Diario Sur

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Alfonso Domingo: El ángel rojo
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Pedrortega | 24-02-2016 | 10:00| 0


A Alfonso Domingo, periodista y escritor, siempre le han gustado los viajes: el desierto y la selva son dos de sus pasiones, según confiesa. Desde la actualidad del periodismo cubrió guerras y conflictos en las últimas décadas para periódicos, semanarios y televisiones, antes de dedicarse al género documental y a la escritura, campos en los que ha cosechado varios premios.

Ha publicado varias novelas y ha ganado premios como el Feria del Libro de Madrid por “La madre de la voz en el oído” y el Ciudad de Salamanca gracias a “La estrella solitaria”.

Domingo ha destacado también en la crónica histórica gracias “Historia de los Españoles en la Segunda Guerra Mundial”.

En el año 2011 fue el ganador del XLIII Premio Ateneo de Sevilla por su novela El espejo negro.

Melchor Rodríguez, el ángel rojo

Melchor Rodríguez García, exnovillero, anarquista de la CNT-FAI, salvó a miles de personas de derechas en la guerra civil. Sin embargo, su talla humana -un paradigma en medio de aquel conflicto fraticida- no es conocida por el gran público.

Melchor Rodríguez, que conoció la cárcel en más de treinta ocasiones a lo largo de su vida, fue nombrado Delegado especial de prisiones durante el mandato del anarquista García Oliver en el Ministerio de Justicia. Desde su puesto, a finales de 1936, detuvo las sacas de las cárceles madrileñas y los “paseos”, jugándose en numerosas ocasiones la vida, como cuando se enfrentó a una turba frente a la prisión de Alcalá de Henares.

Posteriormente fue encargado, tras el golpe del coronel Casado, de entregar Madrid a las tropas franquistas como concejal y último alcalde de la república. A pesar de su humanitaria actuación, fue juzgado por los vencedores y condenado a 20 años de cárcel, de los que cumplió cinco. Su entierro, en 1972, congregó a anarquistas y miembros del régimen en un caso único en la historia española. Su vida parece sacada de una película de ficción. Tal y como él decía, “se puede morir por las ideas, nunca matar”.

Los rodajes y entrevistas se han realizado en Madrid, Sevilla y Cádiz –El Puerto de Santa María y Casas Viejas-. Entre los que intervienen en el documental destacan Eduardo Pons Prades, Ian Gibson, Santiago Carrillo, Gregorio Gallego, José Luis Gutiérrez Molina, Amapola Rodríguez –hija de Melchor-, Cecilio Gordillo, Ignacio García Noblejas, Ramón Luca de Tena.

¿Cómo nace “MELCHOR RODRÍGUEZ, EL ANGEL ROJO”?

Hace casi 15 años. Haciendo otro documental sobre la guerra civil, salió el nombre de Melchor Rodríguez en la entrevista a mi amigo Eduardo Pons Prades, que ya murió. Yo conocía la historia de Melchor apenas, y Eduardo me contó un par de cosas que me maravillaron. Luego vino Cecilio Gordillo, de Sevilla, con el mismo interés y comencé a investigar para hacer el libro. Vi desde el principio que era algo potente y desconocido para la inmensa mayoría. Allí nació el libro “El ángel rojo”, editado en Almuzara, que fue también el comienzo del documental, que sin embargo me ha costado muchos más años.

Y ahora que conocemos la sinopsis, ¿sobre qué trata?

Sobre una persona que en medio de la locura de la guerra civil se dedica a salvar vidas, sobre todo las de sus enemigos. Un libertario humanista que ponía la vida encima de la ideología.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Que es un personaje íntegro, decente, de los que a mi me gustan. Un perdedor, pero con una gran dignidad. Y que la historia tenía una serie de elementos, como el de ser de Sevilla, de Triana, novillero, poeta popular, amigo de la copla y la farándula. Y rabiosamente anarquista, hasta el final de su vida.

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

He querido que fuera un personaje de una antigua película de los años 30, e intento trasmitir ese perfume, como se ve muy bien en el propio documental. Influencias que yo sepa, conscientes, no he tenido. Llevo ya muchos años haciendo documentales, una buena parte históricos.

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Amigos y personas que ayudaron en la financiación, así como un gran equipo técnico capaz de sacrificarse y multiplicar los panes y los peces.

¿Y los cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

A mí no me guste que la gente trabaje sin cobrar, y por lo tanto, además de una parte del archivo histórico, que generosamente donó CNT, el principal problema fue conseguir dinero para financiar los viajes, los rodajes, la edición y la postproducción. También para pagar otra parte de archivo fílmico necesario.

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película. 

Las que te digo. Las mías (yo no he cobrado aún por mi trabajo) y las de unos cuantos amigos.

Preséntanos a los actores.

Al ser un documental histórico, solo he utilizado actores en una serie de dramatizaciones sonoras en unas escenas. Entre ellos están Antolín Romero, José Emilio Vera, Alberto Garrido y Rubén Buren (bisnieto de Melchor, autor teatral y el que ha realizado la banda sonora). Luego, mi amigo Javier Gutiérrez, que hizo la locución y Eusebio Lázaro, en una colaboración especial. Todos están magníficos y muy contenidos.

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Bueno, rodando una parte de la cárcel de Alcalá pasamos por un edificio contiguo que es de una facultad, desde allí teníamos unas vistas inmejorables, aprovechamos el tiempo, pero el conserje que nos facilitó el paso se le olvidó que estábamos y nos cerró durante un buen rato. Así que aprovechamos para hacer más movimientos y planos diferentes. Pero en realidad el rodaje fue muy bien. Hubo grabaciones de algún día entero en el teatro que luego no utilizamos.

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Es un equipo que ha trabajado conmigo en otras ocasiones. Oscar Villasante y Pepe Navarro como cámaras y directores de fotografía, Daniel Rodríguez con el sonido y mezclas, Paloma Suárez en la producción, Juan Verdeal y Benito Macías en la edición y posproducción.

¿Cómo se llevó a cabo la postproducción? ¿Cuál fue la pieza clave de esa fase?

El equilibrar e igualar la textura de los archivos utilizados, dado que como se ha hecho la película documental a lo largo de varios años, donde realicé entrevistas a gente ya muy mayor, había muchos formatos. Más los de cine.

Háblanos de la banda sonora.

La realizó Rubén Buren, y además de incorporar temas de la guerra, como los cuatro muleros, o versionar “A las barricadas”, ha aprovechado las letras de Melchor para hacer varios temas, como el rap de los títulos de crédito. Es una banda sonora muy rica y variada que aporta mucho a la película

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

La presencia de su hija, Amapola, tan de verdad.

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Que es una historia que mueve y que conmueve. Una historia real, aunque parezca de película, y se muestran las luces y las sombras del personaje. Es una visión no solo de la investigación y documentación encontradas, sino sobre todo de personas que le conocieron, que vivieron con él. Historia viva.

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

Que es una mirada diferente sobre la guerra civil, y sobre una persona que estaba hecha de otra pasta.

Háblanos de su distribución.

En eso estamos, negociando. Pero como mínimo se podrá ver en Madrid, Barcelona, Sevilla y Andalucía.

Festivales de cine, ¿qué sensaciones tienes en este aspecto?

He estado en muchos a lo largo de mi carrera, en general más de documentales. Hay mucho ego y alguna tontería, pero también son un punto de encuentro y una manera de promocionar la película. Me parecen bien, es un elemento más, e importante.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Depende mucho del resultado. Si hay algunos medios, es posible, con talento y experiencia, hacer cosas. Una obra y un producto como este depende mucho su final del equipo que lo ha llevado a cabo y si había buen ambiente. Luego el tema del público es otra cosa, depende mucho de factores que uno no controla.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente?

Que en muchos casos es brillante.

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Isabel Aparicio: Circus Across Borders
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Pedrortega | 12-11-2015 | 13:50| 0


 

Durante dos semanas, jóvenes procedentes de Palestina, Túnez, Bélgica y Alemania convivieron juntos con el fin de crear un espectáculo. Su intención, era poder “atravesar” esas barreras ideológicas, culturales, lingüísticas y religiosas a través del circo.

¿Cómo nace "Circus across borders"?

Durante mi temporada en Berlín, estuve en contacto con un circo social llamado Cabuwazi. Este circo, llevó a cabo un proyecto de intercambio de jóvenes circenses musulmanes y europeos llamado Circus across borders. Me ofrecieron la posibilidad de hacer un documental, y como no podía ser de otra manera, lo acepté.

Y ahora que conocemos la sinopsis, ¿sobre qué trata?

Sobre la convivencia, la comunicación, la tolerancia. Trata de como consiguen llevar un proyecto conjunto sin tener un idioma común, pero si con un objetivo común, hacer disfrutar a la gente con su arte. Trata de cómo se ayudan los unos a los otros, como aprenden y enseñan su forma de hacer las cosas, de ver el mundo, y, trata de como disfrutan haciéndolo.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Desde que llegué a Berlín, he tenido mucha relación con el mundo circense, es un mundo que me fascinó. El cómo entrenan día a día, el cómo se ayudan los unos a los otros, se dan consejos, tienen un ambiente muy agradable, muy sano. Y es divertido. El convivir con gente de distintos países, conocer sus culturas… Me parece muy interesante.

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

Realmente, no hubo guión. Fue un seguimiento intensivo de dos semanas, las cuales, hasta dormí con ellos.

Al principio del proyecto me dieron el plan de trabajo a seguir, y me pude hacer una idea de lo que íbamos a hacer.

Durante los dos o tres primeros días me dediqué a observar sus comportamientos, a buscar encuadres y sobretodo a que se acostumbrasen a mi presencia y a la de la cámara. Al cavo de poco tiempo las preguntas de las entrevistas se me escribieron solas en el cuaderno con dudas que me surgían. Mis influencias fueron ellos, sus historias, sus vidas.

 

 

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

La gente del proyecto. El chico de sonido puso su equipo, el de producción su cámara, y el de la animación su ordenador. Se pegaron tardes y tardes conmigo trabajando de una forma completamente voluntaria. Y, por supuesto, el circo social Cabuwazi. Con cada problema o dificultad que me pudiese surgir, ellos estaban ahí para resolverlo.

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El mayor reto para mi, fue editar las entrevistas. En esos momentos mi inglés era el justo para mantener una conversación sencilla y había partes que no entendía. Me costó tiempo y ayuda conseguir entender bien todo para saber que quería poner y que no. Además, el estreno, se hizo en Berlín, por lo que pusimos subtítulos en alemán también. La traducción me la hicieron, pero el poner los subtítulos alemanes para que cuadrasen con las frases en inglés, también me costó lo suyo.

Háblanos de las fórmulas de financiación del documental.

Financiación, ninguna. El tema del intercambio, fue un proyecto financiado por la UE, pero no había presupuesto para el documental.

Este circo social, trabaja con voluntariados europeos, y uno de los requisitos que debe cumplir, es ofrecerles un curso de alemán. Como yo necesitaba aprender alemán, y ellos tenían acceso a estos cursos, llegamos al acuerdo de realizar el curso de alemán a cambio de hacer el documental.

El equipo técnico fue el que teníamos en nuestras casas, menos los micrófonos que son los que la misma asociación tiene para presentar sus espectáculos.

Preséntanos a los artistas.

Jóvenes deportistas y artistas con mucha energía muchas ganas de reír y hacer reír a los demás. Jóvenes con tantas ganas de ver, descubrir y aprender que contagia.

Gracias a ellos mi trabajo es posible. Gracias a su forma de ser, el documental es como es.

Y si queréis conocerlos más, tendréis que verlo….

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Bueno, no sé si se le puede llamar anécdota, pero esta historia me gustó muchísimo.

Uno de los días, al niño más pequeño del intercambio de 13 años (foto de la derecha) le robaron la cartera con todo el dinero que tenía para comprarle un regalo a su madre. Inmediatamente, se hizo una reunión, la persona que lo cogió, no era parte del proyecto y nadie vio quien era.

Ante esta situación, uno de los jóvenes propuso que cada uno le diéramos una parte de nuestro dinero hasta completar lo que él tenía para el regalo. Pero hubo otro participante, que propuso la idea de salir a hacer semáforos para recuperarlo. Así pues, al día siguiente, que los chicos tenían libre por la mañana, quedaron todos muy temprano, cogieron todo el material de circo, y se fueron a los semáforos de Berlín a improvisar su arte. Hasta el mediodía.

No solo consiguió su dinero, sino que se llevó más del que perdió.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

La verdad es que con el equipo muy muy bien. A los tres los conocía ya de antes, los tres se ofrecieron voluntarios para ayudarme en cuanto se enteraron del proyecto. De hecho dos de ellos (Luis e Ivan) estaban con el voluntariado europeo con este circo social, y no solo formaron parte de mi equipo, sino que estaban también en el equipo de trabajo del intercambio.

Ellos son:

Ivan Apellaniz Tejada, hizo el papel de producción. Me consiguió todo lo que yo necesité.

Luis Parrilla Bel, se encargó de la animación y de las entrevistas, me ayudó con la traducción.

Abel Horria, fue el encargado de montar la banda sonora y limpiar el sonido de las entrevistas.

Grabación y edición fue cosa mía.

¿Cómo se llevó a cabo la postproducción? ¿Cuál fue la pieza clave de esa fase?

La pieza clave para este o cualquier proyecto es que disfrutes con el, que te impliques. En el caso de Circus across borders, yo dormía y comía con ellos, participaba en parte de los talleres y pasábamos juntos los ratos libres, formé parte del grupo. Si consigues implicarte y disfrutarlo, por lento que resulte el proceso, darás lo mejor de ti.

No sé si mi trabajo es bueno o malo, eso lo tenéis que juzgar vosotros, el público. Lo que si que se, y lo que quise plasmar, es esa sensación de disfrutar haciendo lo que nos gusta sin preocuparnos de nada más.

Háblanos de la banda sonora

Aposté casi todo por artistas aragoneses. Me pareció una muy buena oportunidad de poder publicitar nuestra música fuera de España. Hablé con tres grupos los cuales ya conocía de antes China Chana, Artistas del gremio y Los brodies. Ellos me cedieron los derechos encantados. El resto lo saqué de creative cannon.

Ahora que ya puedes ver el documental terminado, ¿qué es lo que, personalmente como espectadora, más te gusta?

Visualmente hablando, una escena, casi al final del documental, de una de las participantes del intercambio, Esta bailando con un fondo de luces que la siguen con sus movimientos, Mientras de fondo suena una versión de “We are the world” que escribieron ellos.

Pero como espectadora, con lo que yo me quedo, es con el ejemplo que estos niños nos dan de cooperación y convivencia entre países con un objetivo común: “Circo a través de las fronteras”

¿Y de qué te sientes más satisfecha como directora?

De tener la oportunidad de emocionar a la gente con lo que a mi me emociona. De conseguir que llegue a la gente el mensaje oculto en una historia, en una canción….

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver el documental?

Que merece la pena por el buen cuerpo que se te queda al verlo. Provoca la sonrisa que no podemos evitar cuando estamos conociendo una bonita historia (o esa es mi intención). Además es un documental muy dinámico, con mucho movimiento, la música es rapidilla y está combinada con las imágenes que estos artistas crean para nosotros.

 

 

Háblanos de su distribución.

En estos momentos, solo está disponible el trailer en Youtube. Ahora lo estamos proyectando en distintos sitios junto con la exposición fotográfica Circis Everywhere. Esta colección es de la misma época de mi vida, en Berlín. En un tiempo estará disponible en internet.

Festivales de cine, ¿qué sensaciones tienes en este aspecto?

No lo he presentado a ningún festival, pero sí que estuve mirando algunos y de lo único que puedo hablar, es de las pocas posibilidades que se les da a los mediometrajes. El documental dura 40 minutos, es una duración difícil a la hora de presentarlo.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Creo que siempre merece la pena el esfuerzo de hacer lo que te gusta hacer, de lo que te hace ilusión hacer.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente?

Cada vez es más fácil ver pequeñas salas en las que se proyectan películas y cortometrajes de bajo presupuesto, cada vez hay más festivales para este tipo de proyectos, sí que veo que hay más propuestas, pero creo que aún queda camino por delante.

 

 

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Rakesh Narwani: Clóset
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Pedrortega | 13-10-2015 | 08:27| 0

Rakesh B. Narwani (Ceuta, 1981). Es realizador audiovisual de origen indio. Completa sus estudios de Comunicación Audiovisual en Parma (Italia) y Nueva York. Trabaja como freelance en servicios de realización, guión y edición.

Compagina esta actividad con la producción de proyectos personales, desde el documental performativo hasta el cortometraje de ficción. Es también docente de guión y coordinador del Máster de Guión para Cine y Televisión de Málaga. Su primer cortometraje Clóset obtuvo la Biznaga de Plata al Premio del Público en el 17º Festival de Cine de Málaga. Cine Español. Con su segundo trabajo, codirigido junto a Dita Segura, obtuvo una Mención Especial del Jurado en el 18º FMCE.

 

 

¿Cómo nace “Clóset”?

El corto tiene como eje central la comida y nace en una sobremesa. Un día mi compañera de piso, Carmen Acosta (jefa de vestuario del corto), me comentó sobre una noticia que había leído en el periódico: Japón 2008, una mujer homeless de avanza edad se coló, en una noche de lluvia intensa, en una casa aparentemente abandonada pero en la que en realidad vivía alguien. Esta mujer homeless estuvo viviendo un año escondida en un almario sin que el dueño de la casa se percatara de su presencia. A raíz de que Carmen me contara esta noticia, empecé a darle vueltas a esa historia y más tarde se materializó en un guión. Fue Gracias a los productores Montse Ogalla y Sinuhé Muñoz que se consiguieron todas las piezas del puzle para sacar adelante el proyecto.

Cuéntanos la sinopsis

Tras perder su hogar en un desahucio y a su familia en un accidente de coche, Julia acaba relegada a vivir en la calle sin más equipaje que un cuaderno de recetas aderezado con las pocas fotografías que pudo rescatar antes de marcharse. Una noche, la tormenta comienza a calar su salud más de lo que su cuerpo puede soportar y Julia se ve obligada a entrar en una casa ajena para resguardarse. Escondida en el altillo de un armario, descubre la triste y frustrada vida de Andrés, el dueño de la casa, quien también lo ha perdido casi todo y malvive trabajando como librero. Julia decide quedarse en el altillo y aderezar silenciosa e invisiblemente la vida de Andrés, sin saber que, de esa manera, conseguirá cambiar el destino de ambos.

Y ahora que conocemos la sinopsis, ¿sobre qué trata?

Clóset es una historia que trata sobre personas sencillas que se encuentran en una situación límite, trata también de soledades compartidas, trata de volver a empezar, y de muchas otras cosas que el espectador podrá descubrir. Clóset es una historia que no da toda la información masticada, sino que deja que espectador ponga la sal y la pimienta.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

La curiosidad, desde que me contaron esa noticia quería saber cómo habían vivido ese año los dos personajes. Entré en foros relacionados con temas de misterio donde referenciaban la noticia y allí encontré a otros cuantos curiosos que se preguntaban cómo había vivido esta mujer escondida durante un año. En estos foros alguno decía: Pero es imposible, cómo no la van a ver en un año…? Y otro contestaba: a lo mejor es que en la habitación en la que está escondida no suele entrar mucho el dueño de la casa…¿Y por qué no entra? …Y así fui construyendo el guión, haciendo y respondiendo preguntas.

 

 

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

Tengo un par de referencias muy claras: Wong Kar Wai y Kim Ki-duk, y en especial la películas Hierro 3 y Deseando amar

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Como sucede en la gran mayoría de los cortos, el principal apoyo fue el equipo que trabajó a coste 0, también implicamos a la familia que nos hizo el catering. En Clóset además de contar con grandes profesionales del audiovisual malagueño también contamos con la financiación de tres productoras, Av2 Media, Malamente y Objetivo 50 que aportó gran parte del equipo de cámara, ópticas, … y demás necesidades del rodaje.

¿Y los cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El principal reto para mi fue el poder transmitir a todo el equipo la atmosfera que se quería conseguir con Clóset. Hablar con el Juae Martín, director de fotografía junto a Antonio Buch, del tipo de luz y qué emoción se está buscando en cada plano… conseguir que la dirección de arte por parte de Paula Villegas y Germán Puente hagan que la casa del protagonista se convierta en una extrapolación de su estado de ánimo…todo esto fue complicado pero ayudó mucho la predisposición del equipo y que teníamos una sensibilidad parecida sobre todo con Montse Ogalla que desde el primer momento estábamos totalmente sintonizados en cuanto a la historia que queríamos contar.

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

No tuvimos ninguna ayuda pública así que acudí a dos productoras (Av2 media y Malamente) para que pudiéramos financiar el proyecto entre los tres.

Tras esa fase inicial de la financiación, con la que se pudo cubrir el rodaje de cuatro días, hubo otra fase, la distribución. Para ello contamos con Jóvenes Realizadores, una distribuidora malagueña que lleva ya varios años trabajando en la distribución de cortometrajes. En esta fase, en la que aún nos encontramos, estamos intentando amortizar el coste del corto con la remuneración de los premios, pero aún no lo hemos conseguido y eso que llevamos unas 50 secciones oficiales y 6 premios nacionales e internacionales.

Preséntanos a los actores.

A Pepe Viyuela y Elena Gonzalez, los conoceréis bien. Lo que a lo mejor no sabéis es que son pareja en la vida real eso aportó una química especial a la historia. A estos dos maravillosos actores los conocimos a través de Montse Ogalla, productora del corto, y amiga desde hace años de Pepe y Elena. A Pepe lo conoceréis por sus interpretaciones tanto en series de TV como Aída o largometrajes como Mortadelo y Filemón. Yo lo recuerdo desde que era pequeño de sus intervenciones en el programa Un dos tres, y hasta el día que hicimos el rodaje, no podía creerme que iba a trabajar con nosotros, fue todo un regalo. Fue todo un reto verlo a él en un papel más dramático, ya que como sabéis suele interpretar papeles más cómicos. Era como ver a Jim Carrey en Eternal Sunshine of the Spotless Mind, con el permiso de Charlie Kaufman y Michel Gondry. Elena González, es muy conocida en el mundo del teatro, fue sublime su papel de Catalina de Aragón en Enrique VIII que dirige Ernesto Arias que tuve la oportunidad de ver en el teatro Cervantes en Málaga.

Elena ha interpretado obras de Shakespeare hasta en Londres, donde muy pocos han podido hacerlo. En cine se le conoce menos pero el corto deja claro todas sus posibilidades interpretativas ante la cámara y es nuestra clara protagonista que supo captar a la perfección todas las capas del personaje de Julia, una mujer que ha vivido un desahucio, la perdida de sus seres queridos y que queda relegada a vivir en la calle.

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

El primer día de rodaje teníamos muchos planos, 25 o así, claro todo el equipo dijo, y con razón, que eso era imposible sacarlo adelante. Así que hicimos dos equipos de rodaje, como si fuera una súper producción a lo Peter Jackson. Teníamos dos directores de fotografía, dos directores de arte, un director de la segunda unidad…vaya, liamos un pifostio importante pero el plan de rodaje se cumplió, aunque acabamos a las tantas de la mañana tras grabar los planos de lluvia que fueron agotadores. Para paliar el agotamiento el equipo hacía de todo, Pepe Viyuela siempre nos hacía reír entre toma y toma…y eso que lo que estábamos grabando era drama… pero él podía cambiar de registro en cuestión de segundos y eso nos hacía reír aún más. También recuerdo que Bartolomé Lomeña, uno de los jefes de eléctricos, empezó a imitar el famoso sketch de la escalera de Pepe Viyuela y claro, Pepe pasó por allí diciendo aficionados!

El último día de rodaje había una apuesta sobre a la hora que acabaríamos, unos decían que las 4 de la mañana, otros a las 3,… pero finalmente acabamos ante todo pronóstico a las 12 de la noche más o meno, una hora normal para cualquier corto hecho a base de favores como el nuestro.

 

 

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

El corto cuenta con casi 40 personas entre equipo técnico y artístico, y va a sonar a lo típico que se dice en estas cosas, el equipo muy bien y todo fue maravilloso. Pues sí, el equipo genial y todo funcionó bien aunque fue muy duro para todos, y creo que eso se debe a que para muchos de nosotros este corto fue lo más parecido a realizar cine de manera profesional y no estábamos preparados para ello. Además, este rodaje tuvo una características especiales por los requerimientos de la historia, en ésta se pasaba de unos estados iniciales de personajes, como el personaje principal, Julia, que recién había llegado de vivir en la calle, con la cara y el pelo más seco; a otro estado en que estaba mucho mejor tras unos meses de convivencia en la casa. Y claro para ellos el equipo técnico tenían que hacer cambios muy rápidos, tuvieron que trabajar mucho, sincronizarse bien y eso que se conocieron en el mismo rodaje. El equipo técnico está formado por:

  • Ayudante de Dirección Biktor Kero
  • Dirección 2º Unidad Miguel C. Rodríguez
  • Ayudante de Dirección 2º Unidad Bruno Herrero
  • Dirección de Fotografía Juae Martín y Antonio Buch
  • Operador de Cámara Sinuhé Muñoz
  • Ayudante de Cámara Laura Martín Carratalá
  • Jefes de Eléctricos: Manuel Rodríguez y Bartolomé Lomena
  • Eléctrico Miguel Vázquez
  • Operador de Steady-cam Fernando Moleón
  • Dirección de Producción Montse Ogalla
  • Jefes de Producción Joseba Fernández y Eva Lara
  • Ayudante de Producción Leticia Melchor
  • Sonido Directo Jose Javier Lebrón
  • Ayudante de Sonido Shure Shahdadpuri
  • Jefa de Vestuario Carmen Acosta
  • Maquillaje Silvia Campoy
  • Ayudante de Maquillaje Sarai Montes
  • Peluquería Carmen Castilleros
  • Dirección de Arte Paula Villegas, Germán Puente
  • Ayudante de Arte Laura Zaragoza, Isabella de Haro
  • Foto fija Juan Carlos Trigo
  • Montaje Sinuhé Muñoz y Rakesh B. Narwani
  • Corrección de Color Juae Martín
  • Efectos y Créditos Emotioner
  • Postproducción de Sonido Guillermo Ravira
  • Montaje del Making Of Marco Takashi
  • Cámaras Making Of Álvaro Guerro, Marco Takashi y Candy Kezirian
  • Copywritter Sora Sans
  • Diseño Gráfico Alexis Cruzado
  • Ayudante diseño gráfico Inés Gallo
  • Traducción subtítulos Esther Iorfida
  • Banda Sonora Ignacio Moniche, Luz Padro y Pablo Contreras

Si hablara de cada uno de ellos nos daría para otro post. Solo decir que siempre que puedo vuelvo a contar con ellos para los nuevos proyectos. Me gustaría destacar solo a una persona, a Ana Gámiz, la script, que fue alumna mía en un pequeño curso que impartí sobre iniciación al guión audiovisual en la Caja Blanca y que a partir de este rodaje ha empezado una carrera en el mundo de la producción audiovisual. Ha trabajado en la películaToro de Kike Maíllo, recientemente rodada en Málaga o el último Spot de Cruzcampo dirigido por Rodrígo Cortés, todo un orgullo que haya empezado su andadura en Clóset :-)

Por otro lado también quiero resaltar el trabajo de Paula Villegas, que además de conseguir junto a su departamento de arte, una atmosfera perfecta para el corto me apoyó durante el año y medio que duró el montaje y postproducción del proyecto. Una tarea nada fácil.

¿Cómo se llevó a cabo la postproducción? ¿Cuál fue la pieza clave de esa fase?

Tras la larga fase de montaje que pudimos sacar adelante Sinuhé Muñoz y un servidor, las piezas claves en la postproducción fueron Biktor Kero y Juae Martín. Biktor además de ser el ayudante de dirección y de conseguir sacar adelante un plan de rodaje imposible, consiguió en postproducción dar realismo a los planos de lluvia, planos que rodamos en condiciones muy precarias, con una manguera y poco más. Si no fuera por él Clóset no tendría esa magia. Y Juae Martín consiguió algo impresionante, hacer que evolucione la historia con el uso de los colores. Al inicio del corto todo está más apagado, con pocos matices de color y a medida que la protagonista se va encontrando su espacio en la casa, se van incluyendo matices de color que dan colorido a la escena. Como digo dos grandes profesionales que supieron interpretar muy bien el guión de partida.

Háblanos de la banda sonora.

Para la BSO contamos con varios músicos excepcionales, Luz Prado al violín, Pablo Contreras a la guitarra y Ignacio Moniche al piano, este último ya experimentado en BSO para cortos y largometrajes. Hicimos una BSO colaborativa, todos componían juntos. El tema que retrasó algo la BSO fue que Ignacio vive en París y tuvimos que trabajar via Skype y así, hasta que por fin se pudieron ver en Málaga y grabamos la BSO en los estudios de la escuela de cine School Training donde también se montó parte del corto. Desde el principio la música que se buscaba en la historia era una mezcla entre algo más clásico y melódico junto a algo más experimental. De aquí el juntar a estos músicos. Mi idea era algo entre las BSO de las películas de Isabel Coixet y Wong Kar Wai. Tras hablar con Ignacio Moniche también cogimos como referencia la película Dad, BSO compuesta por el recientemente fallecido James Horner. Ignacio comentó que vendría muy bien el violín de cara a la melodía, y la guitarra para darle más movimiento y así hicimos, como comentaba totalmente colaborativa esta BSO donde también aportó mucho hasta la directora de producción que siempre estuvo en sintonía con el guión de Clóset, Montse Ogalla.

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Cada vez que lo veo encuentro cosas que ahora haría de manera diferente pero me gusta mucho el final, me gusta que no haya diálogos entre los personajes y que la historia se cuente de manera visual. Me gusta la atmosfera que se ha conseguido a través de la dirección de arte y dirección de fotografía. Me gustan tanto los actores principales como los secundarios.

Pero sobre todo me gusta la secuencia de la lluvia donde de una manera u otra, se resume el la esencia del corto.

 

 

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Estoy contento sí, aunque claro, al haber sido el primer corto, cometí muchos errores y con ello sé que fue un quebradero de cabeza para parte del equipo técnico y artístico.

Con este corto he descubierto una parte de lo implica la dirección, aún me queda mucho…pero algo importante que creo que está en el corto es que todos los departamentos artísticos van en la misma dirección, y consiguen la atmosfera que hace que los personajes se muevan en equilibrio para contar la historia.

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

Clóset es una historia que nace de la ilusión de todo un equipo que con su trabajo consiguen darle la virtud de la ficción a una noticia misteriosa: noche de lluvia intensa, Japón 2008, una mujer homeless de avanzada edad entra en una casa aparentemente abandonada, allí descubre que en la casa vive alguien, pero con todo y con eso se queda allí escondida un año.

Háblanos de su distribución.

La distribución la empezamos a través de plataformas tipo Movibeta y Uptofest pero en cuanto presentamos al Festival de Málaga y recibimos el Premio del Público en Sección Oficial, ya contamos con la distribuidora Jóvenes Realizadores que ha paseado Clóset por todo el mundo y con la que llevamos ya 50 secciones oficiales y 6 premios tanto nacionales como internacionales. Estamos muy contentos con el trabajo de la distribuidora, para nosotros era imposible hacer todos estos envío, estar pendiente de los festivales donde mejor encaja el corto. Esta distribuidora tiene una cartera más de 8000 festivales y lo más importante saben donde puede funcionar mejor cada proyecto, algo inalcanzable para cualquier cortometrajista raso.

¿Qué supone para el equipo la selección en el Festival de Cine de Fuengirola?

Nuestro corto tiene mucho en común con este festival. Es algo pequeño, hecho con mucha ilusión y más bien con poco dinero. Festivales así dan brillo a trabajos como el nuestro, realzan el cine en pequeño y dan conocer a nuevos realizadores que a veces no encontramos nuestro sitio en festivales de mayor envergadura. Para ser sincero nosotros hemos disfrutado como niños en este tipo de festivales, así que es una pena escuchar que es la última edición del festival, una verdadera pena que tanto trabajo y tanta ilusión se pierda. Se debería hacer algo desde las instituciones para remediarlo. Seguro que el año que viene se echará en falta el festival y a lo mejor ya será tarde.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Clóset ha sido el trabajo que más alegrías me ha dado en mi vida. Es mucho el esfuerzo, son muchas las horas de trabajo que no verás remuneradas, hay que ponerse de acuerdo con mucha gente y resolver conflictos…pero al final cuando te sientas en la sala de montaje, ves la imagen en la pantalla y la cámara empieza a moverse sincronizada con el movimiento del actor, se olvida todo y empiezas a disfrutar.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente en España?

Si por independiente entendemos películas que no dependen de las cadenas de televisión como esas películas norte americanas que no dependían de los grandes estudios…, creo que sí, que hay movimiento y se van realizando películas en los últimos años y no solo porque el cine digital sea más barato, sino porque hay una efervescencia creativa importante y la gente sigue queriendo contar historias con su cámara ya sea digital o analógica. Algunos ejemplos de películas así son: Ártico, Diamond Flash, Carmina o Revienta, Stockholm, Ilusión, … que han sido financiadas (lagunas de ellas) sin ayudas públicas y sin la preventa a una cadena de TV, se han financiado con Crowfunding o directamente desde los bolsillos de sus creadores (como Clóset) y en esas películas se respira una frescura y una libertad que cuesta ver en otras películas de más envergadura. Mi preferida de estas películas es Ilusión de Daniel Castro. Y es precisamente esa ilusión la que creo que nos ha motivado a contar la historia de Clóset, y seguramente esa misma ilusión la comparten todos los cortometrajistas que hacen y seguirán haciendo cortos, que si no fuera por festivales como el de Fuengirola, esos trabajos acabarían en algún disco duro.

 

 

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El Festival de Cine de Fuengirola y Fernando Fernández Ariza
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Pedrortega | 29-09-2015 | 11:19| 0


 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a crear el Festival de Cine de Fuengirola?

Hace muchos años tuve la maravillosa suerte de trabajar en rodajes de publicidad, video clips y algunas películas, en ellos coincidía con parte de los equipos técnicos y muchos de los cuales acabaron siendo amigos muy cercanos, este lado humano de lo audiovisual me enganchó al mundo del cine y unido a mi inquietud por crear nuevos proyectos y participar en la organización de eventos dirigidos a la población pues me llevó a plantear esta idea y al final, pues con muy pocos medios nació una primera edición con un concurso de cortos, talleres y conferencias y hasta ahora no he podido parar…

¿Cuáles han sido los principales apoyos para que el Festival exista?

El principal apoyo que he tenido es el de la familia, que tiene que sufrir una dedicación mía personal durante todo el año y una aportación económica que he de hacer para cubrir cada año unos gastos mínimos que no consigo cubrir mediante patrocinios. Inmediatamente después, mi equipo, mis amigos, que son maravillosos y hacen un trabajo excepcional, con su entusiasmo y talento conseguimos solventar casi todo tipo de problemas.

¿Y cuáles son los principales retos que hubo que superar para que se hiciese realidad?

Un reto importante hasta el día de hoy ha sido mantener la imagen de que la selección de cortos y largos a competición se hace en base al criterio de los comités y no en función de amistades, premios ganados o personalidades que aparezcan en las películas. Cada año, amigos y conocidos me preguntan por qué un corto o su largo que ha tenido tantos premios o está apadrinada por tal personalidad no ha sido seleccionado. En Fuengirola tenemos la libertad de poder hacer lo que queramos y hablo en plural porque tan importante es mi opinión como la de cualquier otro miembro de los comités de selección. No tenemos presiones externas y lo que queremos es potenciar el lado más cultural del cine, apoyar a los nuevos artistas y ofrecerle al espectador una experiencia positiva.

 

 

Dicen los expertos que un festival se sostiene sobre tres bases igual de importantes: industria, público y medios de comunicación. ¿Qué opinas al respecto?

Es Cierto, Tenemos que contar con la industria porque los autores de una película quieren que se vea su trabajo, la prensa nos da a conocer y el público es el destinatario final del cine. Por desgracia, a los festivales se nos mide casi exclusivamente por el número de personas que asisten o el valor económico de la repercusión en prensa.

¿Cómo funciona el apoyo del público en el FCF?

Pues el público nos exige más publicidad, pero la publicidad nos cuesta mucho dinero y no podemos hacer gran cosa. Ya en estas últimas ediciones el público repite y viene a ver películas cualquier día porque sabe que nuestras películas son interesantes. Pero todavía hay mucha gente aquí que no sabe que Fuengirola tiene un Festival de Cine.

¿Y el apoyo de la industria del cine?

Entregado. Cuando conocen nuestro Festival, se entregan, lo que hacemos aquí es muy bonito y enseguida quieren repetir o ayudarnos. Es increíble lo que hemos podido hacer con un presupuesto tan pequeño. Cada año vienen personalidades muy importantes de nuestro cine.

¿Y los medios de comunicación?

Los medios son muy importantes para el Festival, ellos le dan difusión a las obras que vienen, nos traen público y nos dan prestigio. Pero somos un Festival pequeño y nos cuesta mucho trabajo encontrar hueco. El año pasado tuvimos el honor de tener difusión en Sur, Fotogramas y Canalsur y sin embargo no tuvimos ninguna difusión en los medios locales. A los medios les interesa mucho la asistencia de famosos y a nosotros lo que nos interesa es apoyar las películas a concurso independientemente si hay famosos o no.

 

 

¿Qué piensas que es lo más importante que necesitaría el Festival, ahora mismo, para seguir creciendo?

El Festival es como un bonsái, no crece más porque no le dejamos, recortamos actividades y secciones porque no podemos cubrir unos gastos mínimos que son de risa pero que no podemos costear. Este Festival ya tiene un prestigio nacional y el apoyo de mucha gente de la industria y tiene un público fiel. Podríamos tener una sección no oficial donde proyectar tantas películas españolas preciosas que nos llegan, podríamos tener más talleres, podríamos tener exposiciones, podríamos tener más conferencias, podríamos tener más invitados, actividades escolares, pero no los tenemos por no pagar un sencillo billete de AVE, que es muy poco pero no tenemos dinero ni para eso.

¿Cómo se hace la selección de películas?

Tenemos un comité de tres personas en el que me incluyo yo mismo. Nuestros criterios son que queremos ser una herramienta para darle difusión a películas independientes, a películas bien hechas y con una historia interesante que tienen dificultad para encontrar visibilidad en otros festivales, queremos películas de directores nóveles y películas que dejan huella. A veces hay películas con más o menos presupuesto pero siempre cuentan con la mayoría de estas premisas. Los cortos los eligen un comité de selección en el que no influyo para nada, recibimos más de 600 cortos y ellas, porque son tres chicas, eligen los mejores cortos para su gusto y criterio, lo único que exijo es que esté bien rodado y aporte algo nuevo.

¿Cuántas optaron a participar en cada sección?

Más de 40 largometrajes y 600 cortometrajes.

¿Qué pasos debe de seguir, o qué características debe de tener una película para formar parte de vuestro festival?

Nos gusta el cine independiente, los nuevos talentos, la gente trabajadora, eso se ve en una película. Y sobre todo nos gustan las películas que dejan huella.

¿Influye el presupuesto a la hora de seleccionar una película?

Sí, ayuda saber que han hecho mucho con poco, es más fácil conseguir grandes resultados técnicos o mejores actores con mucho dinero, pero saber el esfuerzo que han realizado para sacar una peli adelante es importante. Aunque no descartamos un producción mayor solo por el hecho de la financiación, hemos tenido películas de presupuestos medianos y grandes que pensábamos que tenían una historia que queríamos difundir, o bien que tenía poca visibilidad o era de directores nóveles.

 

 

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente en España?

Es milagroso poder levantar una nueva película en España. En cualquier otro país europeo los cineastas están mejor valorados que aquí y tienen muchísimas facilidades financiar y difundir sus obras.

¿Es cierto que ésta será la última edición del FCF?

Casi completamente. Este año morirá el Festival al menos tal y como lo conocemos. Es frustrante ver que estamos haciendo algo tan bonito, tan útil y tan necesario con tan poco presupuesto y no contar con el suficiente apoyo institucional. Nadie puede creerse que hacemos este festival con 1000 euros de presupuesto. Hay muchísimo trabajo detrás, es un festival increíblemente barato y aun así no conseguimos el apoyo que nos gustaría del Ayuntamiento, Diputación o Junta de Andalucía.

¿Qué tendría que ocurrir para que la 6ª edición de FCF exista?

Con el apoyo que le dio el ayuntamiento el año pasado al PlayFest, un evento de dos días del mundo de los videojuegos, nosotros mantendríamos este evento cultural de una semana para un público mucho más diverso y amplio.

 

 

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Pedro Jaén Rodríguez: Orpheize
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Pedrortega | 26-09-2015 | 14:19| 0


 

PEDRO JAÉN R. (Córdoba, 15/02/1982) Artista que comenzó de forma autodidacta en 1996, con obras relacionadas con la imagen sintética y relatos literarios, así como sus primeros cortometrajes. En 2000 marchó a Madrid a estudiar Comunicación Audiovisual en la Universidad Europea, donde se licenció en 2005. Allí trabajó en numerosos cortometrajes, entre los que destacó X-Y (2004). Completó su formación con el director/productor Antonio Gonzalo, el prestigioso guionista Syd Field y en la ECAM. Desde 2007 ha rodado diversas obras, entre las que destacan Oftalmós, Salvación y Cuando nieva sobre el hielo del infierno.

 

 

¿Cómo nace " Orpheize "?

Este proyecto se me ocurrió sin desearlo (había decidido retirarme del cortometraje) mientras viajaba en tren y en principio consistía sólo en la interpretación dramática de un actor en una pequeña habitación oscura e inmaterial; luego fue creciendo y aumentando pero siempre en torno a la idea central.

Cuéntanos la sinopsis

Como la protagonista de su película favorita, UigiG necesita salir y sentir. Y como a ella, a su novia le gustaba fumar y disfrutar de lo auténtico… antes de dejar de existir.

Y ahora que conocemos la sinopsis, ¿sobre qué trata?

Sobre un futuro donde no existe lo físico y todo es mental y telepático, con la angustia de un individuo que necesita escapar de ello y volver a sentir. Algo que, bajo lo alegórico y metafórico, es exactamente lo que está ocurriendo en la realidad actual.

La necesidad de recuperar lo auténtico en un mundo insoportablemente tecnológico.

También, hay una subtrama donde uso el fumar como una alegoría de (además de "lo físico") aquello que una persona desea hacer libremente pero que una sociedad cada vez más totalitaria le prohíbe y convierte en tabú. Es por tanto un vínculo simbólico con sus recuerdos de su amada y de un mundo libre.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Mi melancolía y mi desesperante insatisfacción con la época y el mundo en que me ha tocado vivir. Suelo identificarme mucho con mis protagonistas (por eso antes solía interpretarlos yo, si bien en este caso delegué), que suelen ser seres individualistas y casi (o del todo, según la obra) sociópatas, que se enfrentan a una sociedad despreciable y capitalista que amenaza con extirparles su autenticidad, su unicidad. Exactamente como me siento yo, cada vez más. Luego no acaba quedando otra posibilidad más que el enfrentamiento, rebelarse, la violencia; ésta es mi catarsis. Ese es un elemento constante en mi estilo, toque el género o tema que toque, y que me he dado cuenta que siempre tengo ahí, inconscientemente. Otras veces el tema por el que ha discurrido ha sido más biológico o médico, pero en esta ocasión le tocó el turno a la tecnología, que ha ido aumentando su omnipresencia y omnipotencia, como la principal arma social y capitalista para diluir a los individuos y privarles no ya de su originalidad sino hasta de aquello tangible que les hace seres: evitando cada vez más contacto físico y real entre las personas, con la propia naturaleza o incluso manipulando a los "borregos" para que ya no quieran tener cosas físicas, reales, tangibles, como libros o discos, sino archivos ficticios en el ciberespacio (que ahora éstos llaman "nube"). El otro tema que toco, haciendo indisoluble contraste y paradoja con la tecnología, es la cultura/arte. La gente, ufanos ellos con sus tabletas y teléfonos-"inteligentes", cada vez se cree con más derecho a despreciar, a insultar la cultura y el arte, y mientras más clásico éste, mayor odio tienen. Como han insinuado intelectuales como Iker Jiménez, Sánchez-Dragó, etc. y mi padre explica en su libro "Iluminaciones" (que da pie a mi cortometraje), el ser humano sufre una involución, relacionada con estos dos factores. En un principio empecé a escribir un proyecto que usaba de "macguffin" el amor de un retirado cantante por la ópera, y desde ahí se desarrollaba todo esto, pero al final (debido a presupuesto y a lo ya excesivamente usada ese "aria") cambié a este proyecto futurista donde el "macguffin" cultural pasa a ser la literatura y el cine clásicos, lo que mueve al protagonista a su infelicidad social pero felicidad personal. Como curiosidad, en ambas historias su salvación aparece alegorizada como una joven pura.

 

 

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

No considero tener influencias directas de otras películas o directores, lo cual creo que es un error de la mayoría de jóvenes y que yo mismo tuve en alguno de mis primeros cortometrajes y en un largo gamberro de serie-Z que hice. Las influencias demasiado palpables son malas pues le quitan sentido y cierta creatividad a lo que haces, y en caso de que las tengas, intenta que sean de clásicos antiguos y no de directores recientes ni series, porque ya se sabe lo que pasa cuando se hace la fotocopia de la fotocopia… Otra cosa es que al poseer un bagaje cinematográfico tan amplio las podamos tener inconscientemente. Pero como digo, no las he tenido directamente en este cortometraje, y nace de mi necesidad de expresar algo. Quizás, si hablamos del estilo de vestuario/estética sí haya cierta influencia del respectivo de la ciencia-ficción de los 70. Pero la verdadera influencia que he tenido (además de las ya dichas más arriba de mi vida y el libro de aforismos "Iluminaciones" de mi padre) ha sido la mitología, otra constante a lo largo de casi toda mi obra (Pigmalión, Caronte…). En este caso mi historia discurre sobre un casi desdibujado cauce del mito griego de Orfeo y Eurídice, así como de la ópera homónima de Gluck, y de cómo para poder volver a estar con su difunta amada el protagonista debe "convertirse en Orfeo" (ésta es la traducción del título), con sutiles referencias al Elíseo y al infierno, e incluso el personaje de conflicto "LIL" puede recordar lejanamente a las "furias".

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El principal, y en todos los sentidos, siempre han sido mis padres. Además, en este proyecto igual que en el anterior, se implicó y ayudó al máximo en todo lo posible para que se llevase a cabo el actor Aitor Sánchez.

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Conseguir las localizaciones, a todos los actores, y abordar la sonorización.

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

No hubo subvenciones, porque ya he desistido de pedirlas (debido a las obligaciones que comprometen y a lo a veces inútil de ese esfuerzo) ni, a diferencia de mis dos anteriores cortometrajes, "crowdfunding", pues no lo vi necesario para este proyecto (y prefería hacerlo de manera más secreta y hermética) a la par que cada vez está más colapsado su ámbito y ya no suele funcionar como cuando se inventó. Por lo que os remito a lo contestado arriba sobre "apoyos".

Preséntanos a los actores.

El protagonista (UigiG) está interpretado por dos actores: uno para la parte visual, gestual, que es Aitor Sánchez, con el que ya trabajé en mi anterior cortometraje y que se implica y cree con entusiasmo en los proyectos al máximo de lo posible (tanto que decide participar como co-productor), y el otro para la voz y todos sus matices es Karlos Klaumannsmoller, con una amplia experiencia en teatro y televisión. Las actrices fueron dos, para dar vida a las respectivas motivaciones de UigiG, que le impulsan: una es Araceli Budia, mi actriz fetiche, que encarna a la "femme fatale" de la película "noir" que él ve obsesivamente, y la otra es la novel Alba Peña, que hace lo propio con su difunta amada (cual Eurídice). Completan el reparto Antonio Velasco (también con una amplia experiencia en teatro y televisión) como el inmaterial villano de la función y Mario Mayo como tipo duro en la parte "noir". Todo rodado en inglés.

 

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Pues la verdad, y a diferencia de todas mis anteriores obras, en este rodaje apenas hubo anécdotas, no sé por qué, quizás debido a lo reducidísimo del equipo o a la concentración/precisión suiza con la que trabajamos. Bueno, sí, en un rodaje tan agotador, el actor Aitor Sánchez pudo salir a fumar mientras yo seguía preparando concienzudamente el siguiente plano. Una chica joven, al verlo con el vestuario, le preguntó si trabajaba ahí y respondió que trabajaba en "I.R.I.S. Global" (la corporación de la ficción). Ella le miró con cara extraña y entonces él le dijo que bromeaba (un poco ligoteando) y le explicó… y subió corriendo a proseguir, como un campeón. También, hubo varios auténticos romances entre miembros del proyecto…

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

Como decía, y si hablamos sólo del rodaje, el equipo técnico ha sido reducidísimo al límite, a diferencia de otros cortometrajes míos anteriores con una veintena de personas en el equipo o de mi largometraje con más de un centenar. En este caso tenía claro que lo principal para mí debían ser las interpretaciones y que sucedieran con la máxima naturalidad, realismo e intensidad emocional, y mi experiencia me indica que la mejor forma de lograr eso es con un equipo reducido donde se dé prioridad al actor sobre la parafernalia técnica, sin distracciones para nadie. Además, la planificación -acorde con el tono que debe tener esta particular historia- no incluía movimientos espectaculares de grúas que requiriesen de maquinaria pesada (como sí ocurrió en mi anterior cortometraje "Los exiliados de Kratos" donde primaba esa espectacularidad) ni de una iluminación aparatosa que no fuese natural, y por consiguiente de diversos ayudantes. Por lo tanto, yo me encargué de casi todo el trabajo técnico, por supuesto a cambio de una enorme preparación y planificación previa de todo ello durante meses. Puntualmente, pudo ayudar Wilma Menelik (habitual mía) y luego varias personas más en segunda unidad.

¿Cómo se llevó a cabo la postproducción? ¿Cuál fue la pieza clave de esa fase?

La postproducción sí fue con el número de personas habitual en trabajos previos, y en este caso resultó bastante complicada. Por un lado en imagen resultó que necesitaba de más retoques y efectos digitales de los que yo (que inicialmente quería la historia tan intimista que apenas los tuviese) había pensado, por lo que fue más tiempo de trabajo del deseado, cosa que no es la primera vez que me ocurre (mientras en rodaje sí suelo ceñirme al tiempo previsto). Y por otro la sonorización, pieza clave, fue muy compleja y problemática. Debido a requerir de doblaje con actores aquí en España, no pude encargarla directamente al estudio de Colombia que tan buenos resultados me había dado anteriormente. Y aquí vinieron los problemas: incumplimiento de condiciones, retrasos, ofrecer un "preview" de una ínfima calidad que ni propia de un estudiante, falta de educación y protocolo (nunca se debe olvidar quién es el director y quién decide, ni de qué modo se le habla o se refiere a su obra). Así que logré hacerme con el material de doblaje (que eso sí había quedado correcto y de calidad) y algún "foley" que estuviese en los límites de lo decente, y pude irme a mis ya habituales "Babilonia Recording Studio" de Colombia, que no sólo volvieron a enviarme un trabajo de gran calidad sino que esta vez era aún mejor que nunca y 100% profesional.

Háblanos de la banda sonora.

Empezó encargado de ella Oscar Navarro, que compuso la música de mis dos anteriores cortometrajes y que fue nominado al Goya por "La mula" y varias veces a los "Hollywood Music in Media Awards". Pero su ola de compromisos laborales hizo imposible esta vez tenerlo para cuando yo quería. Entonces conocí a través de él a José González Granero, otro músico de gran talento y calidad, que se encargó del proyecto trabajándome desde San Francisco (EEUU) y que entendía con asombrosa rapidez y perspicacia el tono concreto que yo deseaba para cada escena.

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Es muy difícil no hablar subjetivamente y ponerse en la piel del espectador, pero creo que la capacidad para transmitir una atmósfera, un universo concreto, y un estado de ánimo.

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De que haya evolución, mejoría, en mi dirección. Creo que, de una manera u otra, en cada trabajo he dado algún paso hacia adelante en calidad y madurez artística (empezando con aquellas torpes obras amateur de pre-adolescencia).

 

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

No tengo ni idea, no soy bueno vendiendo y además hay muchos tipos diferentes de espectadores, con niveles socio-culturales diferentes. Si te refieres al espectador medio, estándar, de hoy en día (vamos, al que disfruta con "Transformers 4", "Torrente 5" o series de moda) le diría que no pierda su tiempo en verla…

Háblanos de su distribución.

Digamos que está empezando. Ha habido recientemente una primera y breve etapa a través de la distribuidora de mis últimos cortometrajes, pero me di cuenta que no estaban siguiendo la línea necesaria para este proyecto/temática, así que estoy comenzando a distribuirla yo.

Festivales de cine, ¿qué sensaciones tienes en este aspecto?

Sería un tema muy largo y con muchas paradojas y experiencias para desarrollarlo aquí. Pero si hablamos sólo de lo más reciente, me atrevería a decir que han cambiado a peor, hablando en general, por supuesto. Con la crisis quebraron diversos (no sólo en España) y otros, en vez de adaptarse a ella y a causa de algunos organizadores elitistas de eventos, han caído en el círculo vicioso de valorar más un cortometraje mientras más dinero cuesta (manejando cifras casi pornográficas de hasta más de 100.000€) o más famosos tiene en su reparto, como si se tratasen de superproducciones y olvidando el sentido primero del cortometraje que es mostrar lo que alguien puede hacer para luego lograr esos medios económicos, después. Hoy en día un cortometraje tan bueno (pero pobre y rústico) como "Laberinto electrónico THX 1138 4EB" de George Lucas, o incluso "Himenóptero" (o hasta "Luna", aún siendo más caro) de Amenábar, serían ignorados con esa factura de imagen y jamás habrían tenido hoy una oportunidad Lucas y Amenábar de ser lo que son. Y lo de los actores famosos ya venía de hace décadas pero se ha acentuado ahora al máximo y supone una zancadilla al actor que empieza, al que está recién titulado, que donde tenía la oportunidad para hacer sus primeras prácticas y mostrar a las productoras lo que es capaz de hacer, era a través de los cortos; por cada cortometraje donde se contrata a un grande como Fernando Tejero / José Luis Gil, un actor novel pierde una oportunidad y tira la toalla y un director ve eclipsada su obra por ésta. (Sobre esto aclaro que respecto a ese actor que empieza, otra cosa es meter en un corto a un famoso que con su imagen ayude a impulsar la de sus compañeros desconocidos; y como director también digo que si -a la inversa de lo habitual- un famoso te pide trabajo es difícil negarse -aunque lo he hecho en alguna ocasión, según la situación-, éstos son ya matices relativos, pero hablaba de lo más habitual y del panorama actual). Otro factor que ha influido mucho, y negativamente, como en todos los aspectos de la vida, es internet. Antes, participar en un festival suponía un esfuerzo, un dinero, un tiempo. Te informabas bien, rellenabas a bolígrafo todo, hacías copias, les ponías una carátula atractiva, ibas a Correos y lo enviabas. Sólo ese esfuerzo suponía una criba fundamental de gente vaga o que no le interesa lo suficientemente esto. Luego el festival recibía el paquete, lo abría, lo primero de todo le entraba por el ojo una cuidada presentación o carátula, y se veía también motivado a valorar lo que tenía entre manos. Hoy, cualquiera y prácticamente gratis y aunque su obra sea un vídeo sin valor artístico, sólo le tiene que dar a un botón para que el festival reciba un enlace, por lo que el número de participantes se ha visto aumentado alarmantemente, siendo más caótica la competencia. Igual que internet destruyó el negocio de los videoclubs y sus puestos de trabajo, y he visto recientemente cómo lo ha hecho con las tiendas fotográficas, ahora le toca el turno a distribuidoras, empresas de duplicación de discos, etc. Una pena. Esta es mi opinión, pero sólo eso: MI opinión.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Sí y no. Todos los porqués del sí y los del no están dispersos por todas las anteriores respuestas y se pueden deducir.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente?

Creo que ante todo hay variedad. Variedad de calidades, temas, estilos… Lo que no se puede decir en absoluto del Hollywood actual de "remakes"/reinicios/secuelas, etc.

 

 

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Fulgencio Martínez: Z (estreno on-line)
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Pedrortega | 22-09-2015 | 10:15| 0


 

Fulgencio Martínez nació en Granada (1975). Escritor, fotógrafo y cineasta.

Ha desarrollado la mayor parte de su carrera profesional en el campo de la fotografía cinematográfica especializándose en el uso de la luz como elemento narrativo.

Ha trabajado en España, Bélgica y Marruecos colaborando en la creación de largometrajes, documentales y vídeos musicales.

Su trayectoria como director de fotografía comenzó en la serie Z, como operador de la disparatada “Karate a Muerte en Torremolinos”, evolucionando hasta el cine independiente de la mano del aclamado director británico Barney Platts-Mills “Zohra: A Moroccan Fairy Tale.”

Su obra siempre ha estado ligada activamente a la música, como guitarrista y cantante en bandas de punk-rock, en la promoción y management de espectáculos, siendo socio fundador de Microsurco S.L, como fotógrafo discográfico y promocional de grupos de rock,o en la creación documentales sobre las expresiones musicales gitanas a lo largo de Europa con su obra “Letcho Gourko”, distribuida internacionalmente.

En la actualidad continua trabajando como director de fotografía, operador de cámara, realizador, escribiendo, y desarrollando proyectos personales.

¿Cómo nace "Z"?

Normalmente trabajo como director de fotografía, encargándome de la luz y la cámara de producciones cinematográficas, y aunque ya tenía experiencia en la realización, nunca había trabajado dirigiendo actores.

Ese fue el principal motivo por el que me propuse llevar a cabo “Z”. Siempre había visto de cerca este trabajo con los actores, intentando aprender de las virtudes y los errores ajenos, pero nunca lo había hecho yo mismo.

Cuéntanos la sinopsis

¿De un corto? Si te cuento la sinopsis te he reventado el corto.

Y ¿sobre qué trata?

En general trata sobre la memoria. Otra cosa es que haya matices de interpretación sobre los personajes, sus motivaciones y varias ideas en segundo plano. Me encanta cuando alguien me dice haber visto algo nuevo, en ocasiones algo que no estaba intencionado. Creo que esa es una de las bellezas de una obra, que desde el momento en que las dejas ir pertenecen al espectador, y es el mismo quien simpatiza o interpreta las reacciones del personaje, la trama, el espacio. Tampoco se trata de algo muy complicado a nivel psicológico, pero detesto ese cine que nos vomita todo mascado.

Para no pensar ya está la televisión.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

A nivel personal como dije dirigir actores. También hay dentro de la trama cierta historia olvidada por muchos, que considero importante mantener en la memoria.

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

Todo influye, no tienen por qué ser otros guiones, ni tan siquiera otras obras audiovisuales. La mayor influencia es quizá la obra de aquellos que han hecho de la carencia de medios una virtud. Si los nombrara pensarías que soy un loco, posiblemente lo pienses, y me alegro de ello.

Todo lo que te toca te influye, pero hay que ser consciente de a quien debes emular a nivel de producción.

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

El entusiasmo del equipo. Unos actores entregados. Y un poco de dinero personal para vestuario, gasolina y unos platos combinados.

¿Y los cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Convencerme a mí mismo de que merecía la pena, y luchar contra mi pereza.

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

No existen.

 

 

Preséntanos a los actores.

Paul Lapidus es un gran actor que conocí en mi primer largometraje como director de fotografía hace ya unos 14 años.

Él tiene una larga carrera con directores como Jess Franco, Pedro Temboury y otros del género.

Me apetecía trabajar con él, porque es un hombre con un gran talento, y estaba convencido de que sería capaz de ofrecer un registro diferente.

Richard Nother es músico. Fue una pieza clave de la historia del punk inglés, y sigue siendo un batería de enorme talento, aparte de una persona muy inteligente.

A pesar de no ser actor es un artista, por lo que pudo interpretar su papel sin problemas. Puso en ello un gran interés y disciplina.

Sauce Ena es una de las grandes actrices de nuestra tierra. Tiene una larga trayectoria en teatro, cine y ficción, así que era una apuesta segura y siempre es un placer trabajar con ella.

Hella Deng es modelo, aunque no por ello su presencia en la película es simplemente estética, o anecdótica. Hizo una buena interpretación y su simple aparición aporta un elemento narrativo de gran valor.

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Como dice el refrán. “Lo que pasa en las Vegas, se queda en las Vegas.”

¿Qué tal ha funcionado el equipo técnico? ¿Podrías presentarnos a sus integrantes?

El equipo técnico fue muy reducido, pero eran de los buenos. Sin ellos no hubiera sido posible, y les estoy enormemente agradecido.

Adrián Martín estuvo muy implicado desde el principio llevando los asuntos de producción. Desde localizar, formar equipo, hasta gestionar los más pequeños detalles. En el rodaje Noelia López vino a ayudarle.

Elena González se encargó del sonido tanto en rodaje como en su postproducción, e hizo una gran aportación creando atmósferas sonoras que ayudan a la narración.

Aunque normalmente yo llevo la luz y la cámara necesitaba alguien que me ayudara, ya que yo tendría que estar con los actores y mil cosas más. Jose Manuel Alguacil llevo la cámara y David Márquez y Sergio Díaz fueron ayudantes.

Angie se encargó de ser mi ayudante de dirección y script, y de tenerlo todo en orden.

Noelia Mantas se encargó del maquillaje. Es una gran profesional que siempre está involucrada en proyectos audiovisuales.

¿Cómo se llevó a cabo la postproducción? ¿Cuál fue la pieza clave de esa fase?

La postproducción de audio la hizo Elena en su casa, y la de imagen yo mismo en la mía.

Es algo que tanto ella como yo llevamos tiempo haciendo.

 

 

Háblanos de la banda sonora.

En cuanto a la banda sonora Celia Lopez, una gran amiga, me puso en contacto con Stephane Karo de Divano Prod, manager de Kocani Orkestar, y él gestionó el uso de su música en el cortometraje.

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Tendrá que contestarte un espectador. Yo no puedo ser mi propio espectador. Después de haber llevado a cabo todo el proceso de producción me resulta imposible ver con una mirada nueva. Estoy intoxicado.

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

De haberla terminado. Parece una simpleza, pero aquel que crea que hacer cine de calidad es fácil le invito a ponerse a ello.

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

Seguro que has visto cosas peores, y esto por lo menos no dura mucho. Échale un vistazo.

Háblanos de su distribución.

Se ha visto en varios festivales, pero para mí la distribución sigue siendo un misterio.

Del mismo modo que aquel que planta ajos no sabe cómo llegan estos a los estantes del mierdadona, la creación y la distribución cinematográfica son dos mundos muy diferentes. No tengo gran una experiencia en esto, y no llego a entender del todo como funciona. Yo sé cómo se plantan ajos.

Festivales de cine, ¿qué sensaciones tienes en este aspecto?

A mi modo de ver en la mayoría de los casos un festival de cine es una gran inversión para que el alcalde se haga unas fotos con algunos actores famosos, y de paso dar autobombo a su magnífica “gestión cultural”.

No es normal que cada pueblo tenga un festival de cine. Tampoco es normal que el concejal de turno cobre una dieta por asistir, y a veces el ganador se lleve solo una palmadita en la espalda. Creo que están demasiado ligados a la política y a la administración, y ésta lo que debe de hacer es dejar de meter los hocicos en la cultura.

 

 

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Depende de lo que entiendas por recompensa. Si uno está interesado en hacer dinero lo mejor es montar un banco. Las recompensas son otras, y por supuesto que las siento.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente?

El gran problema del cine independiente no radica en la falta de talento, ni en las dificultades económicas. Sino en el hecho de que la distribución cinematográfica este dominada por las grandes productoras estadounidenses.

Esto en si es un oligopolio mafioso que todos los gobiernos fomentan a pesar de tratarse de un colonialismo industrial y “cultural” (Habría que definir el término cultura para ver si es aplicable a ciertos tuercebotas).

¿Por qué las administraciones fomentan estos sistemas? Por la misma razón que se fomenta la corrupción en el sector de la energía, la prensa, la telefonía, la inmobiliaria. El dinero.

Como recriminaba aquel niño a Chaplin en Un Rey en Nueva York “¿Puedo entrar yo en el negocio de automóviles y competir con el autotrust? ¡Ni soñarlo! El monopolio es la amenaza de la libre empresa.”

Aquella película tiene ya 60 años y tardó unos veinte en ser exhibida en Estados Unidos, a pesar de que Charlie Chaplin era el rey del cine.

¿Crees que puedes hacer una peliculita, y competir con ese ente monopolista al que llaman Hollywood? ¡Ni soñarlo!

Si ves una película en cartelera ten por seguro que dice lo que quieren que oigas.

En fin, así seguimos, así o peor, pero habrá que continuar.

 

 

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Javier Miranda y Alcances, la Muestra de Cine Documental de Cádiz
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Pedrortega | 09-09-2015 | 15:29| 0


 

Hace ya nueve largos años que Alcances inicia el camino por convertirse en un Festival de Cine Documental. ¿Por qué este cambio?

En su momento se decidió que había que especializar los festivales andaluces. Hasta entonces, Alcances tenía una sección oficial de cortos españoles, pero otros eventos autonómicos como el Festival de Málaga o el de cortometrajes de Granada cubrían este campo. En los años previos a 2006, que fue cuando iniciamos el cambio, había una sección de documentales que funcionaba muy bien, y se decidió que Alcances cubriese el tema documental, centrando su sección oficial en los españoles. Fue una decisión de gran calado aunque entonces no lo supiésemos, pues hemos recogido toda la eclosión del documental nacional de creación y nos hemos convertido en un referente de los festivales en toda España.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir un Festival como éste?

Fueron una serie de circunstancias. Yo siempre digo que empecé en Alcances en los años 80, siendo un fiel espectador que se tragaba sesión tras sesión. A finales de los 90 me convertí en colaborador en temas cinematográficos de la prensa local y escribía críticas del Festival. A principios de la pasada década comisarié ciclos y llegué a ser asesor hasta que con el cambio de 2006 me convertí en Director Artístico. Parece que mi destino estaba escrito.

¿Cuáles han sido los principales apoyos para que el Festival exista?

Alcances nunca ha contado con grandes presupuestos en sus 47 años de vida. A lo largo de su existencia ha tenido diversos patrocinadores que han ido entrando y saliendo según las épocas. Las instituciones que apoyaron las primeras ediciones prácticamente desaparecieron al formar parte de los organigramas franquistas. Pero afortunadamente siempre ha habido alguien que ha decidido apostar por él. En el momento actual es prácticamente un festival municipal, con ayudad de otras instituciones como Unicaja, el ICAA o la Diputación de Cádiz.

¿Y cuáles son los principales retos que tiene que ir superando para seguir siendo una realidad?

Yo, como Director Artístico que soy, prefiero pensar más en cuestiones estratégicas cinematográficas que en cuestiones económicas, que de forma fatalista creo ya llegarán. Uno de los secretos de Alcances para haber sobrevivido tanto tiempo es haber sabido adaptarse a los nuevos tiempos cinematográficos, sean estos cuales sean en cada momento. El centrarnos en el documental español responde a esta inquietud. Creo que el principal reto como evento audiovisual es mantener siempre esta antena levantada. Si no, por mucho presupuesto que haya, se perderá el pulso que debe mantener a cualquier evento cultural vivo.

 

 

Dicen los expertos que un festival se sostiene sobre tres bases igual de importantes: industria, público y medios. ¿Qué opinas al respecto?

Esta formulación creo era válida hace unos años, pero ahora no cubre la realidad del cine independiente que vive al margen de la industria, y que está creciendo últimamente con la eclosíon de las nuevas tecnologías que han democratizado mucho el acceder al audiovisual. Nunca entenderé para que necesita la industria festivales cuando tienen los circuitos comerciales controlados. Personalmente no me interesan los festivales en los cuales las películas de la sección oficial ya tienen fecha de estreno en salas, son más una promoción vestida de festival. Creo que los eventos de cine tienen un valor cultural y deben apostar por las películas más invisibles, por usar una terminología de moda, que si no fuese por estas ventanas no se verían prácticamente, al estar marginadas por el sistema audiovisual imperante. Y para demostrar al público que hay otras formas de contar historias y de jugar con el lenguaje del cine, que no todo está tan trillado como en los blockbusters que se estrenan los viernes. Creo que si no es así, no tiene sentido montar un festival.

¿Cómo funciona el apoyo del público en Alcances?

Hay que decir que el público siempre ha sido crucial en que Alcances siga existiendo después de casi medio siglo. El Festival siempre ha sabido llevar a la ciudad de Cádiz cine que era difícil de ver normalmente y eso ha creado promociones de espectadores educadas en otra forma de ver películas. Hay que confesar que cuando el cambio al documental hubo un período de transición en que el público clásico de Alcances salió y entró otro más joven que ahora está apoyando la propuesta, pues se identifican con las temáticas y los lenguajes, y con el perfil de nuestros cineastas.

 

 

¿Y el apoyo de la industria del cine?

De las respuestas anteriores se deducirá fácilmente que la industria como tal no es una prioridad para Alcances. Nuestro modelo se centra en el documental de creación más bien independiente porque como he dicho antes creemos que los festivales deben ser eventos más culturales que apuesten por el cine de difícil salida tanto comercial como ante el público.

¿Y los medios de comunicación?

Hay un interés que notamos creciente año a año en los medios por lo que hacemos. Pero paradójicamente fuera de Cádiz, los locales no muestran el mismo interés. Las reducciones de plantilla y la ausencia de críticos impuesta por los nuevos tiempos empresariales han afectado a la información.

¿Qué piensas que es lo más importante que necesita el Festival, ahora mismo, para seguir creciendo?

Nos están surgiendo nuevos aliados con asociaciones y organismos del documental de toda España, que confían en nosotros, y podríamos crear con ellos actividades que refuercen las actividades paralelas del Festival. Y también igual es el momento de potenciar aspectos internacionales en secciones paralelas, con la organización de ciclos y de retrospectivas de cineastas.

 

 

¿Cómo se hace la selección de películas? ¿Qué pasos debe de seguir, o qué características debe de tener una película para formar parte de vuestro festival?

Alcances es un festival de cine documental, y para nosotros es importante hacer hincapié en lo de “cine”. En el documental muchas veces se cae en el error de poner el tema, por muy importante que sea, por encima de la forma de narrarlo. Nosotros destacamos la narrativa, aunque hemos descubierto que los cineastas que son inquietos con el lenguaje, también lo son con las temáticas. Tampoco pedimos exclusividad, con lo que en nuestra Sección Oficial pueden concurrir filmes que vienen de otros festivales, aunque año tras año, sobre todo en cortos, aumentan los estrenos. Y nos encanta apoyar a cineastas jóvenes que con frecuencia presentan su primer trabajo. También tratamos de construir un discurso con la Sección Oficial, que la formen películas que de alguna manera dialoguen entre ellas, manifestando la riqueza del documental español actual.

¿Influye el presupuesto a la hora de seleccionar una película?

No, a la hora de visionar a las candidatas a la Sección Oficial procuramos no saber nada de la película si es posible si no la conocemos previamente. Nos gusta enfrentarnos al film en sí mismo para verlo sin condicionamientos previos. Si nos funciona, nos da igual su presupuesto, aunque no podemos ocultar que sin es independiente nos gusta más.

¿Qué opinas del panorama actual del cine Documental en España?

Pues es un campo fascinante hoy en día, puesto que me da la impresión que los cineastas más inquietos que están accediendo a la dirección hoy en día se pasan al documental. Esta marginalidad de la industria les permite más libertad creativa. Hay juegos maravillosos entre realidad y ficción, con lenguajes fronterizos y una gran inquietud. La prueba es que los festivales internacionales de cine más independiente, caso de Locarno, programan todos los años este tipo de películas, con directores por cierto que en algunos casos han pasado por Alcances, mientras que en los festivales más publicitados, caso de Cannes, Venecia y Berlín, las películas industriales españoles son ignoradas. Algo que debería hacer reflexionar a más de uno de dónde está hoy en día el interés de nuestro cine. Creo que el movimiento documentalista español es uno de los mayores activos culturales que cuenta nuestro país hoy en día. Ahora solo falta que el país sea consciente de ellos y le de el espacio que se merece.

 

 

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Manuel Jiménez Núñez: Show Me Now!
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Pedrortega | 07-09-2015 | 09:19| 0


 

SHOW ME NOW! de Manuel Jiménez Núñez, fue unos de los proyectos para las ayudas a la creación audiovisual del Festival de Cine de Málaga.

En Andalucía, los vendedores de los mercadillos callejeros, se han valido tradicionalmente de la gracia, del ingenio y la chispa para dibujar sonrisas cómplices en los clientes y atraerlos hasta su punto de venta. En la actualidad cada vez es más complicado encontrar personas que pregonen su género, ya que se ha convertido en una práctica prohibida por la mayoría de las corporaciones municipales. Con SHOW ME NOW! proponemos un viaje sensitivo a través de las imágenes y los sonidos por el universo, en vías de extinción, de los mercadillos andaluces.

 

 

¿Cómo nace "Show me Now!"?

Nace como un recuerdo. Un recuerdo sonoro. Cuando era pequeño mi padre solía llevarme al mercadillo los domingos por la mañana. Allí recorríamos los pasillos infinitos repletos de curiosidades y siempre envueltos en ingeniosas cantinelas que despertaban nuestras sonrisas y nos hacían compartir miradas cómplices. Así que años después, junto a mis compañeros de Yolaperdono, decidimos dar forma a ese recuerdo.

Y ahora que conocemos la sinopsis, ¿sobre qué trata?

Pues creo que la sinopsis refleja bastante bien lo que mostramos. Show Me Now! trata sobre un arte en vías de extinción con el que la mayoría de los andaluces hemos convivido y que va desapareciendo sin que nos demos cuenta. Trata sobre el ingenio, la gracia, la chispa con que los vendedores tratan de convencerte de que adquieras su mercancía valiéndose de su simpatía, de despertar una sonrisa cómplice que te acerque, que te haga elegirlos frente a los demás. Trata del buen humor frente a la vida.

 

 

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

La libertad de poder contarla como decidiésemos contarla. Show Me Now! es una apuesta personal de todo el equipo de Yolaperdono. Nos apetecía contar una historia que quisiésemos contar y de la forma que decidiésemos contarla y aquí se daba la posibilidad. Pusimos en común cómo todos habíamos vivido la experiencia de ir a los mercadillos y disfrutar del ingenio de sus vendedores, y pensamos que podría ser una buena historia recorrer los mercadillos de Andalucía y reivindicar cómo se iba perdiendo ese arte. Además nunca había dirigido una comedia, aunque fuese valiéndome del documental, y Show Me Now! lo es. Es maravilloso comprobar cómo las risas inundan la sala cuando se proyecta.

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

No creo tener influencias directas, como cualquier miembro de mi generación soy un gran consumidor de audiovisual. Aunque yo lo llevo un poco al extremo… Siempre he pensado que para contar historias a través de la narrativa audiovisual debes consumir muchísimo audiovisual y de todos los estilos y géneros, por lo que entre mis obligaciones diarias está la de ver, como mínimo, una película, ya sea ficción o documental. No hago distinciones en ese sentido, creo que la narrativa es una y sus infinitas posibilidades pueden estar al servicio de la ficción o del documental sin distinciones. Así que entre mis directores favoritos, que al final son los que más te influyen, hay absolutamente de todo.

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Personalmente el principal apoyo fue el de mis socios, David Navas, Alejandro Illa y Diego Lara, que al plantear, la idea la hicieron inmediatamente suya y la enriquecieron en todos los aspectos. A los que se sumó inmediatamente Juan Carlos del Castillo para diseñar la estructura sonora, básica en este trabajo, como lo es él en todas nuestras producciones. Como comentaba decidimos sacar adelante la producción como algo propio. Una producción de Yolaperdono como productora única. Después el primer gran espaldarazo llegó del Festival de Málaga. Cine Español, que convocó unas ayudas a la producción de la que fuimos beneficiarios. Y el segundo vino de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía que nos concedió las ayudas a la producción, haciendo definitivamente posible la producción del documental. Sin olvidar al Ayuntamiento de Fuengirola que nos facilitó los permisos de grabación, y a La Habitación de Lenon que también nos dio su apoyo desde el primer momento.

¿Y los cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El principal reto fue la realidad. Lo que recordábamos como una algarabía de chascarrillos y duelos de ingenio entre los vendedores no era tan fácil de encontrar como recordábamos. Descubrimos que gran parte de las corporaciones municipales de nuestra comunidad han prohibido pregonar el género, con lo que resulta más complicado encontrar comerciantes que aun lo hagan. Por otra parte la crisis también ha afectado directamente a esta actividad, haciendo que algo que se heredaba de padres a hijos se haya visto truncado por los problemas económicos, rompiendo esa cadena hereditaria que hacía también heredar las fórmulas de venta. Se ha pasado de vendedores de toda la vida que aprendieron de padres y abuelos a personal contratado ajeno a estas costumbres. Así que tuvimos que incrementar el número de mercadillos a recorrer para lograr construir lo que mostramos, y nos quedó la sensación de que mostrábamos algo que se acaba, algo que dentro de poco no será más que un recuerdo. Es triste, a la vez que nos parece, hace necesario este trabajo.

 

 

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Como comentaba antes, básicamente es financiación pública, gracias al apoyo del Festival de Málaga. Cine Español, de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía y del Ayuntamiento de Fuengirola, a la que unimos el apoyo de La Habitación de Lenon y nuestra propia aportación como productora.

Preséntanos a los actores.

Los actores no lo son, ya que Show Me Now! es un documental. Los protagonistas son los comerciantes de los mercadillos de Fuengirola, Málaga, Nerja, Torremolinos, Sevilla, Cádiz, Jerez, Algeciras, La Línea y Sanlúcar de Barrameda.

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

El rodaje estuvo repleto de anécdotas, que se iban incrementando conforme más rodábamos, ya que los comerciantes nos recordaban e íbamos estrechando lazos cada vez que nos reencontrábamos. Siempre que llegábamos a un nuevo mercado alguien nos recordaba nuestro periplo, y nos detallaba dónde habíamos estado anteriormente, y cómo nos habían visto en Cádiz o Sanlúcar o cualquier otro lugar. Fue genial cómo nos acogieron y lo bien que nos trataban, contándonos cada uno sus experiencias vitales. No podéis imaginar todo lo que hemos aprendido de los entresijos de la venta por Andalucía.

¿Cómo se llevó a cabo la postproducción? ¿Cuál fue la pieza clave de esa fase?

La pieza clave fue el sonido. Desde su inicio tuvimos claro que el sonido era el elemento vehicular del documental. Así que la postpo se planeó en base al sonido. Fue lo primero que montamos y sobre este fuimos dando forma a la imagen, que debía aun enriqueciéndote la información, permitir que no se escapase nada de lo que se oía. La duración de los planos estuvo condicionada al perfecto entendimiento de lo que se estaba oyendo.

Háblanos de la banda sonora.

Así que la banda sonora es el elemento primordial del documental. Podríamos decir que, en este caso concreto, la imagen está al servicio del sonido para contar la historia. Fue un intenso trabajo de Diego Lara y Juan Carlos del Castillo que consiguieron que Show Me Now! suene tan bien como suena. Que la banda sonora te lleve por la historia.

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Como espectador me quedo con lo real de la peli. Con como el público se sumerge en la historia y pasa un buen rato, con carcajadas incluidas. Se cuentan muchas cosas en la peli, muchísimas más de las que podría parecer que caben en menos de quince minutos, pero sobre todo se disfruta viéndola. Como comentaba antes es una comedia en toda regla, y estamos encantados de que así sea.

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

He de decir que estoy totalmente satisfecho con la película. Creo que ha resultado exactamente lo que queríamos. Hemos conseguido montar la película que queríamos hacer y, todo el equipo, estamos enormemente satisfechos. Es una gran satisfacción como director que la película que te montas en la cabeza acabe viendo la luz, comprobar que consigues transmitir las reacciones que en un principio sólo existían en tu cabeza, y que funcionan y que la gente acaba disfrutando con la historia que has hecho para ellos. Que esa mezcla de imágenes y sonidos que construías en tu cabeza al final transmiten lo que pensabas que transmitirían, y hacen sentir las sensaciones que imaginabas.

 

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

Que le prometo que se lo va a pasar bien, que va a disfrutar y va a salir con una sonrisa del cine.

Háblanos de su distribución.

Bueno, eso es más complicado. Al fin y al cabo es un cortometraje y eso hace que no tenga una vida comercial al uso. Estuvimos cerca de la venta a Canal Plus, pero el ser un documental cerró la posibilidad, al menos por ahora. Esperamos que tenga una larga vida festivalera, y que llegue al mayor número de espectadores posibles, y tras esto pasará a una plataforma digital como Feelmakers o Filmin. Lo que está claro es que haremos todo lo posible porque se vea lo más posible y de todas las formas posibles.

¿Qué significa para el equipo la selección en Alcances?

Un enorme orgullo lo primero. Estar seleccionado en uno de los festivales más importantes de documentales del país es todo un honor. A lo que se une la enorme satisfacción de ir al festival. Intentaremos ir todos los miembros del equipo ya que, para nosotros, es unos de los festivales más especiales que existen en el mundo. Aquí estrenamos nuestra primera producción como productora, y nada menos que en el Falla, como película inaugural, y tenemos muy buenos amigos tanto dentro como fuera del festival, como cualquiera que haya estado en el festival, vamos. Son un equipo maravilloso que hacen honor a la ciudad que representan. Al final a los festivales los hacen grandes los equipos que lo conforman y Alcances en eso es insuperable.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Si es lo que más te gusta en el mundo sí, si no, no. Afortunada, o desgraciadamente, para mí lo es. Pero no se lo recomiendo a quien no sienta esa pasión. Las recompensas son muchas, pero igual no las que más valor tienen para la mayoría de la gente.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente?

Bueno, en nuestro país casi todo el cine es independiente, y más aun si hablamos del ámbito documental. Está claro que ha habido una democratización de la producción que han traído las nuevas tecnologías. Ahora un iphone da más calidad de imagen de la que tenía yo cuando rodé mi primer largometraje documental, esto hace que la producción se haya disparado. Hace diez años un festival de primer nivel internacional recibía en torno a mil producciones anuales, ahora se acercan a las cinco mil. Esto hace que aparezcan voces interesantísimas que antes no hubiesen tenido la posibilidad de contar sus historias, pero da muy mala vida a los programadores, porque también hay miles de voces que tampoco era necesario que se alzasen… Yo creo que el cine independiente está bien, como siempre lo ha estado y como siempre lo estará. Necesitamos contar historias y necesitamos que nos las cuenten.

 

 

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Joan Antúnez: Out
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Pedrortega | 03-09-2015 | 08:35| 0


 

Joan Antúnez (Barcelona, 1984) Graduado superior en sonido por la Escuela MK3 de Barcelona y graduado en producción audiovisual, ha trabajado más de 10 años estudios de post producción de sonido de cine como Sonoblok, Molinare o International SoundStudio participando en películas como Melinda&Melinda, Cosmopolis, Magic Mike, Megamind, La Conspiración o Batman Begins. Como productor de publicidad ha trabajao en varias agencia de publicidad en proyectos de Unicef, Estrella Damm, Decathlon, MTV o Reebok.

En paralelo, realiza pequeñas piezas fílmicas en las que busca experimentar con el lenguaje y la forma cinematográfica. En 2014, concluye el Master en Teoría y Práctica del Documental Creativo (UAB). Su primera película OUT (2014) se estrenó en el festival Punto de Vista y ha formado parte en sección oficial en el Festival de Málaga, Chicago Underground Film Festival, Atlántida Film Fest, Alcances, CurtoCircuito y Cinespaña de Toulouse entre otros.

A parte de su trabajo como director de cine, se especializa como docente de cine de no ficción y vanguardias artísticas.

 

 

¿Cómo nace "OUT"?

OUT nace de una imagen: la cara de un niño trabajando de recoge pelotas en el torneo de tenis profesional Open de Australia. Durante la retransmisión del partido, el realizador pinchó, seguramente por error, una cámara que estaba enfocando ese niño lleno de nervios y con los ojos perdidos. Me fascinó esa imagen. Pero ese plano no duró más de un segundo. Entonces empecé a mirar partidos de los principales torneos de tenis del mundo para ver imágenes similares. No tuve suerte. Todos los eventos deportivos siguen el mismo patrón ideológico, narrativamente hablando. Entonces empecé a observar todo lo que la televisión descarta, y un nuevo mundo se apareció ante mí.

Cuéntanos la sinopsis

¿Rafael Nadal, Roger Federer, Novak Djokovic? No. En OUT, documental grabado durante un torneo de tenis profesional de Barcelona, los protagonistas son aquellos que están fuera de las líneas del terreno de juego, casi invisibles para la televisión. Tenis sin tenistas.

Y ahora que conocemos la sinopsis, ¿sobre qué trata?

Cuando uno se plantea hacer una película de este tipo, sin guión establecido y dejando que la realidad por si sola vaya construyendo la película, normalmente se pierde la perspectiva de qué se está contando. OUT es un ensayo cinematográfico sobre el fuera de campo en el mundo del tenis profesional. Es mi experiencia personal como director y utilizo en este caso el cine para proyectar esa experiencia. Quien mire OUT, podrá hacer un viaje personal dentro de la película entre los cortes de montaje, las texturas de la imagen y la música en un construcción poética de la realidad.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Ese misterio aún no lo he resuelto. Quizás la película me encontró a mí, o quizás la encontré yo.

 

 

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

Como no trabajo con guiones, la pregunta podría ser: ¿Qué influencias artísticas han enriquecido la película? Te podría contestar que me gusta John Coltrane, cómo usa el saxofón para conectar su alma con el público; Van Gogh me transmiten una libertad pictórica que trasciende más allá de la representación lógica de la realidad; el cine soviético marcó mis inicios cinematográficos; me interesan los artistas que son capaces de saltar de un movimiento artístico a otro como Warhol, Yoko Ono o Santiago Sierra; veo películas de cineastas que tengan una voz propia, que trabajen sobre el blanco, el vacío o el silencio y que ofrezcan al espectador una experiencia que sólo se pueda llevar a cabo a través del cinematógrafo. También han influido textos de Brecth, Tarkovski, Bresson, Baudrillard, Deleuze o Eugeni Bonet.

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

La película se hizo dentro del Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la UAB, así que el principal apoyo fueron las tutoría de desarrollo de proyecto de Virginia García del Pino y Jorge Tur. La película se presentó a un pitching y el instituto de RTVE entró en la producción de OUT. La incorporación de RTVE fue decisiva porque son los que emiten la señal internacional de televisión en el torneo Open Banc Sabadell, el torneo de tenis donde queríamos grabar la película. Pero el principal apoyo que recibimos fue que nadie quiso cambiar la esencial de la película. Eso nos dio alas a poder pensar con libertad y llegar más lejos a nivel conceptual.

¿Y cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

El principal reto fue pensar el sonido. Pensar en imágenes que estuvieran fuera del campo visual de la televisión es relativamente fácil. Lo difícil fue encontrar el fuera de campo sonoro. El rodaje duró 8 días seguidos durante el torneo Open Banc Sabadell. A partir del quinto día la sonidista Diana Montenegro dejó de venir al rodaje porque era innecesaria su presencia ya que todo lo que podía grabar de sonido directo, formaba parte del espectro sonoro que se puede escuchar desde la televisión. Entonces tuvimos que repensar el sonido en postproducción.

El otro gran reto fue encontrar las imágenes que teníamos en nuestra mente. Queríamos planos muy concretos, entradas de personajes dentro del encuadre de una determinada forma, ritmos visuales, gestos y acciones muy específicas. Grabábamos todo el día sin parar y aún así, conseguimos muchísimo menos de lo que queríamos.

Preséntanos a los actores.

¿Actores? OUT, es una película de paisaje. No hay actores, sólo personas en su puesto de trabajo y una cámara grabando sus acciones. Los actores interpretan o representan una acción dramática determinada. Prefiero que las personas sean ellas mismas.

 

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Al principio del rodaje, los grupos de recoge pelotas, linieres y los jueces de silla se dejaban grabar pero no había una relación muy cordial que digamos. Pero cuando estábamos en la mitad del rodaje, empezamos a entablar una relación de confianza con ellos y nos empezamos a ver muchas cosas que antes no habíamos visto. Nos hablaban de sus vivencias en otros torneos, la relación que tenían con sus jefes, las niñas y niños nos contaban muchas anécdotas… así que tuvimos la tentación de mostrar esas vivencias. Pero eso era cambiar por completo el proyecto y decidimos no seguir ese camino. Animo a otros cineastas a investigar sobre las bambalinas del tenis profesional y rodar películas sobre este tema. Se llevarán muchas sorpresas.

¿Cómo se llevó a cabo la postproducción? ¿Cuál fue la pieza clave de esa fase?

La forma de la película nació de la lucha entre la idea y la materia. Teníamos claro que la película iba a nacer en el montaje. Para mí, el proceso de montaje es muy similar a la escultura. Tienes una idea, luego vas en búsqueda de un bloque de mármol, y trabajas la materia. Hay que tener en cuenta los nervios del mármol, las fisuras, la geología de la piedra. Nunca sabes cómo quedará la película hasta que empiezas a trabajar la materia. Hay que tener en cuenta su dureza, dilatación, permeabilidad y porosidad. El proceso de montaje fue muy diferente de los cánones generales. Editábamos la imagen a la vez que el sonido. Como buscábamos atmósferas muy determinadas, estábamos visionando las imágenes y a la vez mezclando el sonido con Protools casi desde el primer día de montaje. Cuando acabamos de editar la imagen, el sonido ya estaba casi listo. Entramos a una sala de mezclas solo para retocar algunos niveles. El proceso de postproducción duró 4 semanas.

Háblanos de la banda sonora.

En la mayoría de película que veo la banda sonora, o pista de sonido, hace de cojín para la imagen. Yo le llamo el síndrome del ‘bel canto’. Los elementos principales de la música son el ritmo, la armonía y la melodía. Simplificando mucho, el bel canto lo que hace es potenciar los efectos de la melodía, dejando el ritmo y la armonía en un segundo plano. Para mi, generalmente, los elementos de ritmo y armonía en el cine los cumplen la música y el sonido y la melodía la imagen. Lo que nos interesaba hacer en OUT, era revertir ese orden establecido y dar a la pista de sonido un papel más importante que la imagen en ciertas partes de la película.

Para eso, fuimos a buscar piezas musicales y sonoras que nos permitiera construir una banda sonora muy enfática. No apoyamos en Debussy, Emin Aristakesyan, un extracto de la película de Gustav Deutsche ‘Film Ist’ y las dos canciones originales de Alan Nakagawa.

 

 

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Lo que no está en el montaje. Lo que tuve que descartar es lo que más me gustaba.

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Me siento satisfecho de haber trabajando con el mejor equipo humano posible. Mikel Blasco, el director de fotografía, hizo un trabajo increíble y aportó mucho a nivel conceptual. Mariana Bastos, la productora, se encargó de abrir todas las puertas que teníamos cerradas durante el torneo para poder grabar. Con Diana Montenegro, tuvimos el gran reto de crear el sonido de la película. Costó mucho llegar donde queríamos. También nos ayudó en el departamento de cámara Cristóbal Serrá. Sin él seguramente no habría salido la película. Y la colaboración del artista sonoro Alan Nakagawa fue la sorpresa de la película. Tiene una sensibilidad tan elevada, que cuando nos enviaba las pruebas de las canciones y las escuchábamos por primera vez, se hacía un silencio muy hermoso al acabar.

¿Qué significa para el equipo la selección en Alcances?

La selección de OUT en Alcances supone un paso más de la película. Cuando se hace cine como lo hicimos nosotros, la alegría cuando te seleccionas en festivales es doble, así que imagínate como estamos en el equipo!

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

Claro que merece la pena. Cuando pierda la ilusión dejaré de hace cine.

 

 

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Guillermo Polo: On the border
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Pedrortega | 28-07-2015 | 14:46| 0


 

Guillermo Polo (Valencia, 1985) reside desde agosto de 2012 en Los Ángeles. Es un director emergente con amplia experiencia en el mundo audiovisual. Se graduó en la Universidad Politécnica de Valencia, especializado en cine, radio y tv. Guillermo comenzó a escribir y dirigir cortometrajes como estudiante adolescente. Centrándose en la narración de historias, así como en videoclips o documentales, su trabajo ha sido reconocido tanto en el sector académico como en el profesional.

En los últimos años, Guillermo ha estado involucrado en numerosos proyectos como director trabajando en Turanga Films y la colaboración con otras empresas con sede en Madrid, como Morena Films. En la actualidad, vive en Los Ángeles, donde continúa desarrollando sus propios proyectos de forma independiente.

Trabajó como operador de cámara en el cortometraje “Aquel no era yo”, nominado al Oscar 2014 y ganador del Goya 2013. En EEUU fue operador de cámara y director de fotografía segundo de la película Appetites producida por el co-productor de “The Hostel” y “Grindhouse”.

“On the border” es un western que recientemente fue seleccionado en el IFS Festival de Cine Independiente de Beverly Hills (Los Ángeles, California), en el Los Ángeles-Cinefest, en Joshua Tree International Film Festival (USA), Daroca&Prision (España) y FICMA (Colombia).

 

 

¿Cómo nace "On the border"?

Desde pequeño me atraían mucho los westerns por lo poético y poderoso que había en su lenguaje, desde la forma en la que se hablaban los personajes a lo devastadora que era la naturaleza virgen. Después de hacer una ruta en coche desde Nueva York a Los Ángeles pude conocer mucho desiertos míticos como Monument Valley o Joshua Tree y poco después de mudarme a California surgió la oportunidad de realizar el proyecto. Conocí a un guionista americano, Forbes West, fascinado igual que yo por los westerns y por Cormac Mccarthy. Él desarrolló una sinopsis y sobre ella nos pusimos en marcha entre los dos con el desarrollo de la historia. El escribía los diálogos y yo trabaja con él el desarrollo del guión.

Ya conocemos la sinopsis, pero ¿sobre qué trata?

El cortometraje trata sobre cómo las personas pueden perder la humanidad y convertirse en animales sin escrúpulos. En un entorno salvaje, sin principios y sin reglas como lo fue durante la conquista del Oeste, los personajes que lo habitaban se convirtieron en bestias por la supervivencia. Fue un momento donde hubo choques culturales, de sexos de poder… Creo que es un tema que no envejece y sigue de actualidad hoy en día y puede darse en cualquier lugar del mundo.

Personalmente, ¿qué fue lo que te llevó a dirigir una historia como ésta?

Como decía, ya veía películas de vaqueros junto a mi abuelo de niño y me aficioné. Quería lanzarme a un proyecto así con retos visuales como la fotografía de esos paisajes angostos que se pierden en el horizonte.

 

 

¿Cuáles consideras que son las influencias más importantes en las que te inspiras a la hora de desarrollar el guión?

Por un lado los dos nos fijamos en el universo apocalíptico y desértico de Cormac Mccarthy en lo que a literatura se refiere. Respecto a los autores de cine o sus películas han sido muchos por los que he viajado, desde los clásicos de John Ford o Nicholas Ray a más contemporáneos como Sam Pecnkinpah, Leone o Jim Jarmusch con su western “Deadman” donde Robert Michum hizo un pequeño papel. “The Proposition”, “Unforgiven” o la serie “Deadwood” también son trabajos que vi varias veces durante el proceso de guión.

¿Cuáles fueron los principales apoyos a la hora de producirla?

Los principales apoyos fueron la gente del equipo o del cast con la que pude contar. El actor principal salió en papeles pequeños de "Children of Men" y "Lord of the rings". Luego los del equipo de iluminación todos trabajan en "Madmen" y participaron en el proyecto porque les gustó el guión y la idea de hacer un western. También estoy muy agradecido del parque nacional de Joshua Tree que nos permitió rodar allí tres días prácticamente gratis.

¿Y los cuáles son los principales retos que tuviste que superar para que el proyecto se hiciese realidad?

Encontrar una localización accesible. Fui a varios desiertos como Mojave o Redrock Canyon. Hice bastantes viajes por el desierto hasta que fui a Joshua Tree. Al llegar allí me quedé magnetizado por ese desierto, tenia algo diferente y mágico. Gracias a varias gestiones con los Rangers pudimos conseguir el permiso.
El otro gran reto era conseguir armas, vestimenta de la época y ser fieles a esa época. En uno de esos viajes e investigación conocí a Michael, un alemán mayor que lleva años jubilado y se ha dedicado a coleccionar objetos, armas y vestuario de la época. Él mismo ha construido todo un poblado vaquero en medio del desierto que se llama "Whitehorse Ranch".

Háblanos de las fórmulas de financiación de la película.

Bueno, en EEUU funciona diferente a España. No se estilan las ayudas o subvenciones y se busca principalmente financiación privada. Yo tuve mucha suerte de conocer al co-guionista Forbes West que fue también el productor del proyecto junto a su mujer Junko Forbes y se pudo financiar gracias a su apuesta.

Preséntanos al equipo.

Como comentaba antes, conté con Ray Trickitt, actor de muchas películas incluidas “Children of Men” y “Lord of the rings”. El equipo de Grips han trabajado en películas de Tarantino, Madmen durante 7 años, etc. La diseñadora de vestuario, Kristen Kopp es la ayudante de vestuario de las películas de Paul Thomas Anderson. Luego el director de fotografía Petr Cikhart también muy experimentado que ha trabajado como director de fotografía en National Geographic y haciendo la fotografía de Amazing Race donde ganó un Emmy. También Blanca Añón en el diseño de arte con la que ya había trabajado más veces siempre a cargo de la escenografía. Todo el mundo del equipo tenía muchos trabajos y proyectos a sus espaldas.

 

 

Seguro que durante el rodaje hubo muchas anécdotas. Cuéntanos algunas.

Me vienen dos a la cabeza. En la escena donde el "cowboy" acaba de matar al perseguidor había tres helicópteros militares haciendo pruebas de vuelo y cada 5 minutos volaban sobre nosotros. Varias veces se colaban en el plano y obviamente no había helicópteros en aquella época. Parecía "Aliens vs cowboys". Teníamos que coordinarnos en intervalos de 5 minutos de forma que cuando los helicópteros aterrizaban entonces grabábamos.
La segunda es que el tercer día hubo tormenta, en un desierto que llueve 4 días al año. Tuve que cancelar el rodaje y volver la semana siguiente con la mitad del equipo. Tampoco me alteró mucho porque ya he tenido inundaciones en varios de mis rodajes pero fue un palo tener que cancelar.

¿Cómo se ha llevado a cabo la postproducción? ¿Cuál ha sido la pieza clave de esa fase?

La posproducción ha sido bastante calmada y trabajando a distancia con el compositor, sonidista, etc.. En este caso la edición la hice yo porque ya tengo varios años de experiencia en ese área y disfruté mucho con ello. Otra persona clave en la postproducción fue el supervisor de efectos especiales y artista visual Javier Santaella. Él se encargó de diseñar los títulos de crédito que cerraban el film con esa estética cruda y minimalista y del póster con el que quedamos todos muy contentos. Un póster con ese look de los westerns de los 60. También hizo el trabajo de efectos con disparos, sangre y demás.

Háblanos de la banda sonora.

La banda sonora era clave en este proyecto ya que el desierto tenía que ser un personaje más. La música la hizo Pablo Croissier e hizo un gran trabajo. Él buscó sonidos del desierto con instrumentos desgarrados que ayudaran a crear atmósferas áridas y amenazantes. Esos sonidos salvajes se mezclaban a la perfección con el diseño sonoro que hizo Fernando Arce donde los coyotes y los pájaros deambulaban por los alrededores.

Ahora que ya puedes ver la película terminada, ¿qué es lo que, personalmente como espectador, más te gusta?

Como espectador yo diría que la atmósfera a la que me transporta, el misterio y lo atractivo de lo visual. También el tiempo con el que se digiere el film sin ritmos precipitados, con calma, calma inquietante.

¿Y de qué te sientes más satisfecho como director?

Estoy satisfecho de haber hecho un western. De haberlo hecho en EEUU, en inglés y con actores americanos. Ha sido un reto haberme zambullido en esa cultura y terreno desconocido. Fue de mucha ayuda el coach de actores Manuel Trotta que me ayudó en el trabajo interpretativo y diseñando las acciones de los personajes en las escenas.

 

 

¿Qué le dirías a un espectador para recomendarle que fuese a ver la película?

Le diría que si disfruta de los westerns y le gusta que no le den masticadas las historias e interpretar lo que sucede por si mismo, entonces pasará un buen rato viéndolo y sacando sus propias conclusiones.

Háblanos de su distribución.

La distribución se está enfocando en festivales de cine a través del portal Festhome. También fue proyectado en Northbay TV (Televisión del norte de California).

Festivales de cine, ¿qué sensaciones has tenido en este aspecto?

De momento ha sido seleccionado en tres festivales en USA, uno en España y otro en Colombia. Acaba de empezar su viaje en los festivales y ahora tendremos que ver las ganas que tiene la gente de westerns, de momento la recepción de los lugares donde ha ido ha sido muy buena.

¿Sientes que merece la pena el enorme esfuerzo que supone hacer cine?

El cine al igual que otra disciplina artística requiere de mucha dedicación y de estar preparado para la incertidumbre y de muchos obstáculos a los que te expones. El motor que te mueve cada día es esa necesidad de contar y compartir lo que a ti te mueve con otra gente. Queda mucho por delante que recorrer, esto es sólo un principio, así que a seguir currando.

¿Qué opinas del panorama actual del cine independiente?

Creo que es un buen momento para contar historias, con una buena idea y un teléfono puedes conseguir lo que hace unos años era inviable. Eso sí, el modelo de cine tradicional es más complicado, las salas, las ventas.. Digamos que es más fácil hacer cine y más difícil vivir de ello, hay que ser creativo para reinventarse cada día y encontrar formas de supervivencia compatibles con el cine, tu forma de vida.

 

 

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Sobre el autor Pedrortega
Una mirada independiente sobre el cine más artesanal.