrán disfrutar de actividades participativas en un espacio lúdico y pedagógico.

Por último, con el regreso del FCAT a Tarifa volverán también las Noches del Festival para concluir las intensas jornadas de cine en torno a la música en los numerosos locales tarifeños que se suman al evento.

Fotografía africana

El cartel de la decimotercera edición del FCAT vuelve a rendir homenaje a la obra de fotógrafos africanos en su vuelta al Estrecho. En esta ocasión, el cartel está basado en una fotografía del artista nigeriano Andrew Esiebo (Lagos, 1978). En la pasada edición, el cartel del FCAT 2015 ya se basó en una obra del fotógrafo Manolo Yllera perteneciente a una serie homenaje al fotógrafo maliense Seydou Keïta (1921-2001).

Esiebo es un joven fotógrafo de proyección internacional, cuya obra plasma la cotidianidad de su país con una estética realista, en la que priman los contenidos sociales y culturales tratados con una visión llena de sensibilidad.

La directora del FCAT, Mane Cisneros, señala que los nuevos fotógrafos africanos "se sirven a menudo de su arte para cambiar la imagen del continente, del que se difunde una imagen sesgada". Un objetivo que comparte la organización del festival, que "trata de abrir una ventana a las distintas áfricas que existen ofreciendo una visión más ajustada a la realidad del continente". "Eso no significa que el hambre, la pobreza, la desesperación no existan… pero África es mucho más", apostilla Cisneros.

Amplios apoyos

El FCAT cuenta con el apoyo principal del ayuntamiento de Tarifa y de Tánger, de la Diputación de Cádiz, de la Wilaya de la Región Tánger-Tetuán-Alhucemas y de la APDN (Agencia para el Desarrollo de la Región Norte de Marruecos).

Así mismo y a día de hoy, apoyan el FCAT la Cooperación Española (AECID), el programa de formación ACERCA y la FIIAPP y Aqualia, como patrocinadores principales. A ellos se suman Chaabi Bank España y la Fundación Chaabi Bank y la Fundación Tres Culturas del Mediterráneo.

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Sobre el autor Pedrortega
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