Diario Sur
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Enrique García: Pacto
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Pedrortega | 13-03-2017 | 13:38| 0

Enrique García

Nació en Málaga en 1971. Desde 2007 es profesor de Historia de la Imagen Gráfica y Edición Audiovisual en EADE University of Wales. Durante quince años ha sido colaborador en diferentes periódicos. En su trayectoria como director de cortometrajes cuenta con más de cuarenta premios nacionales e internacionales. Con 321 días en Michigan, su primer largometraje como director, obtuvo numerosos premios. Acaba de terminar sus proyectos Resort Paraíso y Maniac Tales. The Perfect Moment.

Filmografía

Maniac Tales (“The Perfect Moment” segment), Resort Paraíso, 321 días en Michigan, Objetivo Violeta, Napoleón, Malabestia, 2000 rieles & 4 perras, Contar Conmigo, Dormirán, Tres razones, En Portada Cómics, CineMálaga 2009, La Corporación, Elena & Rebeca, Reflejo Roto, Sobre ruedas, El Juego de Pedro.

Sinopsis

Unos jóvenes que se conocen a través del whatsapp quedan para suicidarse juntos. En el último momento, una de las chicas se arrepiente y consigue escapar.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Desde la Escuela de Teatro de Málaga nace la oportunidad de rodar dos cortometrajes, Dylan Moreno, director de la escuela, me propone buscar textos para cortometrajes con lo que hicimos una convocatoria en redes sociales buscando un texto que puediera dar cabida a los perfiles de los alumnos de la Escuela. Decidimos rodar ‘Titanic Jarl’, una alocada comedia con Álvaro Carrero y saltamos de género con ‘PACTO’, un relato que nos llegó del norte, firmado por el guionista Guillermo Estrada.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

PACTO va sobre los errores de la inercia, los miedos a sentirse excluido de un grupo social, la soledad, la incompresión, el miedo a tus propios miedos…

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

El saltar de género y jugar con las reglas del terror psicológico. Es un cortometraje que no tiene una sola línea de diálogo hasta pasada la mitad de la historia y eso es puro cine. Además el tratar con una futura generación de actores malagueños ha sido un incentivo muy potente.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El principal, obviamente, ha sido la decisión de Dylan Moreno de ofrecer a los amlumnos de la Escuela la posibilidad de rodar dos historias (una comedia y otra de terror) para el lucimiento de los actores que se forman en la Escuela de Teatro. El otro apoyo indicutible ha sido la actriz Virginia DeMorata, profesora de interpretación ante la cámara que se convirtió en el apoyo de cada alumno cada vez que se ponían ante la cámara, algunos con nervios, otros con dudas… Ha sido crcucial su trabajo.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Trabajar con jóvenes que en la mayoría de los casos no habían interpretado antes ante la cámara. El tiempo… o la falta del mismo, tuvimos tres días para rodar dos cortometrajes de una gran calidad cinematográfica.

 

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Eso es algo que corresponde al bolsillo de Dylan moreno y a la fe que tenía en que sus alumnos podían participar en cortometrajes competitivos por toda España. El Festival de Málaga ha sido nuestro primer envío y aquí estamos seleccionados.

 

Preséntanos a los actores.

Pues es un reparto muy coral: Son los alumnos de la Escuela de teatro de Málaga María Rubio, Álex Díaz Rey, Ana Cañete, Adria´n vereda, María Martínez Falero, Laura Vil y Jose Fernández.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Trabajar con el dire de foto Juae Martín ha sido una VERDADERA PASADA, es un pintor de texturas ante la cámara, y una persona resolutiva y muy muy currante. Muy positivo con todo el equipo. Un descubrimiento. El sonido ha corrido a cargo de Jesús Romero, salido de School Training, un crack. Mamme Hilario en el vestuario, con quién ya había trabajado en mis dos largos. Y un gran descubrimiento ha sido la música, compuesta en tiempo record y con mucho arte y calidad por ISOLDA MUSIC LAB, compuesto por Paco Manzanares y Javier Trabalón. María Flores, alumna de la escuela se ocupó del maquillaje y la peluquería. Y Antonio Fernández, un viejo colaborador de los tiempos de los cortos se unió al equipo a última hora.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Bueno… la más destacada y secreto guardado por todo el equipo es que debemos el haberse rodado este corto a Nico Aguado, eléctrico del equipo que nos cedió la furgoneta de los protagonistas, y que hizo funciones de superhéroe en algún momento del rodaje. y la profesionalidad y paciencia de mis jóvenes intérpretes de la Escuela.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Montamos a toda prisa para llegar a la preselección del Festival de Málaga por lo que hubo un “todos a una” que define mucho la camaradería que imperó delante y detrás de la cámara. Háblanos de la banda sonora. Paco manzanares y F. Javier Trabalón llegaron con ISOLDA MUSIC LAB de carambola, preguntándome por facebook por otro proyecto que surgió de forma inesperada y tras escuchar susbrillantes demos y su entusiasta actitud entraron en el equipo de PACTO con referencias tan distintas como Philip Glass o Howard Shore. Unos fenómenos a tener en cuenta.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

La frescura de sus intérpretes. La angustia que provoca en el espectador los primeros minutos de la proyección.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De la creación de ese tempo. Sin música, ni diálogos.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que tome aire y entre a disfrutar de una nueva generación de actores malagueños.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Un espaldarazo para los jóvenes y para la Escuela de Teatro de Málaga que demuestra que la formación audiovisual de sus intérpretes es muy importante. Con el rodaje de estos dos cortos lo ponen de manifiesto… Y los que vienen.

 

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Siempre. Se es narrador o no se es. Y si se es, eres narrador hasta el fin de tus días.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

El primer paso ha sido el Festival de Málaga, en cuanto veamos el resultado sumamos al pack la comedia ‘Titanic jarl’ y empezamos su distribución por toda España.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Las cámaras con las que rodamos ahora no son las mismas con las que empezabamos en el formato vídeo. Ahora imprimimos mucha calidad estética a los trabajos que se realizan. Lo que hay que conseguir es un equilibrio entre calida técnica, calidad artística y el interés que debe de suscitar dichas obras.

 

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Fran Kapilla: Matryoshka
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Pedrortega | 10-03-2017 | 16:42| 0

Matryoshka es un cortometraje malagueño basado en una aventura del espacio durante los años ochenta. Es un cortometraje rodado en lengua rusa (en palabras de la Embajada Rusa:“el máximo representante de un cine hispano ruso actual”) y materiales aeronáuticos reales.

Para ello contaron con la ayuda de actores rusos, asesores de esta lengua y diversas asociaciones culturales rusas. El detalle de realismo espacial es alto y meticuloso; los más exigentes en temas científicos quedarán satisfechos. La Sociedad Astronómica malagueña también ha colaborado con un aporte único en este proyecto.

Se ha contado con la ayuda coleccionistas de la aviación; el resultado de esta producción es sofisticado, científicamente documentado y artísticamente potente. Rodado en tecnología 4K, Dolby 5.1 y con efectos especiales que recrean la ingravidez.

 

 

Fran Kapilla

Fran Kapilla es guionista y director de cine, de origen valenciano afincado en Málaga. Desde muy joven se vio influenciado por el cine: sus padres abrieron el primer canal de televisión local en Beas de Segura, regentaban videoclubs en Jaén y Alicante, y una filmoteca de cine español en París;2 en los que a Fran Kapilla le gustaba colaborar. En adelante, comienza su formación como cineasta.3 Entre 2005 y 2006 estudia “Dirección y Guión de Cine y TV”, en Valencia. En 2006 estudia “Dirección de Cortometrajes” en Benidorm. En 2008 obtiene el certificado profesional de “Operador de Equipos de Televisión”, en Málaga. En 2010 obtiene el título oficial de “Técnico Superior en Imagen”, en Málaga.

Filmografía

Matryoshka (corto, 2017), Miguel de Cervantes en Vélez-Málaga (documental, 2015), Las hijas de Danao (2014), El pequeño doctor (corto, 2013), IDUS (videocreación, 2013), Nosotros seremos libres (corto, 2011), Pasaporte, por favor (corto, 2011), La ciudad inclinada (corto, 2010), Na-Da (corto, 2010), Aléjese del área (corto, 2009)

Sinopsis

Primera misión espacial con dos mujeres al mando. Las cosmonautas soviéticas Svetlana y Katyusha deberán afrontar momentos agónicos en el accidente de la nave orbital “Matryoshka”. Soledad, agonía, ingravidez, los ordenadores no funcionan y tienen pocosminutos antes de que todo explote.

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Surge como de costumbre, de una mezcla de ideas: yo estaba empezando a idear una historia de supervivencia en un momento crítico; también quería salir de los tópicos de usar a la mujer como mero hacia el héroe de turno. Es algo que incluso en el cine más actual sigue ocurriendo. Por eso me dije que debían ser dos mujeres las protagonistas, partiendo del famoso intento de la Unión soviética por establecer tanto a hombres como mujeres cosmonautas. En mi idea original tenía planteado varios escenarios: un submarino o una nave espacial rusa como escenarios de esa historia de supervivencia.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Pues en Matryoshka te vas a encontrar acción inevitablemente por el accidente en sí de la nave. También podría decir que vas a encontrar aventuras por la situación límite. Es como aquellas películas de desastres en barcos o aviones donde los protagonistas buscaban la forma de salir del lugar. También vas a encontrar mucha terminología científica y mucha dosis de veracidad, todas las pantallas son reales, las hemos animado nosotros y colocado en monitores, partiendo desde esquemas auténticos. La nave espacial está construída a escala real partiendo de diferentes diseños de “Soyuz” rusa a lo largo de los ochenta. Y los cálculos matemáticos que se ven, son una hipótesis planteada por la Sociedad Malagueña de Astronomía.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Pues desde el punto de vista científico, puedo decirte que me encanta la astronomía y todo su mundo. Desde el punto de vista cinematográfico, es porque hice un sondeo entre mis contactos y vi que podíamos conseguir material soviético del espacio, acceder a la Sociedad Malagueña de Astronomía, acceder al Museo del aeropuerto de Málaga y a muchos aparatos antiguos del almacén de la Universidad de Málaga que han sido reconvertidos. Desde el principio supimos que se iba a rodar en ruso, no sólo por ser históricamente acertado (por los pioneros de la astronáutica) sino porque me apetece abrirme más hacia el este que hacia el oeste, donde coincidimos con pensamientos artísticos y críticos.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El principal pilar para nuestra “Matryoshka” es el equipo humano, como bien sabes, algunos técnicos de cine y otros personas que nunca se habían acercado al cine pero que han tenido un peso importante, sobretodo en las traducciones y adaptaciones del español al ruso (al ruso de los ochenta con terminos científicos), eso costó muchas reuniones y puntos de vista. Las personas es lo más sagrado en cualquier producción. Pero también hemos de agradecer al Museo del Aeropuerto de Málaga, a la Universidad de Málaga, al Limonar 40, a la Sociedad Malagueña de AstronomÌa y el club de ajedrez de Miraflores.

 

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Pues sobretodo fue el de construir la escenografía. Cualquier persona puede disponer de un traje de cosmonauta si lo busca, pero disponer de un nave espacial es algo muy difícil. Nosotros no hemos tirado de chromas ni fondos oscuros o difuminados; nuestra nave está construída y fue un reto. El primer módulo se construyó durante tres meses de trabajo diario, en las instalaciones del aeropuerto. Estaba lleno de cables, aparatos, pantallas, íbamos siguiendo los esquemas de las famosas “Soyuz”, y con sierras de calar, madera, metal, ordenadores y elementos de aviones, lo hicimos. El segundo y tercer módulo fueron más rápido, una semana mas o menos, facilitaba mucho el que no tuvieran ordenadores interactivos y sabíamos ya cómo ir más aprisa. Fue el requisito que más tiempo nos llevó, construir antes de rodar.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Ha sido una tarea extra, la de encontrar financiación privada. No tuvimos la suerte de contar con ayudas institucionales que confiasen en nuestro producto. Suele pasarme cuando les presento proyectos que a priori parecen titánicos pero luego la realidad demuestra que con mucho, muchísimo esfuerzo salen adelante. En este caso el principal productor ejecutivo Ángel Madrid, confió en “Matryoshka” y luego también los rusos de las asociaciaciones culturales en Granada y Marbella pusieron su granito de arena en cuanto a logística y forma de movernos por sus círculos.

 

Preséntanos a los actores.

Las dos actrices protagonistas; María Ivanova y Oksana Hrihorash son las que dan vida a las dos cosmonautas: Svetlana y Katyusha. Son dos actrices ruso-españolas que viven en nuestro país pero que han pasado gran parte de su vida y proyectos en Rusia, Bulgaria y Ucrania. Cuando hice el casting tenía claro que si rodaba en ruso tenía que buscar a actrices que tuvieran esta lengua natal de un modo fluido, además tenían que ser fuertes, estar en forma por las condiciones del sistema de simulación de ingravidez. Después de una selección, encontré a dos actrices que me gustaban como interpretaban y que podrían funcionar muy bien. También hay unos papeles secundarios, como para nuestro malagueño Eduardo Duro, que es un actor que me gusta mucho y del que creo que se puede sacar mucho. Eduardo hace de un profesor de ajedrez que ofrece enseñanzas sabias, además en ruso. Para aprender su texto tuvo que asistir a clases de ruso durante dos meses, hasta poder decir con soltura sus párrafos. De la misma manera, Pierre Vives es un actor franco-español que vive en Alicante. Interpreta a un padre que enseña a su hija desde un momento del pasado. Y otro malagueño más, es Ángel Rubio, que aunque tiene un papel muy pequeño (se lo agradecemos infinitamente la colaboración), hace de ese tercer cosmonauta a modo representativo.
Luego las niñas Laura Robles Becerra y Paula Garrido Tickhonova, que han interpretado a las dos cosmonautas cuando eran niñas. Lo hicieron fenomenal.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

El equipo técnico ha funcionado muy bien. Desde el principio se ilusionaron con el proyecto y les gustó mucho mis ideas sobre la historia, la ingravidez, la nave, etc. Ellos ayudaron a construir la nave, a diseñar el traje, a la comodidad de las actrices en el sitema de ingravidez, a recrear la atmósfera espacial, etc. Han sido personas muy implicadas hasta el final que han creido en “Matryoshka” y han luchado porque salga a la luz sin importar los obstáculos. Entre las personas del equipo quiero destacar a Escarta Godiri, que ha sido la dialoguista del guión, Juanma Postigo como director de fotografÌa, Laura García como asistente de dirección, Salva Ríos como jefe de producción, Ángel Madrid como diseñador de la escenografía, Lucía Violino como la compositora musical, Elise Tandé como directora de arte, Dani Díaz Santana como auxiliar de fotografía, Isra Fernández como cámara, Frank Demur como técnico de sonido, Jose Ojeda como infografista 3D, Katy Navarro como caracterizadora, Juan Antonio Álvarez y Alberto Castellón como principales asesores desde la Sociedad de astronomía y como asesores de cultura y lengua rusa tenemos a mucha más gente como: Elena Tickhonova, Yulia Kotova, Yulia Melkinova, Yulia Vorovyova, Alekk Saanders y Elina Arustamyan.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Quizá la ventilación del casco de cosmonauta. El casco es hermético y aunque no lo cerrábamos del todo, su material interno está hecho para almacenar un gran calor. Con lo cual, las actrices empezaban a sudar rápidamente y a quedarse sin aire. Inventamos un sistema de ventilación a través de los tubos originales que funcionaban, sin embargo, se oía el tránsito del aire en los micrófonos. Tampoco valían de nada los micrófonos externos al casco porque su material impide oir apenas a la actriz; así que recurrimos a trabajo contínuo de quitarle el casco cada dos minutos, coger aire, desempañarlo, secarle el sudor y volver a colocarlo. Así durante todo el rodaje, habremos puesto y quitado el casco quinientas veces; Salva Ríos y Laura García se hicieron expertos en dominar el sistema de cierre (que no es sencillo). Fue la única solución para sacar un sonido limpio.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La pieza clave de la postpo ha sido el retoque digital, para poder eliminar los elementos de sujección de las actrices y simular la ingravidez. También la creación de todas las escenas exteriores que transcurren en el espacio, para ello, el infografista tuvo que crear el modelo 3D tal como yo lo tenía dibujado, le dio vida, luz, volúmen… y después animarlo todo. En ese sentido he trabajado estrechamente con Jose Ojeda, el infografista; yo me dediqué al retoque digital, a borrar elementos y crear otros, como los fondos: el planeta, las estrellas, el sol, los reflejos, los destellos, todo animado en 4K.

 

 

Háblanos de la banda sonora.

Está compuesta por Lucía Violino de un modo exquisito y muy dedicado. Está realizada al detalle, imagen tras imagen que casan perfectamente con su música. Yo le di mis sugerencias sobre lo que me gustaba y lo que no, lo que me inspiraba y cómo la había imaginado. Lucía aceptó mis sugerencias en un porcentaje pero la mayoría es de ella, su composición es maravillosa y estoy muy contento del resultado. Es una auténtica profesional.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Lo que más me gusta es el mensaje en su conjunto, el de superviviencia, el mensaje humanista, la unión de fuerzas de mente humana contra ordenador. La amistad. Los sentimientos que provocan en su conjunto. Creo que es lo mejor.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Estamos muy contentos con nuestra selección en el Festival de Málaga, porque es una forma de hacernos un hueco en nuestra ciudad, la que ha visto parir este proyecto, desde donde han surgido todos los procesos creativos de “Matryoshka”. Nuestro cortometraje tiene muchos elementos tecnológicos, habla del espacio, la lengua es rusa… pero sin embargo es un producto artístico íntegramente malagueño. Por eso es importante (y nos sentimos orgullosos) de poder encontrar ese hueco en el Festival de Málaga.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Merece la pena. Pienso que aunque el esfuerzo es enorme, porque muchas veces intentamos competir contra un mercado que no ya grandes productoras españolas sino que otros países extranjeros dominan preminentemente, aunque intentamos coexistir con mucho esfuerzo merece la pena. La recompensa más importante es la de comunicar un mensaje, al fin al cabo, el cine antes que industria es un medio de comunicación también. Un cortometraje no es un producto fácilmente vendible, más bien es un producto artístico para exponer, por eso, cuanto más se vea mejor y si es así habrá cumplido su objetivo.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

Actualmente estamos distribuyendo por varios festivales de cine internacionales, quedan muchos por salir porque casi todos están aceptando inscripciones, así que durante los próximos meses sabremos en cuales encaja “Matryoshka”. Quizá lo más llamativos (a fecha de hoy) son las confirmaciones de San Petersburgo y del festival de Nueva York para el 2017. También estamos intentando entrar en el festival de cine de la NASA (si se celebra una nueva edición de este extraño festival).

 

 

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Adrián Ramos y Oriol Segarra: Una china en el zapato
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Pedrortega | 10-03-2017 | 15:18| 0

Adrián Ramos, Oriol Segarra

Adrián Ramos y Oriol Segarra nacieron en Málaga en la década de los ochenta. Se trasladaron a Madrid para estudiar dirección cinematográfica en la escuela TAI. En 2006 crean Cretino Films, la plataforma desde la que llevan a cabo sus proyectos. Sus trabajos han cosechado diversos premios tanto nacionales como internacionales, entre los que cabe destacar el Gran Premio del Jurado y el Premio a la Mejor Dirección Artística en la 12ª edición del Notodofilmfest por El Alpinista.

Filmografía

Una china en el zapato (corto, 2017), Screener (corto, 2015), Tus muertos (corto, 2015), Ramiro (corto, 2014), El alpinista (corto, 2014), Polleros y tánatos (corto, 2013), Fritanga (corto, 2012), Competición (corto, 2011), Ritmosis (corto, 2010)

Sinopsis

Feng es un joven chino que trabaja vendiendo latas de cerveza en las calles de Madrid. Cada noche, antes de ir a trabajar, se coloca debajo de la foto de Lili, su difunta esposa, la nota de suicidio que dejó y una piedra de jade. Una noche recibe desde China una llamada de la madre de Lili: su hija se le ha aparecido y quiere hablar con Feng para contarle algo muy importante.

 

Adrián Ramos y Oriol Segarra: Una china en el zapato

 

¿Cómo nace el proyecto?

Nace de las ganas de contar una historia con elementos que nos son ajenos, como el drama, el idioma chino y la temática social, e intentar llevarlos a nuestro terreno.

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Trata sobre un personaje torturado por su pasado, que ha tirado la toalla y ha decidido autodestruirse. Pero la vida ¿o tal vez la muerte? le da una segunda oportunidad.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que os llevó a dirigir una historia como ésta?

No hubo una motivación concreta, sencillamente la historia surgió así cuando nos sentamos a escribirla. Aunque hay que decir que nos atraía la idea de hacer una historia diferente con un personaje que normalmente es retratado desde el realismo social o el cine de denuncia, alejarnos de ese enfoque. Nos parecía interesante la idea de que un vendedor de latas chino protagonizara una historia de fantasmas.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Nos concedieron la ayuda a la creación en el Festival de Málaga y eso nos sirvió para poner en marcha el cortometraje. Pero el apoyo de Carmela M. Oliart y Félix Tusell, de Estela Films fue fundamental, sin ellos no habría podido materializarse el corto.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuvisteis que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Casi la totalidad del rodaje tuvo lugar de noche, en el centro de Madrid, y para colmo en plena Navidad. Queríamos que el corto respirase autenticidad, esperamos haberlo conseguido.

Súmale a todo eso que decidimos rodar casi todos los planos con una bodycam, un dispositivo bastante aparatoso que el propio actor llevaba encima y que inevitablemente llamaba la atención de la gente con la que nos cruzábamos, muchos de ellos borrachos.

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Está financiado gracias a la ayuda del festival de cine de Málaga, una pequeña parte de inversión privada y la colaboración de la ECAM.

 

Preséntanos a los actores.

El actor principal es Marcos Zan. Era la persona ideal para el papel, en el que además de interpretar tenía que acarrear con la cámara. Marcos además de un excelente actor, habla chino y tiene experiencia como steady y bailarín. Tuvo una infinita paciencia con la bodycam, que pesaba una barbaridad y que llevó casi todo el rodaje a cuestas. Ah, y es medio malagueño.

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

El equipo técnico está formado por nuestros colaboradores habituales, gente a las que confiaríamos nuestra vida. Empezando por Luis Ángel Pérez, nuestro director de foto, que se enfrentó al enorme reto que supone rodar en las calles madrileñas de noche, casi sin apoyo de iluminación, y consiguiendo que aún así el corto tenga un estilo muy marcado. También hay que destacar a Toni Catalá, el cámara, que tuvo que hacer malabarismos con Marcos, el actor, y la bodycam para conseguir que los planos que le pedíamos.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Hay tres piezas claves en la postproducción: una es Xavi Fortino, nuestro montador, al que tenemos acostumbrado a planificaciones muy pensadas y que en esta ocasión tenía el reto de dar forma al montaje a partir de largos planos secuencia. Rodamos casi todas las escenas en uno o dos planos secuencia.

Otra es Alberto Cayuela, el etalonador, un maestro del color capaz de dar atmósfera a cada escena. Es una parte del proceso que nos apasiona, y en la que se toman decisiones que no solo son estéticas, sino narrativas. 

Y finalmente Maiki Calvo, que lleva años a nuestro lado, que diseñó un sonido acorde a las imágenes, aportando ideas y reconstruyendo de la nada el sonido de muchos planos.

 

Háblanos de la banda sonora.

La banda sonora es de nuestro colaborador habitual, Luis Ramos, también malagueño, amigo de toda la vida. Luis es un genio capaz de componer una banda sonora oscura y minimalista que le va como anillo al dedo al corto. También compuso un tema heavy muy potente y un tema romántico que haría llorar a una máquina.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Para nosotros es complicado verlo como espectadores, estamos demasiado cerca. Pero nos sentimos satisfechos, especialmente con el efecto conseguido con la cámara, que era justo lo que buscábamos cuando decidimos pegarnos a la piel del personaje. Y muy orgullosos de Marcos Zan, nuestro protagonista.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

La mayor satisfacción es haber conseguido plasmar en imágenes una historia que se sale de nuestras propuestas habituales y que funcione. Tenemos muchas ganas de proyectarlo, a ver cómo lo recibe el público.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Van a ver cine oriental, drama social, una historia de fantasmas. Todo en uno.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Nosotros somos de Málaga y es el tercer cortometraje que traemos al festival. Para nosotros y nuestro equipo es una alegría. Y siempre hace ilusión que vengan a verlo familiares y amigos.

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Para nosotros, sí. Sin dudarlo. No hay mejor vida que la que te da el cine y nuestro sueño es seguir haciéndolo todo lo que podamos.

 

¿Qué nos puedes contar sobre de su distribución?

El corto lo distribuye la Agencia Freak. Esperamos que viaje mucho y que llegue al mayor número de espectadores posibles.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Hay mucha gente talentosa haciendo cortos, multitud de festivales y da la impresión de que cada vez hay más difusión. Pero el cortometraje, por desgracia, no deja de ser un producto minoritario y hecho por amor al arte. Ojalá los programaran más en la televisión y en las salas de cine.

 

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Fali Álvarez: Tu madre es una flor
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Pedrortega | 10-03-2017 | 12:15| 0

Fali Álvarez

Nació en Algeciras. Tras dirigir varios cortos de bajo presupuesto y una serie de animación, se inicia en la dirección de cortos. Es fundador de la productora Plano Subjetivo junto a Vladimir Ráez e Hipólito Vidal.

Sinopsis

Adriana es una niña de siete años que vive en el campo con su padre. Este siempre le contó que su madre es una flor, pero Adri ya duda de esta historia. Hoy es su cumpleaños, y que mejor regalo que conocer la verdad.

Filmografía

Tu madre es una flor (corto de animación, 2016), Un día de estos (corto, 2013), Psychoterapia (corto, 2012), Free Time Machine (corto, 2010), Ni mú (corto, 2009), Pompas de jabón (corto, 2008)

 

 

¿Cómo nace el proyecto?

Nació hace unos años, con la necesidad de contar historias sociales que pudieran funcionar sin caer en tópicos. Recuerdo que tuve el flash mental de una mujer disfrazada de flor cantándole a su hija, se lo comenté a Vladimir (el guionista) que comenzó a desarroyar el guión. Mientras, empecé a dibujar los bocetos de los personajes que después cobrarían vida en el corto. El guión era maravilloso y nos pusimos manos a la obra.

 

 

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

Trata del amor de un padre por su hija, que hace todo lo posible por enmascarar una triste realidad, pero claro, ya sabemos que los niños no son tontos.

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

La originalidad de la obra, la mezcla entre drama, folclore… y que, en definitiva, se trata de un bonito cuento.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Ninguno. De hecho la animación nació como un story Board animado para realizarlo con actores reales. Ya teníamos a los actores, escenarios… todo, pero fue imposible encontrar el dinero para producirla así. Durante este proceso, vimos como la animación funcionaba por sí misma y a la gente le gustaba, así que decidimos dejarla como está, muy humilde pero perfecta para la historia.

 

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Principalmente crear una animación que fuese muy sencilla, que visualmente pareciera infantil, pero que pudiera transmitir emociones reales. Trabajar con niños sabemos que tampoco es fácil, y prefería una niña real que una locutora profesional.

 

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Se intentó todo como he dicho para que la producción fuese mejor. A falta de ésto sólo queda tirar de pasión y de amigos.

 

Preséntanos a los actores.

Tenemos dos personajes que son el eje del proyecto.

La primera, la madre, tiene la voz de mi propia hermana, Ana Álvarez. No es actriz, simplemente tiene mucho arte, como tantos andaluces. Hay una parte que tiene que cantar y todo esto poniendo una voz que realmente no es la suya. Francamente me dejó boquiabierto. Una vez veáis la obra vereis que no se puede hacer mejor.

El segundo pilar es la niña, y está interpretado por Sara Godino. Era la primera vez que locutaba algo, pero esa voz tan dulce y tan real le otorga al personaje animado un toque de dulzura fascinante. Es clave para que te llegue el mensaje porque te mete de verdad en la historia.

EL tercer personaje (el padre) tiene la voz del guionista, Vladimir Ráez. No es la primera vez que se presta a interpretar y me encanta. Quién mejor que él que ha escrito el texto para llevarlo a lo real. Como he dicho ya actúa en otros proyectos que tenemos juntos, pero sobre todo a raíz de nuestra webserie “Don Nadie”, ha demostrado un gran talento no sólo escribiendo, sino delante de la cámara.

 

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

Al tratarse de animación, prácticamente hemos pasado directamente de la preproducción a la postproducción. No ha sido fácil. Crear cada personaje tiene lo suyo, por muy sencilla que este tipo de animación pueda parecer. Otra pieza clave fue poner las voces, y ahí es donde comenzamos a ver el potencial del proyecto.

 

 

Háblanos de la banda sonora.

El gran pilar de la historia es una canción folclórica muy reconocida por todos; “Maria de la o”. Eso sí, con la letra cambiada como buenas raíces gaditanas y carnavaleras que tengo. La canción es lo primero que estaba en mi cabeza cuando se gestó todo.

Jahzzar es el encargado de poner música al resto de la historia, con una canción que transmite infancia. Descubrimos las canciones de este artista producciendo nuestra webserie y realmente tiene mucho talento.

 

Ahora que ya puedes ver el cortometraje terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Para mí, ese choque entre cuento y cruda realidad es lo que hace que sea un corto auténtico. Es una historia muy positiva y tiene esa magia que transmiten las personas soñadoras que hacen de lo malo algo bueno.

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Que la historia funcione así de bien, que llegue, que haga pensar, y todo esto usando sólamente una animación muy muy humilde y las voces de gente apasionada.

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que vea el cortometraje?

Que no le dejará indiferente.

 

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Málaga de Cine Español?

Una gran oportunidad para mostrar el corto a mucha gente y que se lleven un pedacito de él, aparte de la ilusión que hace ver a los actores reunidos y visionándolo con la gente en pantalla grande. En especial muchas ganas de verlo con Sarita,porque va a ser mágico.

 

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Por supuesto. No se me ocurre otra forma más gratificante de emplear mi vida.

 

¿Qué opinas del panorama actual del cortometraje en España?

Sigue siendo el mejor escaparate del mundo, puesto que pocos pueden hacer largometrajes y hay muchísimo talento. Hoy día, internet y la tecnología ha facilitado tanto las cosas que con esfuerzo, pasión y algo bueno que contar no es tan difícil que puedas tener un protecto sólido y a la altura de otros con más medios, y eso hay que aprovecharlo.

 

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Alcances mira a la mujer como narradora cinematográfica imprescindible
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Pedrortega | 07-09-2016 | 11:00| 0

Más de un tercio de realizadoras compiten en la Sección Oficial del Festival de Cine Documental de Cádiz

En las actividades paralelas tendrán presencia las asociaciones AAMMA y CIMA, además de la Fundación AVA y los ya tradicionales Desayunos con realizador@s

Cádiz, 6 de septiembre de 2016. La diversidad de género es una de las señas de identidad de Alcances, Festival de Cine Documental de Cádiz, y en esta 48ª edición la sección oficial programa 12 obras dirigidas por mujeres entre las 38 que compiten por la Caracola al Mejor Documental de Alcances 2016. En porcentaje, este 31% de directoras, añade diversidad de género a esta nueva edición del festival, encendiendo una luz en un sector artístico dominado por hombres y en un momento en el que el machismo es una preocupación social.

Cartel Alcances 2016

Cartel Alcances 2016

Las mujeres realizadoras tendrán asimismo presencia en las actividades paralelas de Alcances. Mercedes Moncada (Sevilla, 1972), directora de ‘Mi querida España’, ofrecerá una masterclass dentro del ciclo ‘Mujeres que documentan el mundo’, organizado por AAMMA (Asociación Andaluza Mujeres Medios Audiovisuales). La realizadora partirá de la tesis “quien domina la narrativa, domina el mundo”. La cita será el martes 13 de septiembre a las 12:30h. El ciclo también acogerá una mesa de experiencias, ‘La mirada visible’, moderada por Gema Otero, vocal de AAMMA, y May Silva, directora de la Fundación AVA, en la que participarán Helena Madico y Lorenzo Benítez, realizador y guionista respectivamente de ‘Madres Invisibles’, -documental que inaugura Alcances-, además de María Zafra y Raquel Marques que compiten en la sección oficial con su mediometraje ‘Arreta’ (martes 13 a las 18h.). En la misma cita se presentará el libro ‘Hombres para el siglo XXI. Semblanzas de hombres feministas’, a cargo de Manuel Buendía Castiñeira, miembro de la Asociación de Hombres para la Igualdad de Género.

Por su parte, CIMA, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, organiza en Alcances (viernes 16, a las 18h) una exposición del trabajo comprometido en favor de la igualdad de género que desarrollan la Fundación Municipal de la Mujer y de CIMA, que irá acompañada de la proyección de la película documental ‘Chicas Nuevas, 24 Horas’ de la directora Mabel Lozano con un coloquio posterior.

Más actividades paralelas

Entre las actividades paralelas de Alcances, un año más el festival es fiel a los Desayunos con realizador@s, en donde cada mañana a las 11h. los y las documentalistas presentes en Cádiz montan tertulia en el Centro Integral de la Mujer (Sede de Alcances, Plaza del Palillero) sobre los documentales que han visto el día anterior. Esta actividad, una de las preferidas por los alcanceros, cumple así con la intención de convertir Alcances en un centro neurálgico del documentalismo español, al hacer que los talentos de nuestro cine, muchos de ellos jóvenes que se refugian en la no ficción, tengan en Cádiz su punto de encuentro.

Por su parte, la Comunidad Audiovisual Cinecadiz presentará en Alcances el cortometraje ‘EE.GG. Elecciones Generales’ (jueves 15 a las 19h), en un acto en el que intervendrán Paco Rodríguez, director y guionista, y los actores Jay García y Lina Moll.

La Fundación Audiovisual de Andalucía (AVA) presentará un año más en Alcances sus próximas actividades (miércoles 14 a las 13h), que pasan por el acuerdo de la Fundación con la Universidad de Cádiz (UCA) a través de proyectos y talleres en el marco de la IX Muestra del Audiovisual Andaluz en Cádiz 2016. La presencia en Alcances de la Fundación AVA culmina con la presentación de la Guía del Audiovisual-TIC, una herramienta pionera que se actualiza desde 2002 y que supone una carta de presentación para quienes integran este sector.

Por último, Alcances también acogerá entre sus actividades paralelas la presentación de Surfari Film Festival (12 de septiembre, 13 h), que se celebra en Conil entre el 23 y el 25 de septiembre; además de la presentación del libro ‘La piel quemada. Cine e inmigración’, con la presencia de su autor, el periodista Eduardo Moyano (Miércoles 14 de septiembre,19h)

Todas las actividades paralelas tendrán lugar en el Centro Integral de la Mujer, sede de Alcances.

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Festival de Cine Africano 2016 (FCAT)
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Pedrortega | 27-04-2016 | 08:01| 0

Setenta películas construirán un puente de diálogo entre las dos orillas del Estrecho. El festival se celebrará simultáneamente en Tarifa y Tánger del 26 de mayo al 4 de junio

Tarifa (Cádiz), 26 de abril de 2016.- Un total de 70 películas construirán un puente de cine entre ambas orillas del Estrecho de Gibraltar, Tarifa y Tánger, en la primera edición transfronteriza del Festival de Cine Africano (Tarifa), que se celebrará dentro de un mes, del 26 de mayo al 2 de junio.

El FCAT será el puente de cine que comunicará ambas ciudades "en un espacio geográfico con connotaciones únicas como es el Estrecho", ofreciendo "una programación centrada en los cines de producción africana o sobre África", según ha explicado la directora del FCAT, Mane Cisneros.

Ambas orillas del Estrecho compartirán la programación a competición, además de una selección de títulos realizada por la Cinémathèque de Tanger, sede del FCAT en Tánger, entre la programación general.

Ya está disponible la venta anticipada de abonos del festival al precio de 20€, con un descuento del 20% sobre el precio de taquilla. Los abonados tendrán acceso a descuentos especiales en la compañía de ferrys FRS para los traslados a Tánger. Así mismo, habrá descuentos con Renfe en la línea Madrid-Algeciras.

Secciones

La programación, compuesta en su mayoría inéditas en España, se distribuirá en un total de siete secciones, dos secciones competitivas y otras cinco fuera de competición. Las secciones competitivas serán ‘Hipermetropía’, para largometrajes de ficción y documentales; y ‘En Breve’, para cortometrajes tanto de ficción como documentales.

Además, contará con otras cinco secciones no competitivas: ‘AfroScope’, que comprenderá una selección panorámica de películas acerca de las realidades africanas contemporáneas; ‘África en Ritmo’, que presentará obras sobre la danza y la música africana; o ‘Tánger, la perla del Norte’, que englobará títulos sobre la ciudad de Tánger. La Cinémathèque de Tanger ha sido la encargada de elaborar esta selección de filmes que se proyectarán en Tarifa.

Además, se podrán ver historias acerca de ambas orillas del Estrecho dentro de la sección ‘Estrechando’. Una nueva sección centrada en el ‘Cine Etnográfico’ recogerá el fruto del trabajo realizado en colaboración con estudiantes de la facultad de Antropología de la Universidad de Sevilla.

Actividades paralelas

Como siempre, las proyecciones de cine se acompañarán de actividades paralelas y de participación ciudadana que incluirán actividades con escolares dentro del Espacio Escuela; o Aperitivos de cine, encuentros entre cineastas, público y medios de comunicación en un ambiente distendido.

No faltará la formación sobre cine africano con ‘El Árbol de las Palabras’, destinada a programadores de cine y a todo aquel que quiera saber más sobre las cinematografías de África.

También se realizará un taller de radio FCAT con escolares de Tarifa y de Tánger, la Radio de las Dos Orillas, un proyecto que durante el festival unirá a través de las ondas las ciudades de Tánger y Tarifa. Y la Aldea Africana será un espacio en el que las familias podrán disfrutar de actividades participativas en un espacio lúdico y pedagógico.

Por último, con el regreso del FCAT a Tarifa volverán también las Noches del Festival para concluir las intensas jornadas de cine en torno a la música en los numerosos locales tarifeños que se suman al evento.

Fotografía africana

El cartel de la decimotercera edición del FCAT vuelve a rendir homenaje a la obra de fotógrafos africanos en su vuelta al Estrecho. En esta ocasión, el cartel está basado en una fotografía del artista nigeriano Andrew Esiebo (Lagos, 1978). En la pasada edición, el cartel del FCAT 2015 ya se basó en una obra del fotógrafo Manolo Yllera perteneciente a una serie homenaje al fotógrafo maliense Seydou Keïta (1921-2001).

Esiebo es un joven fotógrafo de proyección internacional, cuya obra plasma la cotidianidad de su país con una estética realista, en la que priman los contenidos sociales y culturales tratados con una visión llena de sensibilidad.

La directora del FCAT, Mane Cisneros, señala que los nuevos fotógrafos africanos "se sirven a menudo de su arte para cambiar la imagen del continente, del que se difunde una imagen sesgada". Un objetivo que comparte la organización del festival, que "trata de abrir una ventana a las distintas áfricas que existen ofreciendo una visión más ajustada a la realidad del continente". "Eso no significa que el hambre, la pobreza, la desesperación no existan… pero África es mucho más", apostilla Cisneros.

Amplios apoyos

El FCAT cuenta con el apoyo principal del ayuntamiento de Tarifa y de Tánger, de la Diputación de Cádiz, de la Wilaya de la Región Tánger-Tetuán-Alhucemas y de la APDN (Agencia para el Desarrollo de la Región Norte de Marruecos).

Así mismo y a día de hoy, apoyan el FCAT la Cooperación Española (AECID), el programa de formación ACERCA y la FIIAPP y Aqualia, como patrocinadores principales. A ellos se suman Chaabi Bank España y la Fundación Chaabi Bank y la Fundación Tres Culturas del Mediterráneo.

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Alfonso Domingo: El ángel rojo
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Pedrortega | 24-02-2016 | 10:00| 0


A Alfonso Domingo, periodista y escritor, siempre le han gustado los viajes: el desierto y la selva son dos de sus pasiones, según confiesa. Desde la actualidad del periodismo cubrió guerras y conflictos en las últimas décadas para periódicos, semanarios y televisiones, antes de dedicarse al género documental y a la escritura, campos en los que ha cosechado varios premios.

Ha publicado varias novelas y ha ganado premios como el Feria del Libro de Madrid por “La madre de la voz en el oído” y el Ciudad de Salamanca gracias a “La estrella solitaria”.

Domingo ha destacado también en la crónica histórica gracias “Historia de los Españoles en la Segunda Guerra Mundial”.

En el año 2011 fue el ganador del XLIII Premio Ateneo de Sevilla por su novela El espejo negro.

Melchor Rodríguez, el ángel rojo

Melchor Rodríguez García, exnovillero, anarquista de la CNT-FAI, salvó a miles de personas de derechas en la guerra civil. Sin embargo, su talla humana -un paradigma en medio de aquel conflicto fraticida- no es conocida por el gran público.

Melchor Rodríguez, que conoció la cárcel en más de treinta ocasiones a lo largo de su vida, fue nombrado Delegado especial de prisiones durante el mandato del anarquista García Oliver en el Ministerio de Justicia. Desde su puesto, a finales de 1936, detuvo las sacas de las cárceles madrileñas y los “paseos”, jugándose en numerosas ocasiones la vida, como cuando se enfrentó a una turba frente a la prisión de Alcalá de Henares.

Posteriormente fue encargado, tras el golpe del coronel Casado, de entregar Madrid a las tropas franquistas como concejal y último alcalde de la república. A pesar de su humanitaria actuación, fue juzgado por los vencedores y condenado a 20 años de cárcel, de los que cumplió cinco. Su entierro, en 1972, congregó a anarquistas y miembros del régimen en un caso único en la historia española. Su vida parece sacada de una película de ficción. Tal y como él decía, “se puede morir por las ideas, nunca matar”.

Los rodajes y entrevistas se han realizado en Madrid, Sevilla y Cádiz –El Puerto de Santa María y Casas Viejas-. Entre los que intervienen en el documental destacan Eduardo Pons Prades, Ian Gibson, Santiago Carrillo, Gregorio Gallego, José Luis Gutiérrez Molina, Amapola Rodríguez –hija de Melchor-, Cecilio Gordillo, Ignacio García Noblejas, Ramón Luca de Tena.

¿Cómo nace “MELCHOR RODRÍGUEZ, EL ANGEL ROJO”?

Hace casi 15 años. Haciendo otro documental sobre la guerra civil, salió el nombre de Melchor Rodríguez en la entrevista a mi amigo Eduardo Pons Prades, que ya murió. Yo conocía la historia de Melchor apenas, y Eduardo me contó un par de cosas que me maravillaron. Luego vino Cecilio Gordillo, de Sevilla, con el mismo interés y comencé a investigar para hacer el libro. Vi desde el principio que era algo potente y desconocido para la inmensa mayoría. Allí nació el libro “El ángel rojo”, editado en Almuzara, que fue también el comienzo del documental, que sin embargo me ha costado muchos más años.

Y ahora que conocemos la sinopsis, ¿sobre qué trata?

Sobre una persona que en medio de la locura de la guerra civil se dedica a salvar vidas, sobre todo las de sus enemigos. Un libertario humanista que ponía la vida encima de la ideología.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Que es un personaje íntegro, decente, de los que a mi me gustan. Un perdedor, pero con una gran dignidad. Y que la historia tenía una serie de elementos, como el de ser de Sevilla, de Triana, novillero, poeta popular, amigo de la copla y la farándula. Y rabiosamente anarquista, hasta el final de su vida.

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

He querido que fuera un personaje de una antigua película de los años 30, e intento trasmitir ese perfume, como se ve muy bien en el propio documental. Influencias que yo sepa, conscientes, no he tenido. Llevo ya muchos años haciendo documentales, una buena parte históricos.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Amigos y personas que ayudaron en la financiación, así como un gran equipo técnico capaz de sacrificarse y multiplicar los panes y los peces.

¿Y los cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

A mí no me guste que la gente trabaje sin cobrar, y por lo tanto, además de una parte del archivo histórico, que generosamente donó CNT, el principal problema fue conseguir dinero para financiar los viajes, los rodajes, la edición y la postproducción. También para pagar otra parte de archivo fílmico necesario.

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película. 

Las que te digo. Las mías (yo no he cobrado aún por mi trabajo) y las de unos cuantos amigos.

Preséntanos a los actores.

Al ser un documental histórico, solo he utilizado actores en una serie de dramatizaciones sonoras en unas escenas. Entre ellos están Antolín Romero, José Emilio Vera, Alberto Garrido y Rubén Buren (bisnieto de Melchor, autor teatral y el que ha realizado la banda sonora). Luego, mi amigo Javier Gutiérrez, que hizo la locución y Eusebio Lázaro, en una colaboración especial. Todos están magníficos y muy contenidos.

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Bueno, rodando una parte de la cárcel de Alcalá pasamos por un edificio contiguo que es de una facultad, desde allí teníamos unas vistas inmejorables, aprovechamos el tiempo, pero el conserje que nos facilitó el paso se le olvidó que estábamos y nos cerró durante un buen rato. Así que aprovechamos para hacer más movimientos y planos diferentes. Pero en realidad el rodaje fue muy bien. Hubo grabaciones de algún día entero en el teatro que luego no utilizamos.

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Es un equipo que ha trabajado conmigo en otras ocasiones. Oscar Villasante y Pepe Navarro como cámaras y directores de fotografía, Daniel Rodríguez con el sonido y mezclas, Paloma Suárez en la producción, Juan Verdeal y Benito Macías en la edición y posproducción.

¿Cómo se llevó a cabo la postproducción? ¿Cuál fue la pieza clave de esa fase?

El equilibrar e igualar la textura de los archivos utilizados, dado que como se ha hecho la película documental a lo largo de varios años, donde realicé entrevistas a gente ya muy mayor, había muchos formatos. Más los de cine.

Háblanos de la banda sonora.

La realizó Rubén Buren, y además de incorporar temas de la guerra, como los cuatro muleros, o versionar “A las barricadas”, ha aprovechado las letras de Melchor para hacer varios temas, como el rap de los títulos de crédito. Es una banda sonora muy rica y variada que aporta mucho a la película

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

La presencia de su hija, Amapola, tan de verdad.

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Que es una historia que mueve y que conmueve. Una historia real, aunque parezca de película, y se muestran las luces y las sombras del personaje. Es una visión no solo de la investigación y documentación encontradas, sino sobre todo de personas que le conocieron, que vivieron con él. Historia viva.

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

Que es una mirada diferente sobre la guerra civil, y sobre una persona que estaba hecha de otra pasta.

Háblanos de su distribución.

En eso estamos, negociando. Pero como mínimo se podrá ver en Madrid, Barcelona, Sevilla y Andalucía.

Festivales de cine, ¿qué sensaciones tienes en este aspecto?

He estado en muchos a lo largo de mi carrera, en general más de documentales. Hay mucho ego y alguna tontería, pero también son un punto de encuentro y una manera de promocionar la película. Me parecen bien, es un elemento más, e importante.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Depende mucho del resultado. Si hay algunos medios, es posible, con talento y experiencia, hacer cosas. Una obra y un producto como este depende mucho su final del equipo que lo ha llevado a cabo y si había buen ambiente. Luego el tema del público es otra cosa, depende mucho de factores que uno no controla.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente?

Que en muchos casos es brillante.

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Isabel Aparicio: Circus Across Borders
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Pedrortega | 12-11-2015 | 13:50| 0


 

Durante dos semanas, jóvenes procedentes de Palestina, Túnez, Bélgica y Alemania convivieron juntos con el fin de crear un espectáculo. Su intención, era poder “atravesar” esas barreras ideológicas, culturales, lingüísticas y religiosas a través del circo.

¿Cómo nace "Circus across borders"?

Durante mi temporada en Berlín, estuve en contacto con un circo social llamado Cabuwazi. Este circo, llevó a cabo un proyecto de intercambio de jóvenes circenses musulmanes y europeos llamado Circus across borders. Me ofrecieron la posibilidad de hacer un documental, y como no podía ser de otra manera, lo acepté.

Y ahora que conocemos la sinopsis, ¿sobre qué trata?

Sobre la convivencia, la comunicación, la tolerancia. Trata de como consiguen llevar un proyecto conjunto sin tener un idioma común, pero si con un objetivo común, hacer disfrutar a la gente con su arte. Trata de cómo se ayudan los unos a los otros, como aprenden y enseñan su forma de hacer las cosas, de ver el mundo, y, trata de como disfrutan haciéndolo.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Desde que llegué a Berlín, he tenido mucha relación con el mundo circense, es un mundo que me fascinó. El cómo entrenan día a día, el cómo se ayudan los unos a los otros, se dan consejos, tienen un ambiente muy agradable, muy sano. Y es divertido. El convivir con gente de distintos países, conocer sus culturas… Me parece muy interesante.

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

Realmente, no hubo guión. Fue un seguimiento intensivo de dos semanas, las cuales, hasta dormí con ellos.

Al principio del proyecto me dieron el plan de trabajo a seguir, y me pude hacer una idea de lo que íbamos a hacer.

Durante los dos o tres primeros días me dediqué a observar sus comportamientos, a buscar encuadres y sobretodo a que se acostumbrasen a mi presencia y a la de la cámara. Al cavo de poco tiempo las preguntas de las entrevistas se me escribieron solas en el cuaderno con dudas que me surgían. Mis influencias fueron ellos, sus historias, sus vidas.

 

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

La gente del proyecto. El chico de sonido puso su equipo, el de producción su cámara, y el de la animación su ordenador. Se pegaron tardes y tardes conmigo trabajando de una forma completamente voluntaria. Y, por supuesto, el circo social Cabuwazi. Con cada problema o dificultad que me pudiese surgir, ellos estaban ahí para resolverlo.

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El mayor reto para mi, fue editar las entrevistas. En esos momentos mi inglés era el justo para mantener una conversación sencilla y había partes que no entendía. Me costó tiempo y ayuda conseguir entender bien todo para saber que quería poner y que no. Además, el estreno, se hizo en Berlín, por lo que pusimos subtítulos en alemán también. La traducción me la hicieron, pero el poner los subtítulos alemanes para que cuadrasen con las frases en inglés, también me costó lo suyo.

Háblanos de las fórmulas de financiación del documental.

Financiación, ninguna. El tema del intercambio, fue un proyecto financiado por la UE, pero no había presupuesto para el documental.

Este circo social, trabaja con voluntariados europeos, y uno de los requisitos que debe cumplir, es ofrecerles un curso de alemán. Como yo necesitaba aprender alemán, y ellos tenían acceso a estos cursos, llegamos al acuerdo de realizar el curso de alemán a cambio de hacer el documental.

El equipo técnico fue el que teníamos en nuestras casas, menos los micrófonos que son los que la misma asociación tiene para presentar sus espectáculos.

Preséntanos a los artistas.

Jóvenes deportistas y artistas con mucha energía muchas ganas de reír y hacer reír a los demás. Jóvenes con tantas ganas de ver, descubrir y aprender que contagia.

Gracias a ellos mi trabajo es posible. Gracias a su forma de ser, el documental es como es.

Y si queréis conocerlos más, tendréis que verlo….

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Bueno, no sé si se le puede llamar anécdota, pero esta historia me gustó muchísimo.

Uno de los días, al niño más pequeño del intercambio de 13 años (foto de la derecha) le robaron la cartera con todo el dinero que tenía para comprarle un regalo a su madre. Inmediatamente, se hizo una reunión, la persona que lo cogió, no era parte del proyecto y nadie vio quien era.

Ante esta situación, uno de los jóvenes propuso que cada uno le diéramos una parte de nuestro dinero hasta completar lo que él tenía para el regalo. Pero hubo otro participante, que propuso la idea de salir a hacer semáforos para recuperarlo. Así pues, al día siguiente, que los chicos tenían libre por la mañana, quedaron todos muy temprano, cogieron todo el material de circo, y se fueron a los semáforos de Berlín a improvisar su arte. Hasta el mediodía.

No solo consiguió su dinero, sino que se llevó más del que perdió.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

La verdad es que con el equipo muy muy bien. A los tres los conocía ya de antes, los tres se ofrecieron voluntarios para ayudarme en cuanto se enteraron del proyecto. De hecho dos de ellos (Luis e Ivan) estaban con el voluntariado europeo con este circo social, y no solo formaron parte de mi equipo, sino que estaban también en el equipo de trabajo del intercambio.

Ellos son:

Ivan Apellaniz Tejada, hizo el papel de producción. Me consiguió todo lo que yo necesité.

Luis Parrilla Bel, se encargó de la animación y de las entrevistas, me ayudó con la traducción.

Abel Horria, fue el encargado de montar la banda sonora y limpiar el sonido de las entrevistas.

Grabación y edición fue cosa mía.

¿Cómo se llevó a cabo la postproducción? ¿Cuál fue la pieza clave de esa fase?

La pieza clave para este o cualquier proyecto es que disfrutes con el, que te impliques. En el caso de Circus across borders, yo dormía y comía con ellos, participaba en parte de los talleres y pasábamos juntos los ratos libres, formé parte del grupo. Si consigues implicarte y disfrutarlo, por lento que resulte el proceso, darás lo mejor de ti.

No sé si mi trabajo es bueno o malo, eso lo tenéis que juzgar vosotros, el público. Lo que si que se, y lo que quise plasmar, es esa sensación de disfrutar haciendo lo que nos gusta sin preocuparnos de nada más.

Háblanos de la banda sonora

Aposté casi todo por artistas aragoneses. Me pareció una muy buena oportunidad de poder publicitar nuestra música fuera de España. Hablé con tres grupos los cuales ya conocía de antes China Chana, Artistas del gremio y Los brodies. Ellos me cedieron los derechos encantados. El resto lo saqué de creative cannon.

Ahora que ya puedes ver el documental terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectadora, más te gusta?

Visualmente hablando, una escena, casi al final del documental, de una de las participantes del intercambio, Esta bailando con un fondo de luces que la siguen con sus movimientos, Mientras de fondo suena una versión de “We are the world” que escribieron ellos.

Pero como espectadora, con lo que yo me quedo, es con el ejemplo que estos niños nos dan de cooperación y convivencia entre países con un objetivo común: “Circo a través de las fronteras”

¿Y de qué te sientes más satisfecha como directora?

De tener la oportunidad de emocionar a la gente con lo que a mi me emociona. De conseguir que llegue a la gente el mensaje oculto en una historia, en una canción….

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver el documental?

Que merece la pena por el buen cuerpo que se te queda al verlo. Provoca la sonrisa que no podemos evitar cuando estamos conociendo una bonita historia (o esa es mi intención). Además es un documental muy dinámico, con mucho movimiento, la música es rapidilla y está combinada con las imágenes que estos artistas crean para nosotros.

 

 

Háblanos de su distribución.

En estos momentos, solo está disponible el trailer en Youtube. Ahora lo estamos proyectando en distintos sitios junto con la exposición fotográfica Circis Everywhere. Esta colección es de la misma época de mi vida, en Berlín. En un tiempo estará disponible en internet.

Festivales de cine, ¿qué sensaciones tienes en este aspecto?

No lo he presentado a ningún festival, pero sí que estuve mirando algunos y de lo único que puedo hablar, es de las pocas posibilidades que se les da a los mediometrajes. El documental dura 40 minutos, es una duración difícil a la hora de presentarlo.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Creo que siempre merece la pena el esfuerzo de hacer lo que te gusta hacer, de lo que te hace ilusión hacer.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente?

Cada vez es más fácil ver pequeñas salas en las que se proyectan películas y cortometrajes de bajo presupuesto, cada vez hay más festivales para este tipo de proyectos, sí que veo que hay más propuestas, pero creo que aún queda camino por delante.

 

 

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Rakesh Narwani: Clóset
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Pedrortega | 13-10-2015 | 08:27| 0

Rakesh B. Narwani (Ceuta, 1981). Es realizador audiovisual de origen indio. Completa sus estudios de Comunicación Audiovisual en Parma (Italia) y Nueva York. Trabaja como freelance en servicios de realización, guión y edición.

Compagina esta actividad con la producción de proyectos personales, desde el documental performativo hasta el cortometraje de ficción. Es también docente de guión y coordinador del Máster de Guión para Cine y Televisión de Málaga. Su primer cortometraje Clóset obtuvo la Biznaga de Plata al Premio del Público en el 17º Festival de Cine de Málaga. Cine Español. Con su segundo trabajo, codirigido junto a Dita Segura, obtuvo una Mención Especial del Jurado en el 18º FMCE.

 

 

¿Cómo nace “Clóset”?

El corto tiene como eje central la comida y nace en una sobremesa. Un día mi compañera de piso, Carmen Acosta (jefa de vestuario del corto), me comentó sobre una noticia que había leído en el periódico: Japón 2008, una mujer homeless de avanza edad se coló, en una noche de lluvia intensa, en una casa aparentemente abandonada pero en la que en realidad vivía alguien. Esta mujer homeless estuvo viviendo un año escondida en un almario sin que el dueño de la casa se percatara de su presencia. A raíz de que Carmen me contara esta noticia, empecé a darle vueltas a esa historia y más tarde se materializó en un guión. Fue Gracias a los productores Montse Ogalla y Sinuhé Muñoz que se consiguieron todas las piezas del puzle para sacar adelante el proyecto.

Cuéntanos la sinopsis

Tras perder su hogar en un desahucio y a su familia en un accidente de coche, Julia acaba relegada a vivir en la calle sin más equipaje que un cuaderno de recetas aderezado con las pocas fotografías que pudo rescatar antes de marcharse. Una noche, la tormenta comienza a calar su salud más de lo que su cuerpo puede soportar y Julia se ve obligada a entrar en una casa ajena para resguardarse. Escondida en el altillo de un armario, descubre la triste y frustrada vida de Andrés, el dueño de la casa, quien también lo ha perdido casi todo y malvive trabajando como librero. Julia decide quedarse en el altillo y aderezar silenciosa e invisiblemente la vida de Andrés, sin saber que, de esa manera, conseguirá cambiar el destino de ambos.

Y ahora que conocemos la sinopsis, ¿sobre qué trata?

Clóset es una historia que trata sobre personas sencillas que se encuentran en una situación límite, trata también de soledades compartidas, trata de volver a empezar, y de muchas otras cosas que el espectador podrá descubrir. Clóset es una historia que no da toda la información masticada, sino que deja que espectador ponga la sal y la pimienta.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

La curiosidad, desde que me contaron esa noticia quería saber cómo habían vivido ese año los dos personajes. Entré en foros relacionados con temas de misterio donde referenciaban la noticia y allí encontré a otros cuantos curiosos que se preguntaban cómo había vivido esta mujer escondida durante un año. En estos foros alguno decía: Pero es imposible, cómo no la van a ver en un año…? Y otro contestaba: a lo mejor es que en la habitación en la que está escondida no suele entrar mucho el dueño de la casa…¿Y por qué no entra? …Y así fui construyendo el guión, haciendo y respondiendo preguntas.

 

 

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

Tengo un par de referencias muy claras: Wong Kar Wai y Kim Ki-duk, y en especial la películas Hierro 3 y Deseando amar

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Como sucede en la gran mayoría de los cortos, el principal apoyo fue el equipo que trabajó a coste 0, también implicamos a la familia que nos hizo el catering. En Clóset además de contar con grandes profesionales del audiovisual malagueño también contamos con la financiación de tres productoras, Av2 Media, Malamente y Objetivo 50 que aportó gran parte del equipo de cámara, ópticas, … y demás necesidades del rodaje.

¿Y los cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El principal reto para mi fue el poder transmitir a todo el equipo la atmosfera que se quería conseguir con Clóset. Hablar con el Juae Martín, director de fotografía junto a Antonio Buch, del tipo de luz y qué emoción se está buscando en cada plano… conseguir que la dirección de arte por parte de Paula Villegas y Germán Puente hagan que la casa del protagonista se convierta en una extrapolación de su estado de ánimo…todo esto fue complicado pero ayudó mucho la predisposición del equipo y que teníamos una sensibilidad parecida sobre todo con Montse Ogalla que desde el primer momento estábamos totalmente sintonizados en cuanto a la historia que queríamos contar.

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

No tuvimos ninguna ayuda pública así que acudí a dos productoras (Av2 media y Malamente) para que pudiéramos financiar el proyecto entre los tres.

Tras esa fase inicial de la financiación, con la que se pudo cubrir el rodaje de cuatro días, hubo otra fase, la distribución. Para ello contamos con Jóvenes Realizadores, una distribuidora malagueña que lleva ya varios años trabajando en la distribución de cortometrajes. En esta fase, en la que aún nos encontramos, estamos intentando amortizar el coste del corto con la remuneración de los premios, pero aún no lo hemos conseguido y eso que llevamos unas 50 secciones oficiales y 6 premios nacionales e internacionales.

Preséntanos a los actores.

A Pepe Viyuela y Elena Gonzalez, los conoceréis bien. Lo que a lo mejor no sabéis es que son pareja en la vida real eso aportó una química especial a la historia. A estos dos maravillosos actores los conocimos a través de Montse Ogalla, productora del corto, y amiga desde hace años de Pepe y Elena. A Pepe lo conoceréis por sus interpretaciones tanto en series de TV como Aída o largometrajes como Mortadelo y Filemón. Yo lo recuerdo desde que era pequeño de sus intervenciones en el programa Un dos tres, y hasta el día que hicimos el rodaje, no podía creerme que iba a trabajar con nosotros, fue todo un regalo. Fue todo un reto verlo a él en un papel más dramático, ya que como sabéis suele interpretar papeles más cómicos. Era como ver a Jim Carrey en Eternal Sunshine of the Spotless Mind, con el permiso de Charlie Kaufman y Michel Gondry. Elena González, es muy conocida en el mundo del teatro, fue sublime su papel de Catalina de Aragón en Enrique VIII que dirige Ernesto Arias que tuve la oportunidad de ver en el teatro Cervantes en Málaga.

Elena ha interpretado obras de Shakespeare hasta en Londres, donde muy pocos han podido hacerlo. En cine se le conoce menos pero el corto deja claro todas sus posibilidades interpretativas ante la cámara y es nuestra clara protagonista que supo captar a la perfección todas las capas del personaje de Julia, una mujer que ha vivido un desahucio, la perdida de sus seres queridos y que queda relegada a vivir en la calle.

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

El primer día de rodaje teníamos muchos planos, 25 o así, claro todo el equipo dijo, y con razón, que eso era imposible sacarlo adelante. Así que hicimos dos equipos de rodaje, como si fuera una súper producción a lo Peter Jackson. Teníamos dos directores de fotografía, dos directores de arte, un director de la segunda unidad…vaya, liamos un pifostio importante pero el plan de rodaje se cumplió, aunque acabamos a las tantas de la mañana tras grabar los planos de lluvia que fueron agotadores. Para paliar el agotamiento el equipo hacía de todo, Pepe Viyuela siempre nos hacía reír entre toma y toma…y eso que lo que estábamos grabando era drama… pero él podía cambiar de registro en cuestión de segundos y eso nos hacía reír aún más. También recuerdo que Bartolomé Lomeña, uno de los jefes de eléctricos, empezó a imitar el famoso sketch de la escalera de Pepe Viyuela y claro, Pepe pasó por allí diciendo aficionados!

El último día de rodaje había una apuesta sobre a la hora que acabaríamos, unos decían que las 4 de la mañana, otros a las 3,… pero finalmente acabamos ante todo pronóstico a las 12 de la noche más o meno, una hora normal para cualquier corto hecho a base de favores como el nuestro.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

El corto cuenta con casi 40 personas entre equipo técnico y artístico, y va a sonar a lo típico que se dice en estas cosas, el equipo muy bien y todo fue maravilloso. Pues sí, el equipo genial y todo funcionó bien aunque fue muy duro para todos, y creo que eso se debe a que para muchos de nosotros este corto fue lo más parecido a realizar cine de manera profesional y no estábamos preparados para ello. Además, este rodaje tuvo una características especiales por los requerimientos de la historia, en ésta se pasaba de unos estados iniciales de personajes, como el personaje principal, Julia, que recién había llegado de vivir en la calle, con la cara y el pelo más seco; a otro estado en que estaba mucho mejor tras unos meses de convivencia en la casa. Y claro para ellos el equipo técnico tenían que hacer cambios muy rápidos, tuvieron que trabajar mucho, sincronizarse bien y eso que se conocieron en el mismo rodaje. El equipo técnico está formado por:

  • Ayudante de Dirección Biktor Kero
  • Dirección 2º Unidad Miguel C. Rodríguez
  • Ayudante de Dirección 2º Unidad Bruno Herrero
  • Dirección de Fotografía Juae Martín y Antonio Buch
  • Operador de Cámara Sinuhé Muñoz
  • Ayudante de Cámara Laura Martín Carratalá
  • Jefes de Eléctricos: Manuel Rodríguez y Bartolomé Lomena
  • Eléctrico Miguel Vázquez
  • Operador de Steady-cam Fernando Moleón
  • Dirección de Producción Montse Ogalla
  • Jefes de Producción Joseba Fernández y Eva Lara
  • Ayudante de Producción Leticia Melchor
  • Sonido Directo Jose Javier Lebrón
  • Ayudante de Sonido Shure Shahdadpuri
  • Jefa de Vestuario Carmen Acosta
  • Maquillaje Silvia Campoy
  • Ayudante de Maquillaje Sarai Montes
  • Peluquería Carmen Castilleros
  • Dirección de Arte Paula Villegas, Germán Puente
  • Ayudante de Arte Laura Zaragoza, Isabella de Haro
  • Foto fija Juan Carlos Trigo
  • Montaje Sinuhé Muñoz y Rakesh B. Narwani
  • Corrección de Color Juae Martín
  • Efectos y Créditos Emotioner
  • Postproducción de Sonido Guillermo Ravira
  • Montaje del Making Of Marco Takashi
  • Cámaras Making Of Álvaro Guerro, Marco Takashi y Candy Kezirian
  • Copywritter Sora Sans
  • Diseño Gráfico Alexis Cruzado
  • Ayudante diseño gráfico Inés Gallo
  • Traducción subtítulos Esther Iorfida
  • Banda Sonora Ignacio Moniche, Luz Padro y Pablo Contreras

Si hablara de cada uno de ellos nos daría para otro post. Solo decir que siempre que puedo vuelvo a contar con ellos para los nuevos proyectos. Me gustaría destacar solo a una persona, a Ana Gámiz, la script, que fue alumna mía en un pequeño curso que impartí sobre iniciación al guión audiovisual en la Caja Blanca y que a partir de este rodaje ha empezado una carrera en el mundo de la producción audiovisual. Ha trabajado en la películaToro de Kike Maíllo, recientemente rodada en Málaga o el último Spot de Cruzcampo dirigido por Rodrígo Cortés, todo un orgullo que haya empezado su andadura en Clóset :-)

Por otro lado también quiero resaltar el trabajo de Paula Villegas, que además de conseguir junto a su departamento de arte, una atmosfera perfecta para el corto me apoyó durante el año y medio que duró el montaje y postproducción del proyecto. Una tarea nada fácil.

¿Cómo se llevó a cabo la postproducción? ¿Cuál fue la pieza clave de esa fase?

Tras la larga fase de montaje que pudimos sacar adelante Sinuhé Muñoz y un servidor, las piezas claves en la postproducción fueron Biktor Kero y Juae Martín. Biktor además de ser el ayudante de dirección y de conseguir sacar adelante un plan de rodaje imposible, consiguió en postproducción dar realismo a los planos de lluvia, planos que rodamos en condiciones muy precarias, con una manguera y poco más. Si no fuera por él Clóset no tendría esa magia. Y Juae Martín consiguió algo impresionante, hacer que evolucione la historia con el uso de los colores. Al inicio del corto todo está más apagado, con pocos matices de color y a medida que la protagonista se va encontrando su espacio en la casa, se van incluyendo matices de color que dan colorido a la escena. Como digo dos grandes profesionales que supieron interpretar muy bien el guión de partida.

Háblanos de la banda sonora.

Para la BSO contamos con varios músicos excepcionales, Luz Prado al violín, Pablo Contreras a la guitarra y Ignacio Moniche al piano, este último ya experimentado en BSO para cortos y largometrajes. Hicimos una BSO colaborativa, todos componían juntos. El tema que retrasó algo la BSO fue que Ignacio vive en París y tuvimos que trabajar via Skype y así, hasta que por fin se pudieron ver en Málaga y grabamos la BSO en los estudios de la escuela de cine School Training donde también se montó parte del corto. Desde el principio la música que se buscaba en la historia era una mezcla entre algo más clásico y melódico junto a algo más experimental. De aquí el juntar a estos músicos. Mi idea era algo entre las BSO de las películas de Isabel Coixet y Wong Kar Wai. Tras hablar con Ignacio Moniche también cogimos como referencia la película Dad, BSO compuesta por el recientemente fallecido James Horner. Ignacio comentó que vendría muy bien el violín de cara a la melodía, y la guitarra para darle más movimiento y así hicimos, como comentaba totalmente colaborativa esta BSO donde también aportó mucho hasta la directora de producción que siempre estuvo en sintonía con el guión de Clóset, Montse Ogalla.

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Cada vez que lo veo encuentro cosas que ahora haría de manera diferente pero me gusta mucho el final, me gusta que no haya diálogos entre los personajes y que la historia se cuente de manera visual. Me gusta la atmosfera que se ha conseguido a través de la dirección de arte y dirección de fotografía. Me gustan tanto los actores principales como los secundarios.

Pero sobre todo me gusta la secuencia de la lluvia donde de una manera u otra, se resume el la esencia del corto.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Estoy contento sí, aunque claro, al haber sido el primer corto, cometí muchos errores y con ello sé que fue un quebradero de cabeza para parte del equipo técnico y artístico.

Con este corto he descubierto una parte de lo implica la dirección, aún me queda mucho…pero algo importante que creo que está en el corto es que todos los departamentos artísticos van en la misma dirección, y consiguen la atmosfera que hace que los personajes se muevan en equilibrio para contar la historia.

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

Clóset es una historia que nace de la ilusión de todo un equipo que con su trabajo consiguen darle la virtud de la ficción a una noticia misteriosa: noche de lluvia intensa, Japón 2008, una mujer homeless de avanzada edad entra en una casa aparentemente abandonada, allí descubre que en la casa vive alguien, pero con todo y con eso se queda allí escondida un año.

Háblanos de su distribución.

La distribución la empezamos a través de plataformas tipo Movibeta y Uptofest pero en cuanto presentamos al Festival de Málaga y recibimos el Premio del Público en Sección Oficial, ya contamos con la distribuidora Jóvenes Realizadores que ha paseado Clóset por todo el mundo y con la que llevamos ya 50 secciones oficiales y 6 premios tanto nacionales como internacionales. Estamos muy contentos con el trabajo de la distribuidora, para nosotros era imposible hacer todos estos envío, estar pendiente de los festivales donde mejor encaja el corto. Esta distribuidora tiene una cartera más de 8000 festivales y lo más importante saben donde puede funcionar mejor cada proyecto, algo inalcanzable para cualquier cortometrajista raso.

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Cine de Fuengirola?

Nuestro corto tiene mucho en común con este festival. Es algo pequeño, hecho con mucha ilusión y más bien con poco dinero. Festivales así dan brillo a trabajos como el nuestro, realzan el cine en pequeño y dan conocer a nuevos realizadores que a veces no encontramos nuestro sitio en festivales de mayor envergadura. Para ser sincero nosotros hemos disfrutado como niños en este tipo de festivales, así que es una pena escuchar que es la última edición del festival, una verdadera pena que tanto trabajo y tanta ilusión se pierda. Se debería hacer algo desde las instituciones para remediarlo. Seguro que el año que viene se echará en falta el festival y a lo mejor ya será tarde.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Clóset ha sido el trabajo que más alegrías me ha dado en mi vida. Es mucho el esfuerzo, son muchas las horas de trabajo que no verás remuneradas, hay que ponerse de acuerdo con mucha gente y resolver conflictos…pero al final cuando te sientas en la sala de montaje, ves la imagen en la pantalla y la cámara empieza a moverse sincronizada con el movimiento del actor, se olvida todo y empiezas a disfrutar.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente en España?

Si por independiente entendemos películas que no dependen de las cadenas de televisión como esas películas norte americanas que no dependían de los grandes estudios…, creo que sí, que hay movimiento y se van realizando películas en los últimos años y no solo porque el cine digital sea más barato, sino porque hay una efervescencia creativa importante y la gente sigue queriendo contar historias con su cámara ya sea digital o analógica. Algunos ejemplos de películas así son: Ártico, Diamond Flash, Carmina o Revienta, Stockholm, Ilusión, … que han sido financiadas (lagunas de ellas) sin ayudas públicas y sin la preventa a una cadena de TV, se han financiado con Crowfunding o directamente desde los bolsillos de sus creadores (como Clóset) y en esas películas se respira una frescura y una libertad que cuesta ver en otras películas de más envergadura. Mi preferida de estas películas es Ilusión de Daniel Castro. Y es precisamente esa ilusión la que creo que nos ha motivado a contar la historia de Clóset, y seguramente esa misma ilusión la comparten todos los cortometrajistas que hacen y seguirán haciendo cortos, que si no fuera por festivales como el de Fuengirola, esos trabajos acabarían en algún disco duro.

 

 

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El Festival de Cine de Fuengirola y Fernando Fernández Ariza
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Pedrortega | 29-09-2015 | 11:19| 0


 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a crear el Festival de Cine de Fuengirola?

Hace muchos años tuve la maravillosa suerte de trabajar en rodajes de publicidad, video clips y algunas películas, en ellos coincidía con parte de los equipos técnicos y muchos de los cuales acabaron siendo amigos muy cercanos, este lado humano de lo audiovisual me enganchó al mundo del cine y unido a mi inquietud por crear nuevos proyectos y participar en la organización de eventos dirigidos a la población pues me llevó a plantear esta idea y al final, pues con muy pocos medios nació una primera edición con un concurso de cortos, talleres y conferencias y hasta ahora no he podido parar…

¿Cuáles han sido los principales apoyos para que el Festival exista?

El principal apoyo que he tenido es el de la familia, que tiene que sufrir una dedicación mía personal durante todo el año y una aportación económica que he de hacer para cubrir cada año unos gastos mínimos que no consigo cubrir mediante patrocinios. Inmediatamente después, mi equipo, mis amigos, que son maravillosos y hacen un trabajo excepcional, con su entusiasmo y talento conseguimos solventar casi todo tipo de problemas.

¿Y cuáles son los principales retos que hubo que superar para que se hiciese realidad?

Un reto importante hasta el día de hoy ha sido mantener la imagen de que la selección de cortos y largos a competición se hace en base al criterio de los comités y no en función de amistades, premios ganados o personalidades que aparezcan en las películas. Cada año, amigos y conocidos me preguntan por qué un corto o su largo que ha tenido tantos premios o está apadrinada por tal personalidad no ha sido seleccionado. En Fuengirola tenemos la libertad de poder hacer lo que queramos y hablo en plural porque tan importante es mi opinión como la de cualquier otro miembro de los comités de selección. No tenemos presiones externas y lo que queremos es potenciar el lado más cultural del cine, apoyar a los nuevos artistas y ofrecerle al espectador una experiencia positiva.

 

 

Dicen los expertos que un festival se sostiene sobre tres bases igual de importantes: industria, público y medios de comunicación. ¿Qué opinas al respecto?

Es Cierto, Tenemos que contar con la industria porque los autores de una película quieren que se vea su trabajo, la prensa nos da a conocer y el público es el destinatario final del cine. Por desgracia, a los festivales se nos mide casi exclusivamente por el número de personas que asisten o el valor económico de la repercusión en prensa.

¿Cómo funciona el apoyo del público en el FCF?

Pues el público nos exige más publicidad, pero la publicidad nos cuesta mucho dinero y no podemos hacer gran cosa. Ya en estas últimas ediciones el público repite y viene a ver películas cualquier día porque sabe que nuestras películas son interesantes. Pero todavía hay mucha gente aquí que no sabe que Fuengirola tiene un Festival de Cine.

¿Y el apoyo de la industria del cine?

Entregado. Cuando conocen nuestro Festival, se entregan, lo que hacemos aquí es muy bonito y enseguida quieren repetir o ayudarnos. Es increíble lo que hemos podido hacer con un presupuesto tan pequeño. Cada año vienen personalidades muy importantes de nuestro cine.

¿Y los medios de comunicación?

Los medios son muy importantes para el Festival, ellos le dan difusión a las obras que vienen, nos traen público y nos dan prestigio. Pero somos un Festival pequeño y nos cuesta mucho trabajo encontrar hueco. El año pasado tuvimos el honor de tener difusión en Sur, Fotogramas y Canalsur y sin embargo no tuvimos ninguna difusión en los medios locales. A los medios les interesa mucho la asistencia de famosos y a nosotros lo que nos interesa es apoyar las películas a concurso independientemente si hay famosos o no.

 

 

¿Qué piensas que es lo más importante que necesitaría el Festival, ahora mismo, para seguir creciendo?

El Festival es como un bonsái, no crece más porque no le dejamos, recortamos actividades y secciones porque no podemos cubrir unos gastos mínimos que son de risa pero que no podemos costear. Este Festival ya tiene un prestigio nacional y el apoyo de mucha gente de la industria y tiene un público fiel. Podríamos tener una sección no oficial donde proyectar tantas películas españolas preciosas que nos llegan, podríamos tener más talleres, podríamos tener exposiciones, podríamos tener más conferencias, podríamos tener más invitados, actividades escolares, pero no los tenemos por no pagar un sencillo billete de AVE, que es muy poco pero no tenemos dinero ni para eso.

¿Cómo se hace la selección de películas?

Tenemos un comité de tres personas en el que me incluyo yo mismo. Nuestros criterios son que queremos ser una herramienta para darle difusión a películas independientes, a películas bien hechas y con una historia interesante que tienen dificultad para encontrar visibilidad en otros festivales, queremos películas de directores nóveles y películas que dejan huella. A veces hay películas con más o menos presupuesto pero siempre cuentan con la mayoría de estas premisas. Los cortos los eligen un comité de selección en el que no influyo para nada, recibimos más de 600 cortos y ellas, porque son tres chicas, eligen los mejores cortos para su gusto y criterio, lo único que exijo es que esté bien rodado y aporte algo nuevo.

¿Cuántas optaron a participar en cada sección?

Más de 40 largometrajes y 600 cortometrajes.

¿Qué pasos debe de seguir, o qué características debe de tener una película para formar parte de vuestro festival?

Nos gusta el cine independiente, los nuevos talentos, la gente trabajadora, eso se ve en una película. Y sobre todo nos gustan las películas que dejan huella.

¿Influye el presupuesto a la hora de seleccionar una película?

Sí, ayuda saber que han hecho mucho con poco, es más fácil conseguir grandes resultados técnicos o mejores actores con mucho dinero, pero saber el esfuerzo que han realizado para sacar una peli adelante es importante. Aunque no descartamos un producción mayor solo por el hecho de la financiación, hemos tenido películas de presupuestos medianos y grandes que pensábamos que tenían una historia que queríamos difundir, o bien que tenía poca visibilidad o era de directores nóveles.

 

 

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente en España?

Es milagroso poder levantar una nueva película en España. En cualquier otro país europeo los cineastas están mejor valorados que aquí y tienen muchísimas facilidades financiar y difundir sus obras.

¿Es cierto que ésta será la última edición del FCF?

Casi completamente. Este año morirá el Festival al menos tal y como lo conocemos. Es frustrante ver que estamos haciendo algo tan bonito, tan útil y tan necesario con tan poco presupuesto y no contar con el suficiente apoyo institucional. Nadie puede creerse que hacemos este festival con 1000 euros de presupuesto. Hay muchísimo trabajo detrás, es un festival increíblemente barato y aun así no conseguimos el apoyo que nos gustaría del Ayuntamiento, Diputación o Junta de Andalucía.

¿Qué tendría que ocurrir para que la 6ª edición de FCF exista?

Con el apoyo que le dio el ayuntamiento el año pasado al PlayFest, un evento de dos días del mundo de los videojuegos, nosotros mantendríamos este evento cultural de una semana para un público mucho más diverso y amplio.

 

 

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